La pintura de género

Por primera vez en el siglo XVII, en los Países Bajos, es la vida cotidiana de seres anónimos y no la historia sagrada, el mito griego o las vidas heroicas de personajes ilustres, que constituye el tema central y el principio organizador del cuadro. Sin embargo, habrá que esperar hasta fines del siglo XVIII para ver aparecer el término francés de «género«, utilizado para describir la inmensa variedad pictórica con la que se ilustraban todos los aspectos de la vida cotidiana. Fue Diderot quien utilizó por primera vez el término en su Essai sur la Peinture (1795) para describir todas las categorías menores de la pintura. Paisajes, naturalezas muertas, escenas de la vida campesina, pertenecían a la pintura de género, a diferencia de la pintura de historia que incluía temas religiosos, mitológicos y clásicos. La definición que prevalece hoy es la que dio Franz Kugler en 1837 en su muy influyente Manual de historia de la pintura: «las pinturas de género son representaciones de la vida cotidiana», es decir, la representación de una realidad observada: la serenidad doméstica (dominio de la mujer y el niño), el mundo del hombre (los oficios), la relación romántica (música, lectura, escritura), el ocio (kermesses y ferias). Los significados encontrados en las pinturas holandesas se relacionan con valores morales, lo que en los Países Bajos calvinistas del siglo XVII se considera virtud o vicio. Para los holandeses de la época, movidos por un auténtico furor moralizante, la vida cotidiana es todo menos un terreno neutral. Por lo tanto, en términos retóricos, la pintura es un género apodíctico, el de la alabanza y la reprobación, o el idilio y la sátira. La influencia de Bruegel en la evolución de la pintura de género en el norte de los Países Bajos fue enorme. No sólo las estampas y copias inspiradas en sus pinturas fueron ampliamente distribuidas en el norte, sino que muchos pintores de Amberes, conscientes de sus innovaciones, se refugiaron allí después que la guerra contra España diera lugar a la división de las Provincias Unidas.

Por su propia naturaleza, la pintura de género holandesa ilustra, refleja y comenta la vida contemporánea en el norte de los Países Bajos. Es un arte permeable a las ideas y grandes debates de su tiempo, a las metamorfosis de orden social y a las costumbres de la vida privada y la vida pública. Los factores determinantes en la transformación de la sociedad holandesa en el siglo XVII fueron la larga guerra con España y, en particular, la migración de las poblaciones a las provincias del norte, la penetración del calvinismo en todos los aspectos de la vida de la República donde tenía el estatus de religión estatal, el conflicto político permanente entre la clase urbana dominante y la Casa de Orange y, finalmente, el éxito extraordinario de la economía nacional durante la primera mitad del siglo XVII.

Las mujeres y su papel como madres

En la pintura de género holandesa, las mujeres son glorificadas en su papel de madres, sobre todo cuando se ocupan de sus hijos pequeños. Así, en una pintura de Pieter de Hooch, una mujer holandesa se convierte en una verdadera madona profana, como las que representaba Rembrandt, un tema sagrado tratado como una escena de la vida cotidiana. En Gerard ter Borch, por el contrario, son los gestos cotidianos en sí mismos que adquieren un carácter casi de santidad. Después, la madre se ocupa de la educación de los niños: les enseña a leer, pero también y especialmente las tareas del hogar. Cuando los pintores holandeses muestran una madre ocupada en la educación de sus hijos, quieren indicar que se cumple el deber materno; la única forma de educar es con el ejemplo, y en la pintura de Gerard ter Borch, Mujer pelando una manzana bajo la mirada de un niño, el niño aprende a realizar una tarea doméstica básica observando a su madre.

Los predicadores calvinistas instaban a los padres a corregir a los niños para librarlos del pecado y la ociosidad, y la casa era, por excelencia, una institución educativa y disciplinaria al mismo tiempo. La madre jugaba un papel importante en la educación de sus hijos antes de que fueran lo suficientemente mayores para ir a la escuela. En una pintura del Rijksmuseum, Pieter de Hooch muestra a una madre dando la jarra que ha sacado de la despensa a una niña para que se la sostenga. En otra pintura del mismo pintor (Londres, Wallace Colección), un niño lleva prudentemente la cesta a su madre. Se trata de dos ejemplos de buen comportamiento de los niños pequeños en el hogar.

La estructuración de la vida alrededor del eje interior/exterior también corresponde a una distribución de roles según los sexos: a los hombres el mundo exterior, a las mujeres el hogar. Según el más famoso poeta-moralista de la época, Jacob Cats «El marido debe estar en la calle para practicar su oficio, la esposa, a sus fogones, no abandonará su hogar». Esta distribución no es nada sorprendente ni original. Holanda en el siglo XVII no es ni la primera ni la última sociedad del mundo en que se espera que las mujeres se dediquen esencialmente a tres tareas: limpiar la casa, preparar la comida y criar a sus hijos.

El entorno arquitectónico y el patio, están en perfecta armonía con la acción que tiene lugar allí: una madre acompañada de su hijo, encarnación perfecta de la preocupación parental y el apego infantil, es decir, de la virtud doméstica.

Las madres también eran responsables del aspecto exterior de sus hijos. Limpieza, aplicada a las personas (como en la escena frecuente de despiojamiento) al hogar y patios: la limpieza física evoca la pureza moral. Pero quizás la imagen del amor materno más conmovedora que se ha pintado en Holanda en el siglo XVII es El niño enfermo de Metsu (Rijksmuseum) que, por la descripción de la ternura materna, recuerda muy claramente el tema religioso de la Virgen y el Niño.

Las tareas domésticas

Las tareas domésticas cotidianas del ama de casa ofrecían a los pintores de género holandeses una rica variedad de temas. Pieter de Hooch muestra a una mujer pelando la fruta; Pieter van Roestraten pintó en 1678 a una mujer haciendo crepes, Jacob Duck a una mujer planchando, Esaias Boursse a otra cosiendo, y a otra hilando. En 1663, después de abandonar Delft por Amsterdam, De Hooch ejecutó un interior burgués lujosamente decorado con estatuillas antiguas, pinturas y pilastras enmarcando puertas y ventanas; vemos a una mujer y a su sirvienta coger ropa de un armario de ropa blanca de marquetería; detrás de ellas, una niña pequeña sostiene un bastón de kolf. No es solo al ama de casa que el pintor de género ve en su interior. En una de las composiciones más bellas de Vermeer, La Lechera, el pintor confiere al movimiento simple y elegante de la joven, una monumentalidad de estatua. Su gesto parece casi sacramental; podría muy bien estar realizando un rito profano, una impresión que no deja de evocar las profundas similitudes que existen entre la pintura de género y la pintura religiosa.

Una ilustración frecuente de la virtud doméstica es la preparación de alimentos, a veces bajo la atenta mirada de una niña pequeña: así, el trabajo sirve al mismo tiempo para la educación de los niños.

Por otra parte, las mujeres también tienen acceso a ciertas prerrogativas masculinas: dirigen la economía familiar cuando los maridos están ausentes. Un viajero inglés señala: «En Holanda, las esposas conocen tan bien la estrategia de negociación, la contabilidad y la escritura, que en ausencia de sus maridos, en largos viajes por mar, llevan a cabo negocios en sus hogares y su palabra merece el mismo crédito que la de sus maridos.»

Muchas pinturas muestran como la madre está aprendiendo a leer a su hijo o leer ella misma. A cargo de supervisar la educación de los más pequeños, ellas mismas han sido educadas a este efecto, al menos en ciertos ámbitos.

El mundo de los niños: la escuela

La buena educación de los niños era un aspecto importante para los holandeses del siglo XVII y tema de constante preocupación; Como tal, gozaba del favor de los pintores de género holandeses. En una pintura de Rijksmuseum, Gerard Dou muestra a los niños en la escuela nocturna; el maestro anciano ayuda a una niña a leer mientras un niño espera su turno. La elección del pintor: una aula representada por la tarde, o quizás temprano, en una mañana de invierno, le permite pintar lámparas y velas encendidas, detalles en los que destacaba el pintor y suscitaron la admiración de Hoogstraten y de otros artistas. Jan Steen se toma el tema de la educación escolar de forma más intrascendente. Su pintura El maestro de escuela forma parte de la tradición satírica del grabado de Pieter Bruegel: El asno en la escuela, que ilustra un dicho popular: «Incluso si el asno va a la escuela a aprender, seguirá siendo un asno cuando salga y no un caballo». En la escuela de Steen, no hay nada que aprender del maestro miope, que está tan concentrado recortando su pluma, que no ve el caos a su alrededor. Algunos niños quieren aprender y, para este fin, se han reunido alrededor de la maestra de escuela que corrige su ortografía mientras los demás se pelean, cantan, se burlan del maestro o duermen. A la derecha, hay un búho (o lechuza), símbolo familiar de la estupidez humana en la obra de Steen, al que un niño tiende unas gafas.

El maestro de escuela de Adriaen van Ostade, es una visión auténtica de ciertas escuelas de aldea, que en aquella época ya fueron objeto de recriminación. Una cuchara de madera en la mano, el maestro aparece como un verdugo disciplinario. Está interrogando a un niño pequeño que oculta sus ojos mientras otros dos esperan su turno junto a él. En otras zonas de la clase, los niños escriben el abecedario en sus pizarras; al fondo de la sala, un niño se asoma a la ventana y otro, en lo alto de una escalera, regresa de buscar una cesta que se ha colocado en la cabeza.

Los juegos infantiles

En la pintura holandesa, los juegos infantiles se han tratado durante mucho tiempo como alegorías de la vida adulta. Esto se ha puesto de manifiesto en el cuadro Los juegos infantiles de Bruegel de 1560. Niños de todas las edades hacen rodar aros, caminan sobre zancos, juegan a la peonza, saltan a la pídola, pelean en torneos simulados, inflan vejigas, juegan a las muñecas y otros juguetes. También han invadido el edificio que domina la plaza, el ayuntamiento, Brueghel queriendo indicar que los adultos que dirigen los asuntos cívicos son como niños a los ojos de Dios.

Se han identificado más de ochenta juegos diferentes, pero Brueghel no solo compila una enciclopedia de juegos, también nos muestra a los niños absortos en sus juegos con la misma seriedad que los adultos llevan a cabo sus actividades.

Esta idea, aparecía a menudo en la literatura contemporánea: en un poema flamenco anónimo, publicado en Amberes en 1530 por Jan van Doesborch, la humanidad es comparada con los niños que se dejan absorber por sus juegos en lugar de dedicarse al servicio de Dios.

Por el contrario, en el Concierto de niños, Jan Molenaer celebra la inocencia de la infancia; los niños tocan el violín y el rommelpot (zambomba), mientras que la niña disfrazada con un peto de armadura demasiado grande para ella, lleva el compás golpeando un casco con dos cucharas. Solo la jaula vacía de la izquierda introduce un elemento de melancolía: el pájaro ha huido; su reclusión fue tan breve como efímera es la infancia.

Un interior característico de las casas de Delft. Una puerta abierta que da al patio; un niño sonriente está esperando fuera. Una niña en la entrada tiene un palo de kolf en la mano (una especie de hockey sobre hierba)

Celebraciones familiares

Las celebraciones familiares más importantes del calendario holandés eran San Nicolás y la Fiesta de los Reyes. San Nicolás que tiene lugar el 6 de diciembre es la fiesta de los niños. Según la tradición, los niños ponen sus zapatos en la chimenea antes de acostarse, y el santo asistido por su ayudante, Zwarte Piet (Pedro el Negro, llamado así por el hollín que cubría su rostro) llenaban los zapatos de los niños: los que habían sido buenos encontraban golosinas y juguetes, por el contrario, solo encontraban una rama de abedul. Para esta ocasión, se preparaban panes especiales y galletas para toda la familia. Todos estos elementos están representados en la Fiesta de San Nicolás de Jan Steen. Richard Brakenburgh en su Fiesta de San Nicolás de 1685 se inspira bastante fielmente de Steen, pero situa la escena en el contexto de una familia de clase media. La actitud de Steen es generosa y respetuosa con la fiesta, aunque también es cierto que la Iglesia Reformada Holandesa fue crítica con las golosinas y regalos asociados con esta festividad católica. Delft en 1607 prohibió la venta de pan de jengibre y pasteles en forma de cabeza humana (santos) tradicional en la fiesta de San Nicolás y, en 1657, la ciudad de Dordrecht proscribió radicalmente la propia fiesta. Pero las prohibiciones locales de este tipo tuvieron poco efecto en las costumbres. Steen, un católico, era normalmente impermeable a tales críticas calvinistas y, de hecho, su pintura fue un tanto controvertida.

La Fiesta de los Reyes es otra antigua fiesta católica que se perpetuó en la República Calvinista de forma secular, a pesar de la desaprobación de la Iglesia Reformada. El 6 de enero, fiesta de la Epifanía, cada familia elegía un rey durante la comida, ya sea al azar o mediante la aceptación del elegido por la fortuna que encontraba la haba o la moneda de plata escondida en el pan o el roscón. En algunos lugares, incluso se elegían tres reyes, la fiesta se llamaba entonces Driekoningen e iban vestidos, dos de blanco y el tercero, Melchor, de oscuro y con la cara ennegrecida; salían de casa seguidos por un cortejo de niños llevando cestas en la cabeza a modo de sombreros y algunos de los cuales representaban a los personajes tradicionales del Loco y el Glotón, cantando viejas canciones sobre Herodes y los magos; luego entraban en una taberna donde les ofrecían los roscones de reyes.

En esta pintura, Steeen ha sentado al «rey» al final de la mesa, con el pie sobre un fuelle. Está flanqueado por el Loco que lleva un cubo en la cabeza y una mujer que representa la gula. En la esquina inferior derecha, una niña levanta su falda para saltar sobre las tres velas que simbolizan a los tres magos. Las típicas gaufres, en un plato en primer plano, se comían tradicionalmente durante las celebraciones y las cáscaras de huevo en el suelo, representan un popular juego holandés.

En la parte superior de las escaleras, a la izquierda, un joven canta tocando el rommelpot flamenco, un recipiente de barro recubierto de piel. Forma parte de un grupo de artistas que deambulaban por las calles cantando y llevando una estrella de papel (medio visible en la puerta) que representaba a la estrella bíblica que guió a los Reyes Magos a Belén. El artista se representó a sí mismo como el hombre que sostiene tres pipas de arcilla, colocadas justo encima de la mujer sentada que alimenta a un niño.

Steen ha representado otras escenas inspiradas en el calendario religioso. El domingo de Pascua, los niños vestidos con túnicas blancas iban de puerta en puerta por la aldea, cantando canciones populares, por lo que eran recompensados con una moneda. El dinero recaudado se destinaba a instituciones de caridad, como orfanatos u hospicios. Como en tantas festividades cristianas, se conservan elementos paganos, como en el cuadro del Museo del Petit Palais, donde la niña lleva una corona de flores en la cabeza y puede identificarse con la Reina de Mayo, fiesta pagana ferozmente condenada por los calvinistas.

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Bibliografía

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Westermann, Mariët. Le siècle d’or en Hollande. Paris, Flammarion, 1996