Alex Katz y la pintura simplificada
Alex Katz es un pintor y grabador neoyorquino especializado en retratos y paisajes audazmente simplificados. Aunque influido por los artistas de la American Scene y por diversos elementos del modernismo europeo y del modernismo norteamericano, ha evitado unirse a ningún grupo o movimiento. Gran parte de la obra de Alex Katz radica en el fascinante diálogo que ha desarrollado entre el realismo y las tendencias más abstractas del modernismo. Sus paisajes a escala heroica y sus composiciones figurativas recuerdan a los últimos Nenúfares de Monet, a las composiciones del expresionismo abstracto y a los paneles publicitarios. Sus lienzos, pintados con colores planos, limpios y con pocos detalles, crean una doble afirmación del motivo y de la superficie pintada. Su técnica debe mucho a la nitidez del arte comercial y la ilustración, y esto, junto con su sencilla representación de temas contemporáneos, forma parte del pop art. Al igual que Andy Warhol, que convirtió una lata de sopa Campbell en un símbolo reconocible, Alex Katz ha transformado el círculo de su familia y amigos en iconos visualmente atractivos. Su reiterado retorno a sus temas preferidos, como su esposa Ada, bañistas junto a la piscina y tranquilos paisajes de Maine, hacen de su obra una celebración de la América cotidiana de clase media.
Alex Katz ha dicho que su arte gira en torno a la «superficie», lo que puede entenderse tanto por su predilección por los colores planos y las líneas limpias como por el hecho de que sus imágenes no son especialmente complejas desde el punto de vista psicológico. La obra de Katz tiende puentes entre las tradiciones de la abstracción y la figuración. Por ejemplo, su elección de una escala monumental intensifica las líneas, los contornos, los colores, las formas y su técnica, de modo que estos elementos formales equilibran el tema figurativo.
Alex Katz: Primeros años
Alex Katz nació en el barrio de Sheepshead Bay de Brooklyn en 1927 y creció en St. Albans, en Queens, un legendario barrio de Nueva York. Empezó a dibujar a una edad temprana con su padre, un hombre de negocios, y supo que quería estudiar arte cuando entró en el instituto Woodrow Wilson. Aunque su madre, una antigua actriz, temía que una carrera artística llevara a su hijo a una vida difícil, la familia de Alex alentó sus aspiraciones. Muchos de sus amigos eran pintores y conservaban una colección de cuadros abstractos rusos. Durante sus años de instituto, Alex Katz estudió diseño publicitario, pero prefería dibujar moldes de estatuas clásicas. Visitó por primera vez el Museo de Arte Moderno de Nueva York y recuerda haber visto cuadros de Piet Mondrian: «Me gustó mucho Broadway Boogie Woogie. La primera vez que lo vi me pareció absurdo, porque para mí era como el jazz». En 1949, Katz recibió una beca para estudiar en la Skowhegan School of Art de Maine, donde aprendió pintura en plein air o pintura al aire libre, con Henry Varnum Poor. La pintura en plein air enseñó a Katz a pintar del natural y de forma espontánea, dando a sus pinceladas una libertad e inmediatez similares a las cualidades que admiraba en las composiciones de Jackson Pollock. Sus primeros cuadros representan árboles sobre un fondo luminoso, destacando la energía y la sensación más que la representación exacta del paisaje como en Landscape with Cars de 1954. Estas obras se mostraron en su primera exposición individual en la Galería Roko en 1954, y en una exposición conjunta con Lois Dodd en la Galería Tanager. La obra Four Children de 1952 es una de las primeras incursiones de Katz en la pintura figurativa. En esta pintura presta poca atención a los detalles, concentrándose en el color y la forma. Las figuras inmóviles, de contornos nítidos, son formas simplificadas, casi abstractas. Gracias a esas exposiciones, Alex Katz es introducido en el ambiente artístico de las 10th Street Galleries (una cooperativa de galerías de arte dirigidas por artistas en la década de 1950 en Nueva York) y descubre las obras de Nell Blaine, Jane Freilicher y Larry Rivers. Impresionado por su estilo figurativo «abierto», Katz empieza a pintar del mismo modo. La obra Four Children que se inspiraba en una fotografía, llevó a Katz a plantearse el desarrollo de un enfoque moderno de la pintura figurativa, que entonces se consideraba anticuada.
La obra Art School (Escuela de arte), un óleo basado también en una fotografía, muestra a Alex Katz (a la derecha) entre amigos en la Escuela de Arte de Skowhegan, en Maine, donde pasó el curso académico 1949-1950 y más tarde volvió para enseñar durante las sesiones de verano de 1963 y 1965. Representativa del primer periodo de figuración abstracta expresiva de Katz, Art School revela tanto sus métodos de trabajo como sus influencias -entre las que destaca Milton Avery-, al tiempo que sugiere la obra contemporánea de Richard Diebenkorn. Con la esperanza de encontrar un equilibrio entre lo tradicional y lo contemporáneo, Katz decidió concentrarse en el retrato y desarrolló su estilo pictórico combinando técnicas tradicionales, su formación modernista y sus experiencias como pintor.
Alex Katz y su modelo, Ada
En 1957, Alex Katz conoció a Ada del Moro durante un vernissage en la Tanager Gallery de Nueva York. Se casaron al año siguiente y Ada se convirtió en el tema más frecuente de sus cuadros. Para entonces, Katz había desarrollado su estilo maduro, pintando sus retratos en oposición directa a la pintura gestual del Action Painting. Pintando tanto en Nueva York como en Maine, sus temas iban desde retratos a motivos paisajísticos simplificados, pasando por escenas de ocio veraniego, y en general mostraban cierta planitud debido al uso de bloques de color y a la aparición ocasional de líneas de contorno visibles. Los collages, iniciados en 1955, acentuaron aún más la distancia entre su propio estilo y el expresionismo abstracto al utilizar un formato sorprendentemente pequeño y formas cuidadosamente recortadas, como en Ada in the Water (Ada en el agua) de 1958. Al darse cuenta de que había un vacío en la relación entre el sujeto y el suelo, en 1959 Katz empezó a utilizar recortes para colocar figuras sobre trozos de madera, un concepto que se convirtió en una serie de «esculturas» planas, o retratos independientes en el espacio real. Katz creó esta obra utilizando papel coloreado a mano y recortado en formas precisas. Aquí, Ada posa en un paisaje como si fuera una fotografía gran angular, un formato que Katz utilizó a menudo en su etapa madura.
Los recortes es una de las aportaciones de Alex Katz al arte contemporáneo. La idea de aislar la figura tiene su origen en sus obras fallidas en las que, insatisfecho con el fondo, retiraba la figura de la composición para colocar otras. El retrato a tamaño natural del poeta estadounidense Frank O’Hara guarda similitudes con los inicios del arte pop en su aparente acercamiento a elementos como carteles pintados o figuras fotográficas de supermercado, en un contexto artístico que recuerdan las figuras a tamaño natural de George Segal (a quien Katz conocía de la Galería Hansa), y las esculturas hiperrealistas de Duane Hanson. O’Hara era un defensor de Katz, al que describía como «un pintor genial». A lo largo de los años, Alex Katz siguió explorando este híbrido de pintura y escultura, a veces presentando grupos de figuras, recortadas o de cuerpo entero, a veces motivos más complejos, como una pareja haciendo piragüismo, tomados de sus cuadros anteriores.
Cuando Ada y Alex Katz se conocieron en 1957, Katz dijo de aquel encuentro que Ada era «ya una leyenda en el mundo del arte», aunque ella dijera que era «tímida a la hora de entrar en galerías», y que «lo que recuerdo de nuestro encuentro es que yo estaba sentada con las manos en el regazo, y este tipo que me interesaba me miraba los ojos, las orejas, los hombros. Era todo muy sensual. No creí que pudiera soportarlo. Pero luego se convirtió en algo que él hacía. Yo me sentaba y él pintaba, y eso era todo». La obra The Black Dress muestra a Ada con un vestido negro y repetida en diversas poses. Las múltiples vistas de la composición dan a entender sus múltiples facetas, pero también actúan como un sucedáneo de la tridimensionalidad, muy parecido a la danza de las Tres Gracias en el arte clásico. La secuencia de posturas también recuerda a la fotografía en stop motion, o a las vistas simultáneas cubistas y futuristas desde múltiples perspectivas. Sin embargo, Ada no se mueve. Aquí, cada pose está separada, inmóvil y fija como un retrato individual, o como muñecas de papel separadas. Ada posa vestida como para un vernissage, mirando el cuadro en la pared. Su vestido negro y sus refinadas poses se asemejan a las de Jacqueline Kennedy Onassis, como el poeta Frank O’Hara la describió en su momento, cuando llamaba a Ada la «primera dama del mundo del arte».
Ada fue la piedra angular de Alex Katz en su práctica del retrato, y sus rasgos, explorados a lo largo de muchos años, revelan tanto la coherencia como la evolución de su carrera; Ada también se convirtió en una especie de icono abstracto en el arte de Katz. Red Smile (Sonrisa roja) de 1963, es un ejemplo. En la década de 1960, Katz empezó a producir cuadros inspirados en la estética de la publicidad comercial, el cine y la televisión, demostrando los paralelismos entre su obra y el emergente movimiento del arte pop. La composición de Sonrisa roja, uno de sus retratos más grandes (mide casi tres metros), recuerda a una valla publicitaria o a un primer plano en el cine. La vista recortada de Ada a la derecha, con su piel pálida y los detalles lineales de la cara, la camisa y el pelo, se equilibra con la audaz extensión del color rojo plano a la izquierda que parece acariciar el contorno de su rostro, y este rasgo, junto con la brillante sonrisa, expresa el cautivador mundo del arte de Katz.
El sentido dramático de Alex Katz también se expresó en los diseños de vestuario y decorados que creó para el coreógrafo Paul Taylor a principios de los 60, culminando su interés de toda su vida por la música y la danza. Katz también empezó a hacer retratos de grupo, que siguieron dominando su obra a lo largo de la década de 1970. Utilizando como modelos a las personas que le rodeaban, estos cuadros ofrecen una fascinante historia social de su círculo de artistas, poetas, escritores y críticos.
En la década de 1980, Alex Katz siguió concentrándose en el retrato y llevó sus paisajes en una dirección nueva y más amplia, como demuestran los cuadros llamados Black Brook, que él describió como «medioambientales». El arroyo, un tema al que Katz volvió con frecuencia a lo largo de los ochenta, se representa como un paisaje nocturno. Prácticamente desprovistas de color y utilizando pinceladas gruesas, estas obras rozan la abstracción. Con el objetivo de reevaluar la pintura de paisaje, Katz volvería a esta serie de Black Brook también en la década de 1990.
Atraído por las posibilidades que ofrece el contraste entre luz y sombra, Alex Katz también se aventuró en una serie de pinturas urbanas nocturnas que crean una atmósfera similar a la de los paisajes urbanos aislados de Edward Hopper. La obra de Katz fue reconocida por el Whitney Museum of American Art, que organizó su primera gran retrospectiva en 1986. A pesar de este éxito, Katz ha seguido desafiándose a sí mismo en el plano artístico explorando diferentes temas, colores, texturas y efectos de la luz.
Katz contemporáneo
En la actualidad, el arte de Alex Katz es representativo de una feliz aceptación del realismo frente a los movimientos que cuestionaban sus fundamentos. El mundo del arte de la década de 1990 y posteriores ya no estaba sujeto a las normas y expectativas del legado modernista, lo que provocó un mayor interés por su arte. El énfasis de Katz en lo icónico -o incluso lo divertido- más que en lo expresivo, y su atención a la «superficie de las cosas» atrajeron a artistas más jóvenes. Elizabeth Peyton, creadora de retratos idealizados de famosos, se inspiró en Katz. Y el pintor y fotógrafo Richard Prince se ha interesado por el estilo comercial y la ambigüedad del arte figurativo de Katz. Aunque durante un tiempo fuera ridiculizado por el crítico Clement Greenberg, varios escritores y grandes coleccionistas promueven desde entonces el arte de Katz, cuya influencia ha seguido creciendo. En la actualidad, Katz es admirado por su aura «cool«, que se manifiesta en el sencillo bienestar de sus figuras, así como en la fuerte individualidad del artista y su forma de distanciarse de los movimientos que dominaron el arte de finales del siglo XX.
En la actualidad, Alex Katz sigue manteniendo un estudio en el SoHo de Nueva York, en el edificio de la cooperativa de artistas donde ha vivido y trabajado desde 1968.
Bibliografía
Colectivo. Alex Katz. Phaidon Press, 2006
De Chassey, Eric. Alex Katz: An American Way of Seeing. Kerber, 2010
Carter Radcliff. Alex Katz. Rizzoli Electa, 2020
Colectivo. Alex Katz. Cat. Exp. Fundación Thyssen Bornemizsa, 2022
Colectivo. Alex Katz. Cat. Exp. Guggenheim Museum, 2022
