Datos biográficos
La obra de Whistler es muy importante para la difusión, tanto en Inglaterra como en América, del impresionismo, que él interpreta de forma original y enriquece con elementos simbólicos. James McNeill Whistler nace en Lowell, Massachusetts, el 10 de julio de 1834. Pasa parte de su juventud en San Petersburgo, donde su padre trabaja en la construcción de la línea de ferrocarril y se matricula en la academia de la ciudad. Tras la muerte de su padre en 1849, regresa a Estados Unidos y asiste durante tres años a la Academia Militar de West Point, que abandona pronto por no poder adaptarse a su rígida disciplina. Estudia dibujo y grabado en Estados Unidos y trabaja durante un tiempo como cartógrafo para el Departamento de la Marina estadounidense. En 1855 se traslada a París y entra en el taller de Charles Gleyre. En la capital francesa, descubre las estampas japonesas y el realismo de Gustave Courbet; entabla amistad con Fantin-Latour, Degas y los otros impresionistas, de los que recibió una profunda influencia. Durante los años siguientes, alternó entre Francia y Londres, donde expuso con creciente éxito. En 1877, sorprendió al público con su serie Nocturnos, en la que pretendía trasladar a la pintura las vibraciones emocionales de la música. Molesto por la dura crítica de John Ruskin, que le acusó de lanzar bolsas de pintura a la cara del público, le llevó a los tribunales: ganó el caso, pero se arruinó por los gastos ocasionados. En los últimos años de su vida, influido por sus contactos con los simbolistas, especialmente con Stéphane Mallarmé, desarrolló aún más el concepto de arte como pura experiencia estética y como fin en sí mismo, independiente del objeto representado.
Terminología musical
La tendencia a la investigación puramente formal ya era evidente en el cuadro Wapping de 1860-1864: Whistler reelaboró varias veces la cabeza de su amante Joanna Hiffernan, que sirvió de modelo para la famosa Joven de blanco de 1862. Diez años más tarde, cuando adoptó la terminología musical tomada de Baudelaire y otros artistas, como sinfonías y armonías, con indicación del color o tono dominante, ya que estos términos se adaptaban mejor a su concepción de una estética abstracta, el cuadro pasó a llamarse Sinfonía en blanco nº 1. Realizado en el estudio parisino del 18 del Boulevard Pigalle, el cuadro fue rechazado por la Royal Academy en 1862, y por el Salón de París al año siguiente. Whistler lo expuso en el Salon des Refusés, donde atrajo tanta atención como el Déjeuner sur l’herbe de Manet. La audaz disposición de un vestido blanco sobre un fondo de cortinas blancas, que el artista resalta por medio de sutiles modulaciones de textura, la llamativa mancha roja del pelo de la joven en este mar blanco y la falta general de tema provocaron un sinfín de preguntas sobre el «significado» del cuadro. El sencillo vestido de la joven, se asemeja al de las modelos de los prerrafaelistas, especialmente de Dante Gabriel Rossetti, a quien Whistler había conocido en aquella época.
A Whistler se debe la superación del periodo prerrafaelista y la más seductora y evanescente imagen de la alta sociedad en época victoriana. Un modelo de convenciones, de formalismos rebuscados y compartidos, bajo el que vibran escalofríos refrenados, emociones contenidas pero perceptibles. Whistler era consciente de la sutil corriente que fluía entre el retrato verosímil y la imagen cerebral. Pasó así gradualmente a un sofisticado simbolismo, fruto de una cuidada selección «estética» de los motivos. Incluso antes que Manet, el pintor americano reveló el recuerdo de Velázquez de forma «moderna» y sensual.
En el cuadro Sinfonía en blanco nº 2, expuesto en la Royal Academy de Londres en 1865, el pintor también adoptó un título cercano a la música, para subrayar aún más el estrecho vínculo entre los colores y las emociones evocadas por las notas. La modelo, con un abanico japonés en la mano, es la irlandesa Joanna (Jo) Hiffernan, a la que el artista amaba entonces, representada en la casa donde vivía con él en Lindsey Row, en el barrio londinense de Chelsea. Este cuadro inspiró al poeta Algernon Charles Swinburne, que incluyó una balada titulada Before the Mirror en su volumen Poems and Ballads.
En Armonía en gris y verde. Retrato de Cicely Alexander de 1872, representa a la hija del banquero y coleccionista William Alexander a la edad de ocho años. El cuadro ha sido ejecutado con extremo cuidado y atención a los detalles, como el vestido, diseñado por el propio artista. La influencia de Manet (y, a través de Manet, de Goya y Velázquez) es tan explícita que constituye casi un homenaje al más culto de los impresionistas. Como siempre, Whistler interpreta el retrato como una ocasión para realizar refinados análisis sobre la luz y el color. En general, Whistler no era un pintor complaciente: como otros intelectuales decadentistas y simbolistas, mostraba un aire provocador y se consideraba un maestro en el «noble arte de ganarse enemigos»; el fondo del retrato muestra la pasión de Whistler por el arte japonés. Asimismo, Whistler concebía cada vez más cada una de sus obras como una entidad decorativa. Diseñó sus propios marcos, dorados y moldeados, e inventó un monograma en forma de mariposa, que incorporó cuidadosamente a su lienzo como parte de la composición (en la imagen, abajo a la izquierda).
Whistler y el arte japonés
La preocupación primordial de Whistler por los datos formales del arte pictórico se vio acrecentada por su experiencia con el arte japonés. Fue uno de los primeros coleccionistas de porcelana azul y blanca y admiraba los grabados japoneses. Whistler descubrió el arte chino y japonés en la Feria Mundial de Londres de 1862 y en ciertas galerías parisinas que llevaban algunos años importando arte oriental. Gracias al contacto con los grabados japoneses, el artista aprendió una nueva distribución de la masa y un uso más libre del color. Obras como Rosa y plata: La princesa en el país de la porcelana de 1864 y Capricho en púrpura y oro nº 2. El biombo de oro, del mismo año, en este último, la figura del cuadro es una mujer occidental, a la que le gusta vestir y coleccionar obras de arte orientales, una moda muy extendida en la época, así como el frágil El artista en su estudio, de 1865-1866, muestran la adopción de actitudes orientales en cuanto a los problemas de la línea y la perspectiva, las delicadas relaciones de color, la composición de un tema en la superficie pictórica, al mismo tiempo que representan la vestimenta oriental. Whistler compartía la difundida pasión por las estampas japonesas, que tanto fascinaron, entre otros, a pintores como Van Gogh y Mary Cassat. A diferencia de otros colegas pintores, Whistler no se limitó a retomar aspectos técnicos o competitivos, sino que intentó una sofisticada interpretación. Como siempre, James Whistler muestra una total indiferencia por el motivo: lo que le atrae son las reflexiones técnicas y experimentales sobre el color y el dibujo.
El cuadro Tres figuras en rosa y gris es uno de los seis bocetos al óleo que Whistler realizó en 1868 como parte de un proyecto de friso encargado por el empresario F.R. Leyland, fundador de la compañía naviera Leyland. Conocidos como los «Six projets», los bocetos representaban escenas de mujeres y flores, y estaban fuertemente influenciados por el arte japonés. Aunque las tres figuras están claramente cuidando un cerezo en flor, el objetivo de Whistler en este cuadro es crear un estado de ánimo o una atmósfera, más que sugerir un tema. La disposición poco profunda del friso, la planta en flor y la sombrilla de la figura de la derecha, son también signos de una deliberada japonesidad. El cuadro se caracteriza por los tonos pastel, una «armonía» de rosas y grises, puntuada por los rojos más vivos de la maceta y los pañuelos de las jóvenes, y por la pared turquesa que hay detrás.
Los Nocturnos de Whistler
Protagonista de la cultura simbolista de la segunda mitad del siglo XIX, Whistler muestra una sugerente superposición entre pintura y música, ligada en particular a las atmósferas tardorrománticas y las gradaciones tonales de Richard Wagner. Al igual que con sus «Sinfonías» de 1877, Whistler sorprendió al público con su serie de Nocturnos, en los que trataba de trasladar a la pintura las vibraciones emocionales de la música. En la exposición titulada Nocturnos que organizó en la Grosvenor Gallery de Londres, estableció un precio fijo de doscientas guineas por cada cuadro, pero no fue comprendido por el público ni por la crítica. La exposición provocó la furiosa indignación del célebre escritor John Ruskin quien, ante el cuadro Nocturno en negro y oro: la caída de los fuegos artificiales, escribió: «Nunca imaginé que un bufón pudiera cobrar doscientas guineas por lanzar un jarrón de colores ante el público». Whistler reaccionó acusando al famoso crítico de difamación. En el tribunal, cuando un abogado le preguntó si consideraba moral cobrar 200 guineas por unos días de trabajo, el pintor respondió: «No, lo cobro por los conocimientos que he adquirido en toda una vida».
Espléndido paisajista, Whistler recuperó de modo inteligente muchos elementos de la pintura europea del siglo XX. También en las vistas, el pintor indicaba en el título las tonalidades predominantes en la obra: los paisajes londinenses están relacionados explícitamente con Turner, a cuya influencia se debe el aspecto desenfocado, casi de niebla, que envuelve los contornos. Por otra parte, a finales del siglo XIX, el panorama del Támesis se unió al del Sena (Monet pintó varias veces el Parlamento de Westminster), Whistler, con su técnica refinada, casi decadente, adopta una posición intermedia entre el periodo romántico y el paisaje «mental» de las vanguardias. En Nocturno en azul y oro. El Viejo Puente de Battersea, comenzado en 1872 y terminado en 1877, muestra la proximidad del artista a los impresionistas, especialmente a Monet.
Sólo recientemente la cultura estadounidense ha «recuperado» a Whistler: reflejando la opinión común de los visitantes estadounidenses, en 1984 el director de la National Gallery de Washington describió la pintura de Whistler como un curioso híbrido, «un estilo de molesta elegancia y suave y tenue belleza, un modo brillante de figuras sin cuerpo», prefiriendo las obras de pintores como William Chase y Robert Henri, «más vigorosas, más rotundas, más estadounidenses».
Bibliografía
Isabelle Enaud-Lechien. James Whistler. Parangon, 1996.
Bruno Delarue. James Abbott McNeill Whistler. Terre en vue. 2016.
Daniel Kiecol. La peinture américaine. La grande parade de l’art, 2021.
Collectif. La peinture américaine. Gallimard, 2002.
Collectif. L’Impressionnisme. La Petite Collection de l’Art. Taschen, 2020.
