El regionalismo de Grant Wood
Grant Wood está considerado como uno de los principales pintores regionalistas estadounidenses de la década de 1930 y, a pesar de una carrera relativamente corta y de haber sido marginado por la crítica en la década de 1940, sigue siendo uno de los más populares. Su adhesión al realismo, combinada con composiciones formales muy complejas y perspectivas extrañas, atrajo a los espectadores a un mundo que no siempre era el que esperaban. Abandonando el arte europeo de vanguardia, Wood representó su Medio Oeste natal con la claridad y precisión que había observado en el arte renacentista nórdico y las líneas y curvas orgánicas del Art Deco, fusionando estos estilos dispares en una visión claramente estadounidense. Al pintar la vida rural y pueblerina, Wood ofreció al público estadounidense una visión idealizada de sí mismo en una época en la que la mayoría de los trabajadores de su país se enfrentaban a grandes dificultades.
Tras el crack bursátil de 1929 y el inicio de la Gran Depresión, los artistas estadounidenses concentraron sus esfuerzos en la creación de una forma particular de arte americano, que encarnaba valores patrióticos que remitían a una época pasada. Nostálgico y romántico, el regionalismo describía una sociedad dedicada al trabajo productivo dentro de comunidades muy unidas. Al igual que John Steuart Curry y Thomas Hart Benton, Grant Wood retrató a los hombres y mujeres del Medio Oeste que encarnaban esta América idealizada. Sus cuadros, sobre todo American Gothic, siguen siendo de los más emblemáticos creados por un artista estadounidense, lo que le ha dado a Wood un lugar permanente en la cultura popular de Estados Unidos.
Grant Wood, formación
Nacido en 1891, Grant Wood pasó sus primeros años en una granja de la zona rural de Anamosa, Iowa. Tras finalizar la enseñanza secundaria, Wood viajó a Minnesota para asistir a un curso de verano en la Escuela de Diseño de Minneapolis bajo la tutela de Ernest A. Batchelder, destacado defensor del movimiento Arts and Crafts. Regresó al verano siguiente, pero durante el año escolar tomó clases de dibujo del natural en la Universidad de Iowa con Charles Cumming, pintor académico formado en Francia. En 1913 se trasladó a Chicago, donde asistió a clases nocturnas en el Art Institute mientras se ganaba la vida haciendo joyas. En 1920, después de la guerra, Wood viajó a Europa. Regresó a Francia en 1923-1924 para estudiar en la Académie Julian de París, y continuó sus viajes por Italia. Durante este periodo, pintó en un estilo de inspiración impresionista, concentrándose en los paisajes. Aunque su estilo evolucionó considerablemente con el tiempo, los motivos decorativos de follaje y la luz de sus primeras obras siguen siendo una característica de su estilo de madurez.
Un último viaje a Europa, esta vez a Alemania, inspiró aun más el estilo maduro de Wood. En 1928, viajó a Múnich para supervisar la fabricación de una vidriera para el Cedar Rapids Veterans Memorial Building. El preciso realismo de las obras maestras flamencas expuestas en la Alte Pinakothek, de Hans Memling, Hans Holbein y Alberto Durero, recordaban a Wood «las bonitas ropas y accesorios del periodo gótico», declarando que el estilo le recordaba a su propio trabajo de niño, antes de que le enseñaran a utilizar un «estilo suave y evocador».
Periodo de madurez: Stone City Art Colony
El perfil de Wood pasó rápidamente de ser el de un pintor local a un pintor regionalista reconocido a escala nacional. En 1930, el cuadro American Gothic ganó una medalla en la exposición anual del Art Institute de Chicago. El artista tenía entonces 39 años, y era el tercer cuadro que exponía fuera de su estado natal. El Instituto no tardó en comprar la obra, lo que aumentó de forma rápida la reputación de Wood. Animado por este nuevo reconocimiento, Wood, junto con Ed Rowen -una figura destacada en los círculos artísticos de Cedar Rapids y futuro jefe de la sección de bellas artes de la Administración de Edificios Públicos- y otros artistas, para formar la Stone City Art Colony. Situada cerca de la ciudad natal de Wood, éste estuvo íntimamente implicado en todas las decisiones sobre su diseño, publicidad y programa. La escuela ofrecía cursos de pintura, litografía, enmarcado, dibujo y escultura. Para el refectorio de la colonia, Wood construyó largas mesas comunitarias diseñadas para fomentar el ambiente familiar de la empresa. Los manteles de cuadros rojos que encargó recordaban más a su propia familia y a su primer taller. Las alumnas de la colonia se alojaban en la llamada Mansión Green, mientras que los alumnos y profesores vivían al aire libre, bien acampando en los terrenos de la casa o en uno de los diez viejos vagones donados a la colonia por una empresa de helados de Cedar Rapids. Wood animó a los alumnos a pintar murales en los laterales de estos «vagones de gitanos», creando una galería al aire libre que se extendía hasta la antigua torre de agua de la ciudad.
La colonia artística de Stone City atrajo a artistas de todo el Medio Oeste, entre ellos John Steuart Curry, un artista de Kansas que pronto se convertiría, junto con Wood y Thomas Hart Benton de Missouri, en una importante representación del arte regionalista.
Entre 1930 y 1934, Wood pintó varias de las obras por las que es más conocido: Arnold Comes of Age (1930), Victorian Survival (1931), Appraisal (1931), Daughters of the Revolution (1932), Midnight Ride of Paul Revere (1931) y Dinner for Threshers (1934).
La cabalgata de medianoche de Paul Revere
El famoso poema de Henry Wadsworth Longfellow inspiró a Wood para representar, en 1931, la legendaria cabalgata de Paul Revere por las ciudades de Massachusetts, advirtiendo de la llegada de las tropas británicas. Un foco teatral ilumina el centro del cuadro, mostrando la ciudad desde un punto de vista aéreo y situando las cimas de las chimeneas en primer plano. A la izquierda, la figura de Revere con aspecto de muñeco pasa a toda velocidad por delante de una iglesia encalada. Algunos ciudadanos salen de sus casas a su paso. Al fondo, a ambos lados de la ciudad iluminada, se extiende una carretera oscura que conduce a colinas onduladas con árboles esféricos decorativos.
El poema de inspiración patriótica, que elogia el viaje de Revere «En cada pueblo y granja de Middlesex, un grito de desafío, no de miedo», inspiró a Wood durante mucho tiempo. De niño, Wood dijo que se imaginaba «advirtiendo a la gente de un temido ciclón» de la misma manera, puede haberle influido en la forma lúdica en que representó la leyenda. Estilísticamente, esta obra ilustra tanto las tendencias prospectivas como retrospectivas del estilo maduro de Wood. El paisaje está construido sobre una geometría decorativa alegremente excesiva, que reduce todos los objetos a formas redondeadas o estrictamente lineales. La precisión de la pintura era nueva para el artista, pero la imposición de un diseño moderno en el paisaje refleja sus raíces profesionales. Aunque Wood no tenía ningún interés en trabajar en un estilo cubista o abstracto, quería que su obra tuviera un aire moderno. Aplicar principios de diseño contemporáneo a sus paisajes fue su solución: sus árboles y colinas tienen la implacable geometría repetitiva de un rascacielos Art Déco.
La elección del tema y el tratamiento decorativo se han interpretado de maneras opuestas. Una lectura considera que la obra -por la ligereza del tema y la teatralidad impasible del escenario- es irreverente y refleja lo que la historiadora del arte Wanda Corn llama «el espíritu iconoclasta de desmitificación de los años veinte», alineando a Wood con H.L. Mencken, conocido por su burla de los gustos del estadounidense medio. Otros han agrupado la representación de Wood con una tendencia paralela de un movimiento más amplio para preservar la época colonial en Estados Unidos, cuyo emblema más evidente es la restauración de Williamsburg, Virginia, por John D. Rockefeller Jr. Aunque Wood da al tema un tratamiento típicamente libresco, con la vista de pájaro y el paisaje gráfico, la intención es una reinterpretación de una leyenda nacional, basada en la convicción del artista de que América poseía una rica literatura, digna de preservación y aprecio.
Último periodo
A partir de 1934, la vida de Wood cambió radicalmente al ser nombrado director del proyecto de murales, el famoso Public Works of Art Project (PWAP) para Iowa y convertirse también en profesor de arte en la Universidad de Iowa, en Iowa City. A menudo descrito como un «tímido soltero», frase eufemística utilizada para enmascarar su homosexualidad, Wood se casó abruptamente en 1935 con Sara Maxon, una cantante de Cedar Rapids, y se trasladó a Iowa City, dejando atrás la comodidad y el apoyo de su ciudad natal. Su puesto de profesor y su matrimonio resultaron tumultuosos. Sólo pintó un cuadro en los tres años siguientes y pasó la mayor parte de su primer año en Iowa City renovando y decorando la casa anterior a la Guerra Civil que había comprado con su mujer, transformándola en un ambiente «moderno-ecléctico» en la misma línea que su estudio de Cedar Rapids. El tríptico Dinner for Strikers era un estudio para un mural por encargo. El encargo nunca se materializó, pero el cuadro se expuso en numerosas ocasiones. El formato de tríptico y el estilo detallado y maduro de Wood, que se encuentran en esta obra, se inspiran en los retablos de artistas del Renacimiento nórdico como Hans Memling y Alberto Durero. Cena para trilladores muestra los recuerdos de la infancia de Wood sobre la época de la cosecha. La sección de la izquierda muestra a los trabajadores agrícolas preparándose para unirse al grupo que almuerza en el interior. Cerca de la parte superior del tejado del granero, la inscripción «1892» sitúa la escena en el año de nacimiento de Wood. La escena central muestra a catorce trabajadores reunidos alrededor de la mesa, sentados en sillas desparejadas. Sus frentes blancas contrastan con sus rostros quemados por el sol, ya que todos se han quitado cortésmente el sombrero en el interior. Una mujer llega de la cocina con una sopera blanca. La tercera sección muestra a dos mujeres en la cocina inclinadas sobre los fogones de una cocina de leña, vigiladas por un gato.
En Iowa City, Wood volvió a sumergirse en la comunidad artística, uniéndose al Times Club, un grupo de intelectuales que acogía a conferenciantes invitados por la S.P.C.S. (Sociedad para la Prevención de la Crueldad con los Oradores), publicando Revuelta contra la ciudad (1935), un manifiesto regionalista, y exponiendo regularmente en importantes muestras nacionales. Sin embargo, no fue un periodo feliz para Wood. Su matrimonio terminó después de sólo tres años, su querida madre murió y él tuvo poco tiempo para dedicarse a la pintura. Aunque produjo varias obras notables –Fábula de Parson Weems (1939), Primavera en el campo (1941) y Adolescencia (1940), sus numerosos proyectos ilustrativos y litografías fueron blanco de la crítica, que consideraba que su obra era demasiado ilustrativa y que su reputación dependía demasiado de la atención mediática. La última obra de Wood, Parson Weems’ Fable (1939), es una representación poco convencional de la legendaria fábula de Parson Weems sobre la honestidad de George Washington. Weems, autor de George Washington the Great (1806), aparece en primer plano, descorriendo lo que parece un telón con borlas. Detrás, hay una escena de su cuento apócrifo en la que el joven George Washington confiesa haber cortado un cerezo. El pequeño Washington -cuya cabeza se representa como la del «padre de la nación», según el Retrato del Ateneo de Gilbert Stuart- hace un gesto hacia el hacha que tiene en la mano, confesando la destrucción del árbol con los bordes perfectamente redondeados, que su padre, con gesto severo, sostiene en una mano mientras le reprende por su acto impulsivo. En segundo plano y en diagonal, surge una casa de ladrillo rodeada de verde césped donde dos trabajadores cuidan un árbol de geometría similar, y colinas cubiertas de un ordenado follaje se extienden en la lejanía.
Wood, al igual que Benton y Curry, siguió siendo un «populista chic» entre los coleccionistas de la época. Famosos como Cole Porter, Alexander Woolcott y Katherine Hepburn adquirieron obras suyas. Death on the Ridge Road, pintada en 1935, es un mundo aparte de los paisajes típicamente alegres del artista, una escena que presagia una catástrofe tanto natural como humana.
El estilo realista y la ética regionalista de Wood se convirtieron en el «estilo de la casa» de los proyectos de la WPA. El programa y su efecto en los artistas encajan perfectamente con la filosofía personal de Wood de comunidad y colaboración entre artistas. El artista James Brooks escribió en Artists at Work que el Federal Art Project «eliminó la competencia entre artistas en el mundo del arte, de modo que empezamos a vernos como parte de un todo». Franklin Delano Roosevelt consideraba que el programa había contribuido a poner el arte al alcance de todos los estadounidenses, afirmando que los ciudadanos que habían «aprendido a creer que el arte era algo ajeno a Estados Unidos y a ellos mismos. En los últimos años han descubierto que el arte es algo en lo que tienen un papel que desempeñar». Los proyectos llevaron el modernismo realista a millones de estadounidenses mediante obras realizadas para las oficinas de correos y edificios federales de todo el país.
