De Kooning y la pintura gestual.

Los cuadros de Willem de Kooning, uno de los pintores expresionistas abstractos más destacados y célebres, son típicos del estilo vigoroso y gestual del movimiento. Quizás más que ninguno de sus contemporáneos, desarrolló un estilo pictórico radicalmente abstracto que fusionaba cubismo, surrealismo y expresionismo. Mientras muchos de sus colegas pasaban de la figuración a la abstracción, De Kooning siempre pintó figuras (sobre todo de mujeres), y abstracciones de forma simultánea, sin hacer distinción entre las categorías históricas del arte. El verdadero tema de De Kooning, insistía él mismo, era el espacio y la relación entre la figura y el suelo. De Kooning fusionó la abstracción, la figuración y el paisaje de diversas maneras a lo largo de las largas décadas de su carrera, y su incesante viaje en busca de nuevas formas y temas, hizo que su producción global fuera más ecléctica que la de la mayoría de sus colegas. Su compromiso con la cultura popular también fue único e influyó en muchos artistas de posguerra, desde el neodadaísmo de Robert Rauschenberg hasta el arte pop de James Rosenquist, y pintores más jóvenes como Cecily Brown exploraron el erotismo gestual de sus últimas pinturas.

A diferencia de la mayoría de sus colegas, Willem de Kooning nunca abandonó por completo la representación de la figura humana. Sus cuadros de mujeres presentan una mezcla única de abstracción gestual y figuración. Fuertemente influido por el cubismo de Picasso, De Kooning dominó el arte de mezclar de forma ambigua figura y fondo en sus cuadros, a la vez que desmembraba, reensamblaba y distorsionaba sus figuras durante el proceso. Aunque es conocido por reelaborar continuamente sus lienzos, De Kooning a menudo los deja con una sensación de inacabado, como si las formas estuvieran aún en proceso de cambiar, fijarse y definirse. En este sentido, sus cuadros ilustran la definición dada por Harold Rosenberg de la Action Painting: «el cuadro es un acontecimiento, un encuentro entre el artista y los materiales, más que una obra acabada en el sentido tradicional».

Aunque llegó a encarnar la imagen popular del artista misógino y bebedor empedernido, Willem de Kooning abordó su arte con una profunda reflexión y fue considerado uno de los artistas más competentes de la Escuela de Nueva York (nombre dado al grupo de pintores que trabajan en Nueva York durante las décadas de 1940 y 1950 y cuya pintura es principalmente abstracta y expresionista). Entre esos artistas, De Kooning destacaba por haber recibido una formación artística formal en su juventud, y aunque se fijaba en maestros modernos como Picasso, Matisse y Miró, también admiraba a artistas como Ingres, Rubens y Rembrandt.

De Kooning: De Rotterdam a Nueva York

Willem de Kooning nació en Rotterdam, Países Bajos, en 1904, y sus padres se divorciaron cuando tenía tres años. Su madre, Cornelia Nobel, regentaba un bar y crió sola a su hijo. Willem encontró pronto su vocación artística cuando a los doce años, dejó la escuela para trabajar como aprendiz en una empresa de diseño y decoración comercial y más tarde estudió en la Academia de Bellas Artes y Técnicas de Rotterdam. Durante este periodo, De Kooning se interesó por el Jugendstil, la variante alemana del Art Nouveau, cuyas formas orgánicas desempeñaron un papel importante en la configuración de su estilo inicial. Sin embargo, pronto se enamoró del movimiento holandés De Stijl, que hacía hincapié en la pureza del color y la forma. Tras vivir un año en Bélgica en 1924, De Kooning regresó a Rotterdam antes de viajar clandestinamente a Estados Unidos, donde llegó a Virginia en agosto de 1926. Viajó a Boston en un barco carbonero, luego trabajó como pintor de casas en Hoboken, Nueva Jersey, antes de trasladarse a Manhattan, donde encontró trabajo en el arte comercial, diseñando escaparates y produciendo anuncios de moda, trabajo que le ocupó durante varios años. De Kooning seguía sin poder dedicarse al arte que amaba, pero la comunidad de artistas de Nueva York le parecía demasiado valiosa para abandonarla; cuando le ofrecieron un trabajo asalariado en Filadelfia, comentó que prefería ser pobre en Nueva York que rico en Filadelfia.

Varios artistas fueron importantes para el desarrollo de De Kooning en estos primeros años. Apreció el ejemplo del modernismo urbano de Stuart Davis y las ideas de John Graham, pero fue Arshile Gorky quién ejerció la mayor influencia estilística sobre de Kooning. «Conocí a muchos artistas, pero conocí a Gorky», recuerda. Gorky había pasado años trabajando sobre el cubismo de Picasso, luego sobre el surrealismo de Miró, antes de llegar a su propio estilo, y en los años siguientes, De Kooning siguió un camino similar, rondando las salas de los museos de Nueva York (el Metropolitan y el Museum of Modern Art) quedando impresionado por dos grandes exposiciones que vio en este último en 1936, Cubism and Abstract Art et Fantastic Art, viéndose muy influido por una retrospectiva de Picasso celebrada en el mismo museo en 1939.

De 1935 a 1937, Willem de Kooning trabajó en proyectos para murales de la Works Progress Administration y, por primera vez, como muchos otros artistas estadounidenses, pudo dedicarse por completo a las bellas artes en lugar de a la pintura comercial. Su red de amigos se amplió e incluyó al fotógrafo Rudy Burckhardt, al crítico de danza Edwin Denby y al crítico de arte Harold Rosenberg, que se convirtió en uno de los más fervientes partidarios de De Kooning. En 1936, fue incluido en la exposición New Horizons in American Art del MoMA. Durante este periodo, la figura masculina fue a menudo el tema de sus cuadros, y aunque posaban de forma tradicional, en cuadros como The Glazier (El vidriero) de 1940 el cuerpo se distorsiona y los planos se funden. De Kooning a menudo tenía problemas con ciertos detalles de sus retratos -el pelo, las manos y los hombros en particular-, lo que le llevaba a raspar la materia y rehacer ciertas partes de sus cuadros, dándoles la apariencia de inacabados. En esta época también pintaba cuadros muy abstractos, como The Wave (La ola) de 1942-44, caracterizado por formas planas y biomórficas similares a las que habían atraído al joven artista por el Jugendstil.

En 1938, De Kooning aceptó como alumna a Elaine Fried con la que se casaría en 1943 y, más tarde, fue una destacada crítica y pintora expresionista abstracta. Elaine posó a menudo para De Kooning. En Mujer sentada (podemos ver un parecido con ella, en el pelo castaño) la mujer, vestida con un escotado vestido amarillo, está sentada en una silla, con una pierna cruzada sobre la otra. Un brazo descansa sobre su regazo, mientras que el otro parece estar doblado hacia su rostro, aunque no lleva ninguna mano. Como señala el comisario John Elderfield, todas las partes del cuerpo parecen flotar sin estar realmente conectadas entre sí.

Las influencias artísticas de Willem de Kooning también son evidentes en este cuadro. La forma fracturada de la figura recuerda sin duda a Picasso, pero con todas sus tachaduras y su estado aparentemente inacabado, también es evidente la influencia de Arshile Gorky (c.1926-c.1942). Los cuadrados también evocan las paredes del estudio del artista, con varios lienzos pegados y apilados contra la pared. Tras una serie de cuadros de hombres sentados, Mujer sentada (c.1940) puede considerarse una pieza complementaria. Se trata del primer gran cuadro de mujer pintado por De Kooning, un tema al que volvería una y otra vez en las décadas siguientes.

De Kooning: Periodo de madurez

A mediados de la década de 1940, Willem de Kooning inició una serie de abstracciones en blanco y negro, al parecer porque no podía permitirse pigmentos caros y tuvo que recurrir a esmaltes domésticos más baratos. Con su reducida paleta de colores y su radical aplanamiento del espacio pictórico, estas abstracciones, expuestas en la Charles Egan Gallery en 1948, anunciaron el auge del expresionismo abstracto y contribuyeron a consolidar su reputación. En Pink Angels de 1945, unas formas biomórficas de color rosa y coral flotan sobre un fondo amarillo mostaza y dorado y se funden con él. El cuadro marca una etapa importante en el paso de De Kooning de la figuración a la abstracción a finales de la década de 1940. Las formas rosadas y carnosas evocan ojos y otras formas anatómicas desgarradas o en proceso de colisión. La mortandad de la Segunda Guerra Mundial no estaba lejos de su mente, pero el comisario John Elderfield también señaló vínculos con el Guernica de Picasso, así como con Miró, Matisse y Pieter Bruegel el Viejo. Es importante señalar que De Kooning no ocultó el proceso de creación del cuadro. A lo largo de la composición, las líneas de carboncillo delinean las formas rosas y se entrecruzan con las zonas doradas. En la esquina inferior izquierda se aprecia un ojo, quizá parte de la cabeza de un pez, así como un círculo y un rectángulo en la parte inferior central, junto a una forma parecida a un cangrejo. De Kooning solía dibujar formas sobre papel antes de calcarlas en el lienzo.

Willem de Kooning tenía ya cuarenta y cuatro años cuando expuso por primera vez en solitario en la Charlie Egan Gallery de Nueva York en la primavera de 1948. La mayoría de los cuadros de la muestra se parecían a Sin título: composiciones pintadas en blanco y negro, con formas vagamente reconocibles y complejos juegos de figura y fondo. La exposición recibió poca atención de la prensa, pero causó impresión entre los artistas del centro de la ciudad, tanto antiguos como nuevos. Con la reducción de la paleta de colores al blanco y negro, el juego de superficie y profundidad de De Kooning se amplifica y se vuelve inestable, creando una composición dinámica que amenaza con romperse. Las líneas blancas de De Kooning tienen también algo de caligráfico, y nos recuerdan que fue pintor de rótulos. En aquella época, los expresionistas abstractos estaban muy interesados en los símbolos e ideogramas y en el modo en que la pintura podía comunicar una emoción o una experiencia humana.

Cuando regresó a la pintura figurativa a finales de la década de 1940, De Kooning se embarcó simultáneamente en otra abstracción: Excavación (1950), un cuadro de grandes dimensiones donde la mayor parte de la superficie está cubierta de colores blanquecinos, crema y formas amarillentas perfiladas con líneas negras y grises. A lo largo del lienzo hay pasajes de color carmesí, azul, magenta, dorado y aguamarina. El resultado es una composición global sin punto de entrada, que atrae la mirada del espectador por todo el lienzo. Ninguna sección destaca como más importante o menos interesante que otra.

Willem de Kooning: La serie Women

Willem de Kooning es probablemente más conocido por la serie Women, un gran número de obras que tratan del cuerpo femenino. Trabajó en ellas durante casi treinta años, desde principios de la década de 1940 (Mujer sentada), pero se expusieron por primera vez en 1953 en la Sidney Janis Gallery de Nueva York. En el centro de esta exposición se encuentra Woman I, un cuadro que de Kooning comenzó en 1950 y terminó en el verano de 1952. El proceso de creación del cuadro se hizo famoso no sólo por una serie de fotografías tomadas por Rudy Burckhardt, sino también por el artículo de Thomas B. Hess titulado «De Kooning Paints a Picture», en el que describe el proceso de creación del cuadro como un viaje que implicó cientos de revisiones, varios abandonos y reinicios, y que se completó sólo unos minutos antes de que la obra fuera transportada a la galería. Los cuadros de De Kooning también fueron polémicos por la expresiva distorsión de las figuras y le granjearon fama de misógino. La crítica Emily Genauer escribió en Newsday en 1969: «[de Kooning] despelleja [a las mujeres], las golpea, las estira en bastidores, las dibuja y las descuartiza….». No es el desprecio en la obra de De Kooning lo que me molesta en sí. Es la falta de integridad y diversidad de un gran talento que parece haberse encadenado a un tótem con ojos de lince».

Aunque muchos ven algo siniestro en las intenciones de Willem de Kooning, los cuadros se inspiraron en parte en las mujeres de moda de la época y en las imágenes de las revistas populares. De Kooning explicó a un periodista: «En cierto modo, siento que las mujeres de los años 50 eran un fracaso. Hoy veo el horror en ellas, pero entonces no pensaba lo mismo. Quería que fueran divertidas y que no parecieran tan tristes y abatidas como las mujeres de los cuadros de los años 30, así que las hice satíricas y monstruosas, como sibilas». Otros han defendido la serie como arquetipos inspirados en ídolos antiguos, como en Mujer III (1951-53), donde la superficie del lienzo está cubierta de gruesas bandas de enérgicos gestos verticales y horizontales en tonos cremosos y plateados. De esta superficie frenética emerge la figura de una mujer con los ojos muy abiertos y un pecho generoso. El ligero adelgazamiento de la figura hacia las rodillas y los tobillos recuerda las figurillas prehistóricas y los ídolos cicládicos, subrayando la importancia de la forma femenina en el arte a la que de Kooning aludía a menudo.

De Kooning vuelve con frecuencia al tema de la mujer. Algunos han citado su difícil relación con su esposa, su distanciamiento de su madre. Otros han llegado a decir que De Kooning debía odiar a las mujeres porque en Mujer III utilizó restos de pintura roja para representar tres agujeros de bala en su pecho, pero De Kooning respondió a la acusación diciendo: «Pensé que eran rubíes». Su esposa Elaine aclaró la situación explicando: «Los agujeros de bala, debería usted saberlo, son rubíes muy chic que se adhieren a la piel sin ayuda de alfileres ni cadenas, un dispositivo que De Kooning vio en Harper’s Bazaar y nunca olvidó».

Aunque los críticos pudieron proyectar sus propias ansiedades y tendencias misóginas en los cuadros, no vieron cómo Willem de Kooning se relacionaba con la cultura popular y de consumo y la integraba en sus pinturas. A menudo hablaba de sus Women como imágenes divertidas de grandes proporciones, satirizando a los grandes almacenes y a las damas vestidas a la moda que desfilaban por Madison Avenue. Aunque recurría a ídolos antiguos y odaliscas clásicas, De Kooning estaba igualmente intrigado por las chicas pin-up de los años 50 y las estrellas de cine. Fue uno de los pocos expresionistas abstractos que se interesó por este tipo de temas, y por ello se convirtió en la piedra de toque de artistas más jóvenes como Robert Rauschenberg, Larry Rivers, Grace Hartigan y, más tarde, los artistas Pop.

Willem de Kooning: Últimos años

A finales de la década de 1950, Willem de Kooning empezó a pasar cada vez más tiempo en East Hampton, un lugar mucho más rural y tranquilo que las ajetreadas calles de Nueva York. Comenzó a interesarse por un nuevo tipo de paisaje. Inició las series Abstract Parkway Landscapes (1957-61), basadas en el paisaje visto desde un coche en marcha, y Abstract Pastoral Landscapes (1960-66), o explorando su nuevo entorno en un ambiente más rural, cerca del agua. Su vida personal se estabiliza y en 1962 adquiere por fin la nacionalidad estadounidense, tras treinta y cinco años viviendo en Estados Unidos. En 1963 se instaló definitivamente en East Hampton, mientras terminaba la construcción de su gran estudio.

En Rosy-Fingered Dawn at Louse Point, 1963, encontramos la quintaesencia de los trazos audaces que hicieron famoso a Willem de Kooning, pero la paleta de colores y la disposición parecen diferentes de todo lo anterior. El comisario John Elderfield describe la nueva paleta como «tonos rococó de rosa, amarillo y azul» y la asocia a su reciente viaje a Italia. La naturaleza viva y pastel de estos colores evoca un paisaje más luminoso y los reflejos del agua. Louse Point era un tramo de playa no muy lejos de donde De Kooning estaba construyendo su nuevo estudio, y Amanecer con los dedos rosados es una referencia a la epopeya de Homero La Odisea. Esta referencia también llama la atención sobre las formas rosas, que también recuerdan las diversas incursiones de De Kooning en las figuras femeninas. Aunque ninguna de las formas recuerda la figura o el paisaje, nos viene a la memoria la cita del pintor: «El paisaje está en la mujer y la mujer està en el paisaje».

Los intereses de De Kooning se alejaron de la ciudad, pero no por ello se volvieron menos radicales. Siempre había mirado a los maestros antiguos más que la mayoría de sus coetáneos, e incluso sus series de mujeres conservaban raíces en el retrato tradicional. Sus paisajes pueden sugerir tradición, pero también son muy abstractos, y a veces se refieren a su fuente de inspiración sólo en el título. Se caracterizan por gestos sencillos y audaces, similares a los de Franz Kline, con quien De Kooning mantenía una estrecha relación. Aunque menos conocidas que la serie Mujeres, han tenido una gran influencia, sobre todo en la serie Ocean Park del pintor californiano Richard Diebenkorn.

En Long Island, Willem de Kooning siguió pintando, pero también exploró nuevas vías. En 1969, durante un viaje a Roma, de Kooning se dedicó por primera vez a la escultura, y a lo largo de la década de 1970 creó obras en las que el modelado grumoso de la arcilla se repetía en su forma de bronce fundido. En 1968, de Kooning regresó a Holanda por primera vez en cuarenta y dos años para su propia retrospectiva en el Stedelijk de Ámsterdam, que también se expuso en Londres, Nueva York y Chicago. A lo largo de la década de 1980, De Kooning creó grandes obras abstractas en tonos vivos, con gestos más sencillos y comedidos que los que habían caracterizado su estilo anterior. Su obra siguió siendo muy aclamada y parecía la de un artista aún en plena posesión de sus facultades. A finales de la década, la memoria de De Kooning empezó a deteriorarse y parecía sufrir una demencia similar a la enfermedad de Alzheimer. Tras la muerte de Elaine de Kooning en 1989, Willem quedó bajo la tutela de su hija, Lisa, hasta su fallecimiento en 1997 a la edad de 92 años.

El legado de Willem de Kooning

Aunque Jackson Pollock está considerado el expresionista abstracto más importante e influyente, e influyó en artistas como Allan Kaprow, muchos jóvenes pintores de la época descubrieron que apropiarse del proceso pictórico de Pollock tendía a producir cuadros parecidos a los del propio Pollock. El uso que De Kooning hacía del color y de la aplicación gestual de la pintura, así como su desinterés por las divisiones entre abstracción y figuración, fueron un factor clave en el desarrollo de la obra de de Kooning inspirando a innumerables pintores y llevaron al prestigioso crítico Clement Greenberg a lo que denominó el «toque de la calle Décima» de De Kooning. Siguiendo el ejemplo de De Kooning, artistas como Larry Rivers y Grace Hartigan llevaron la pintura figurativa en nuevas direcciones, y artistas como Al Held y Jack Whitten siguieron experimentando libremente con la abstracción. Incluso artistas que han intentado distanciarse de la retórica existencial que rodeaba a De Kooning, como Robert Rauschenberg y Jasper Johns, han encontrado lecciones en la obra del pintor.

Bibliografía

Catherine Morris. Willem de Kooning. Editions de la Martinière, 2000
Judith Zilczer. Une façon de vivre : L’art de Willem de Kooning, Phaidon, 2024
Rosalind Krauss. Willem de Kooning Nonstop. The University Of Chicago Press, 2016
Corinna Thierolf. Willem de Kooning. Hirmer Verlag, 2018