He pasado mi vida en la cubierta de los barcos

Se ha dicho que Raoul Dufy (Le Havre 1877 – Forcalquier 1953) nunca pintó un cuadro triste, porque su particular modernismo no se vio obstaculizado por la duda o la tensión. Por el contrario, expresó los aspectos más optimistas del siglo XX con ingenio y estilo. El descubrimiento del fauvismo por Dufy en 1905 fue una revelación y le ayudó a liberar el color y la línea de sus funciones miméticas; su posterior encuentro con el cubismo influyó en sus dinámicos diseños de telas Art Déco, empleados por modistos tan famosos como Paul Poiret. En la década de 1920, el artista adoptó lo que se convertiría en su estilo taquigráfico característico, combinando hábiles y espontáneos contornos con amplias e ilimitadas áreas de vivos colores. Volvió a adaptar este estilo en varias obras públicas de gran tamaño en la década de 1930, así como en una serie de pinturas dedicadas a famosos músicos clásicos al final de su carrera. Incluso la gran escritora modernista Gertrude Stein se deshizo en elogios hacia esta cualidad de su arte, diciendo sucintamente: «Hay que meditar sobre el placer. Raoul Dufy es el placer ».

«He pasado mi vida en las cubiertas de los barcos: es el entrenamiento ideal para un pintor. Podía oler todos los perfumes que salían de las bodegas. Por el olor sabía si un barco venía de Texas, de la India o de las Azores, y eso avivaba mi imaginación». Raoul Dufy

Del impresionismo al fauvismo

El Raoul Dufy de 1902 a 1906, con sus Playas de Sainte-Adresse, se interesa por los impresionistas ya que ellos también buscaban captar la luz. Intentaron captarla en sus cambios con el paso de las horas, en sus más diversas apariencias, para devolvérnosla en un cuadro. La firma del pintor es el tipo de luminosidad que su técnica le permite pintar mejor. La luz blanca y apagada de un Seurat no es el amarillo más brillante de un Bonnard, ni el verde más frío de un Monet. Para Dufy, sería azul. A pesar de estar muy alejado de los impresionistas por la naturaleza de su dibujo, a partir de 1906 Dufy se libera de su tutela; el cuadro de Matisse Luxe, calme et volupté le abre nuevos horizontes: «Ante este cuadro comprendí todas las razones de la pintura; el realismo impresionista perdió para mí su encanto al contemplar el mundo de la imaginación traducido en dibujo y color».

La singular interpretación que Dufy hizo del fauvismo a partir de 1906, consistió en combinar los principios formales vanguardistas del movimiento con una estética decorativa. El uso de líneas espontáneas y expresivas y de colores intensos y no naturalistas se aprecia en sus numerosas imágenes de regatas, carreras de caballos y actividades de ocio al aire libre en Francia. Raoul Dufy nació en Le Havre, en la costa francesa del Canal de la Mancha, y a lo largo de su carrera representó en sus obras escenas de navegación, playas y otras actividades de ocio marítimo. En La Regata, vemos a un grupo de espectadores elegantemente vestidos en la playa, hombres y mujeres con sombreros de paja y trajes de lino marrón y blanco. Las figuras contemplan el mar repleto de veleros y remeros, mientras las banderas francesas ondean al viento. Dufy utilizó las pinceladas anchas, los contornos audaces y los colores vibrantes y expresivos del fauvismo, que adoptó tras ver el innovador cuadro de Matisse Luxe, Calme et Volupté, expuesto en el Salón de los Independientes en 1905. Con sus Regatas, Dufy demostró lo que consideraba el «nuevo mecanismo del arte»: no la reproducción fiel de la realidad externa y objetiva, sino el «milagro de la imaginación jugando con la línea y el color».

La lección de Cézanne

Avanzando en su búsqueda de síntesis, Dufy conoce a Cézanne; desde 1908 trabaja con Braque en l’Estaque. Las obras de este periodo muestran profundas diferencias con las de épocas anteriores: la construcción se vuelve más rigurosa, la paleta más apagada, más profunda; hay oposiciones entre ocres y azules, rojos oscuros y verdes profundos; Dufy intelectualiza su pintura. Sin embargo, a diferencia de Braque, Dufy no sigue la vía del cubismo, sino que experimenta su propio lenguaje al tiempo que redescubre su interés por el color, como lo demuestra una de las obras más notables de este periodo, La grande baigneuse (1913), de la época de Cézanne. Aunque en torno a 1913 pudo dar la impresión de estar «coqueteando con el cubismo», como escribió Bernard Dorival, nunca se asoció a este arte, cuyo carácter sistemático se adaptaba mal a su naturaleza. Sin embargo, Dufy nunca se adhirió a las vanguardias de su época. La lección de Cézanne se enriqueció sin duda con otras aportaciones convergentes, pero siguió siendo para el pintor un límite que nunca traspasaría: para él, no era más que una barrera contra la anarquía colorista del fauvismo.

Las decoraciones

A partir de 1909, además de por sus pinturas, acuarelas y grabados, Raoul Dufy fue famoso por sus originales creaciones textiles de caprichosos motivos repetidos y vivos colores. Muchos de estos tejidos de seda y algodón estampados fueron utilizados por famosos diseñadores de alta costura, entre ellos el francés Paul Poiret. Aunque algunos de los diseños de Dufy utilizaban motivos puramente abstractos, el artista se inspiraba a menudo en la naturaleza, con pájaros, animales, flores y motivos vegetales que formaban la base de sus elegantes creaciones. Dufy también trabajó con el maestro ceramista catalán Llorens Artigas de 1922 a 1930 y de 1937 a 1940; juntos produjeron 109 jarrones y 60 jardines de salón. Se trataba de un nuevo experimento de pintura con esmalte sobre loza vidriada con estaño. Artigas preparó azulejos, jarrones redondos o alargados inspirados en el periodo Song, que Dufy decoró con bañistas, conchas, espigas de trigo y peces, realzándolos con su estilo vivo, alegre y fresco. Ser pintor ceramista era un nuevo reto para Dufy, que le permitía sentir las formas que dibujaba, esculpía en arcilla y luego pintaba. Los objetos de su jardín secreto adquirían así forma, luz y volumen.

En la Exposición Universal de París de 1937, Raoul Dufy creó un gigantesco mural de 10 x 60 metros, La Fée électricité, encargado por la compañía parisina de electricidad para decorar las paredes curvas del Pabellón de la Electricidad y la Luz. El mural de Dufy se inspira en la historia del Hada de la Electricidad, extraída de la obra «Sobre la naturaleza de las cosas» del poeta romano Lucrecio. La composición se divide en dos temas principales: la historia de la electricidad y sus diversas aplicaciones modernas. Dufy incluyó retratos de 110 científicos y pensadores famosos que contribuyeron a la invención y el desarrollo de la electricidad, así como elementos mitológicos y alegóricos. Todo el mural está pintado en el estilo característico del artista, con colores brillantes y claros (organizados en armonías opuestas de tonos fríos y cálidos) y contornos dibujados con rapidez. Uno de los aspectos más significativos de la obra, aparte de su gigantesca escala, es el uso por parte de Dufy de una pintura de secado rápido recién inventada que imita los efectos translúcidos y vibrantes de la acuarela y le permite trabajar con extrema rapidez: el mural se completó en 10 meses.

A lo largo de su carrera, Dufy trabajó en varios encargos de arte público a gran escala. Estas obras monumentales, que combinan temas modernos y alegóricos con contornos exuberantes y colores intensos, representan la exitosa interpretación modernista del artista de la tradición clásica de la pintura mural o pintura al fresco.

La luz del color

Exquisito colorista, Raoul Dufy era también un excelente dibujante, capaz de hacer vibrar con frescura y vivacidad innumerables toques de arabesco. Sus obras transmiten una indolencia que, comparada con el enfoque laborioso e intelectual de Cézanne, ha llevado a los críticos a calificar a Dufy de frívolo. Pero la belleza y la alegría del arte de Dufy no le descalifican como modernista. En sus lienzos, Dufy logra transmitir, con una magistral economía de medios, la atmósfera esencial de lugares y épocas concretos, como en las obras que representan el Viejo Casino de Niza, que muestran el uso que hace Dufy de los contornos sueltos para delinear las formas, que rellena con finas pinceladas de color. Pintadas en su estilo «taquigráfico»: en una noche de la época del Jazz en la Costa Azul, el faro resplandeciente del casino, el cielo aguamarina del crepúsculo teñido de melocotón o la luna creciente que se cierne sobre la Baie des Anges y las siluetas de elegantes paseantes se combinan en una imagen lúdica y desenfadada. La pincelada fluida y caligráfica de Dufy y el uso libre de colores brillantes son el sello distintivo del artista, reforzando la sensibilidad paradisíaca tan exclusiva de su arte. Todo en su obra es armonía y gracia.

En su obra de madurez, la pintura de Raoul Dufy se vuelve más sencilla y conmovedora; desaparecen todos los elementos pintorescos y cualquier intento de descripción; la necesidad de grandeza se hace patente. La revelación de Matisse permitió a Dufy «realizarse», y a partir de entonces se propuso descubrir y dar vida a «su arabesco». Parece que el lápiz, con o sin realce de color, era para él un lenguaje directo y espontáneo; a través del lápiz era capaz de expresar toda la sutileza de un objeto o de un paisaje, de captar la movilidad de un rostro.

El tiempo y su representación también están presentes en su obra madura. Para él, la pintura debe representar no solo lo visible, sino también un cúmulo de recuerdos, tradiciones y vivencias vinculadas a un lugar determinado. Así, en sus representaciones del mundo moderno incluye a menudo elementos alegóricos, mitológicos o construcciones del mundo clásico. Es el caso de Puerto con velero. Homenaje a Claudio de Lorena (1935), en el que representa el Coliseo al borde de un idealizado puerto que recuerda tanto a Marsella como a los paisajes del pintor francés del siglo XVII.

Bibliografía

Éric Baudet, Dufy, le fiancé du Havre, Le Havre, Éric Baudet, 2003.
Jean-Claude Le Gouic, Raoul Dufy, la modernité en mouvement, Paris, La Différences, 2008.
Martine Contensou, La « Fée Électricité », Paris, Paris-Musées, 2008.
Gérard Landrot, Les Céramiques de Dufy, Paris, Langlaude Éditions, 2008.