Las nuevas mujeres
La historia de las mujeres artistas vinculadas al surrealismo es más compleja y conmovedora de lo que suele imaginarse. Es la historia de un grupo de mujeres que se atrevieron a rechazar las convenciones de su entorno, que intentaron alinear sus ideas pero también sus vidas. Se propusieron crear arte en una época en la que apenas se fomentaba el trabajo de las mujeres en las artes visuales. Jóvenes, bellas y rebeldes, se convirtieron en la encarnación de su tiempo, en mensajeras del futuro y exploraron, más que ningún otro grupo de mujeres de otras épocas, las fuentes de la imaginación creativa femenina. Aunque algunas de ellas habían llegado al surrealismo a través de sus relaciones personales, a veces románticas, con ciertos miembros del grupo, estas mujeres ya habían recibido formación artística. Dora Maar había estudiado pintura en la Académie Julien. Leonora Carrington había trabajado con Amédée Ozenfant en Londres, y Remedios Varo había estado en la Academia de San Fernando de Madrid, un año después que Salvador Dalí. A finales de los años treinta, la amistad de Dora Maar con Paul Eluard y Man Ray la llevó tanto al surrealismo como a la fotografía. El encuentro de Leonora Carrington con Marx Ernst en Londres en 1937, durante una exposición en la Mayor Gallery, iba a cambiar su vida. Remedios Varo llegó a París al final de la Guerra Civil española con el poeta Benjamin Péret, con quien se había casado en Barcelona.
Otro elemento que favoreció la llegada de mujeres artistas al grupo surrealista fue el éxito internacional del movimiento (tan de moda como provocador) tras las primeras grandes exposiciones internacionales que tuvieron lugar a partir de 1936. Todas las mujeres descubiertas por los surrealistas a finales de esta década lo fueron a través de su obra. El hecho de que sus personalidades y sus vidas se adaptaran tan bien al surrealismo no hizo más que confirmar la eficacia de los encuentros fortuitos a los ojos de André Breton y sus amigos.
Primera exposición: Peggy Guggenheim
En medio de la agitación política mundial, las situaciones personales estaban destinadas a cambiar. Muchas mujeres llegaron a ver su compromiso con el arte de una forma totalmente distinta. En 1942, en su nueva galería de Nueva York, Art of This Century Gallery, Peggy Guggenheim organizó la primera de dos exposiciones dedicadas a mujeres artistas representantes de la vanguardia, a partir de una idea de Marcel Duchamp. El comité organizador de esta exposición, titulada Exhibition by 31 Women, incluía a Duchamp, Ernst, Breton y otros. Se expusieron obras de Leonora Carrington, Leonor Fini, Frida Kahlo, Valentine Hugo, Jacqueline Lamba, Meret Oppenheim, Kay Sage y Dorothea Tanning. En 1945, Peggy repitió la exposición titulada esta vez The Women.
Los críticos neoyorquinos se complacieron en denigrar la exposición por considerarla aún más frívola de lo que esperaban del surrealismo. Un crítico del New York Sun dijo que las mujeres surrealistas eran superiores a los hombres que había conocido, pero continuó diciendo: «Tiene sentido si lo piensas. El surrealismo es un setenta por ciento de histéricos, un veinte por ciento de literatos, un cinco por ciento de buenos pintores y un cinco por ciento de alboroto para asustar al público inocente. Como todo el mundo sabe, hay muchos hombres neuróticos en Nueva York, pero todo el mundo sabe también que aún hay más mujeres neuróticas. Era obvio que las mujeres tenían que destacar en el surrealismo. Y eso es lo que hacen.»
Kay Sage, la belleza de la melancolía
La pintora y poetisa estadounidense Kay Sage (Albany, Nueva York, 1898 – Woodbury, Connecticut, 1963) fue una de las últimas mujeres artistas en unirse al grupo surrealista antes de la declaración de guerra de 1939. Pertenecía a una acaudalada familia conservadora del estado de Nueva York, se había casado con un príncipe italiano en 1925 y vivió en Roma y Rapallo. En 1937 renunció a una vida que ofrecía poca salida a su talento y energía y se fue a París. Al principio, trabajó en una serie de pinturas abstractas basadas en motivos arquitectónicos. Junto con Tanguy, el pintor italiano de Chirico había sido uno de los primeros pintores que Kay Sage había admirado al llegar a París. La pincelada apretada confiere a los cuadros de este periodo una gran precisión a la que se añade una fuerte impresión de misterio y melancolía. En 1938, presentó uno de sus cuadros en el Salon des Surindépendants de París. Entre los surrealistas que visitaron la exposición se encontraban Breton, Tanguy y Nicolas Calas. Los tres se mostraron lo suficientemente interesados como para intentar ponerse en contacto con la artista.
La obra de Kay Sage es curiosamente, desde un punto de vista surrealista, abstracta, pero también misteriosa y visionaria. Como era rica, pudo ayudar a muchos surrealistas a abandonar Europa al principio de la guerra. Ayudó a Breton y Jacqueline Lamba a trasladarse a Nueva York. Allí se casó con Tanguy en 1940, y la pareja vivió y trabajó en Connecticut.
Leonor Fini
Nacida en 1918 en Buenos Aires de padres de origen español, italiano y argentino, Leonor Fini pasó su infancia en Trieste. De adolescente, estudió la pintura del Renacimiento y la pintura manierista visitando museos europeos. En la gran biblioteca de su tío descubrió a los prerrafaelitas, Aubrey Beardsley, Klimt y los románticos alemanes y flamencos. Expuso por primera vez a los diecisiete años en una exposición colectiva en Trieste y fue invitada a Milán para pintar su primer retrato por encargo. Fue entonces cuando entabló amistad con los pintores Funi, Carrà y Tosi. Llegó a París en 1936. Su amistad con Eluard, Ernst, Magritte y Brayer la puso en contacto con el círculo surrealista. Participó en exposiciones surrealistas, aunque no era miembro del grupo. Su primera exposición individual tuvo lugar en Nueva York en 1939, en la Julien Levy Gallery. Pasó los años de la guerra en Montecarlo y Roma y regresó a París en 1946. Desarrolló una activa carrera artística como pintora, diseñadora teatral e ilustradora.
A lo largo de una dilatada carrera, los cuadros de Leonor Fini transitan entre el dolor de la desesperación y la serenidad de la iluminación. Impulsada por la pasión, la libertad y la experimentación sexual, fue posiblemente la más rebelde, teatral y autónoma de las mujeres surrealistas. Muchos la describen como particularmente grande e imponente en su aspecto físico, con unos ojos felinos muy poco comunes.
Tomando al pie de la letra el interés artístico por el motivo híbrido animal/humano, encarnó la transformación y metamorfosis felinas y se identificó precisamente con la antigua figura de la Esfinge. Mortal en la tradición griega, benévola pero feroz en las historias egipcias, la aparición de la mítica criatura simboliza el amor de Fini por el artificio y al mismo tiempo por la naturaleza.
La fuerte individualidad de Fini chocaba a menudo con las ideas colectivas del grupo surrealista. A diferencia de muchas mujeres que desempeñaron un papel central en el movimiento, no se dejó impresionar por el carisma y el intelectualismo de los miembros masculinos. Fini, ya muy culta y versada en la teoría psicoanalítica, se negaba a estar supeditada o subordinada a los hombres. En el verano anterior al estallido de la Segunda Guerra Mundial entabló una intensa amistad con Leonora Carrington, pero en general no se apoyó en otras mujeres como hicieron Carrington y Remedios Varo. Vivía de forma más ostentosa y comunitaria y siempre con dos hombres, uno como amante y otro como amigo.
Frida Kahlo
Pintora mexicana, Frida Kahlo nació en 1910 en Coyoacán, un suburbio de Ciudad de México, de padres de origen alemán, indio y español; murió en Ciudad de México en 1954. A los quince años, un terrible accidente de tráfico la dejó lisiada y le causó sufrimientos de por vida. Aprendió a pintar sola durante su convalecencia. Se casó con el pintor muralista Diego de Rivera en 1929. Breton descubrió su obra en México en 1938. En 1939, en el texto que escribió para el catálogo de su primera exposición en la Julien Levy Gallery de Nueva York, la reconoció como una auténtica surrealista. Al año siguiente, Duchamp y él organizaron su primera exposición en París, en la Galería Pierre Colle. Se consideraba una artista mexicana y más realista que surrealista. Su primera gran exposición tuvo lugar en 1953 en la Galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México.
Sintiéndose sola muy a menudo, Frida Kahlo trabajaba de forma obsesiva en autorretratos. Su reflexión ha alimentado un inquebrantable interés por la identidad. Le interesaba especialmente su ascendencia mixta alemana-mexicana, así como la división de sus papeles como artista, amante y esposa.
Frida Kahlo utiliza el simbolismo visual del dolor físico en un intento de comprender mejor el sufrimiento emocional. Antes de Kahlo, el lenguaje de la pérdida, la muerte y la identidad personal había sido representado por algunos artistas masculinos (entre ellos Alberto Durero, Francisco Goya y Edvard Munch), pero aún no había sido analizado de forma tan significativa por una mujer. De hecho, Kahlo no sólo se introdujo en un lenguaje ya existente, sino que lo amplió y lo hizo suyo. Al exponer literalmente los órganos internos y representar su cuerpo roto, Kahlo abrió sus entrañas para ayudar a explicar el comportamiento humano. Reunía motivos que se repetirían a lo largo de su carrera, como cintas, pelo y animales personales, y con ello creó una forma nueva y articulada de hablar de los aspectos más complejos de la identidad femenina. Como «gran artista», pero también como figura digna de nuestra devoción, el rostro icónico de Kahlo proporciona apoyo a los traumas y su influencia no puede subestimarse.
Jacqueline Lamba (Breton)
La pintora francesa Jacqueline Lamba nació en 1910 en París, donde estudió artes decorativas. Se casó con André Breton en 1934, tras un encuentro que parecía premonitorio en un poema escrito por el propio Breton en 1923, La Nuit du Tournesol. Jacqueline comenzó a exponer objetos y dibujos con los surrealistas. En 1938, Jacqueline Lamba viajó a México, donde conoció a Frida Kahlo y Diego Rivera. Voluntariosa y enteramente entregada a Breton, iba con él a todas partes, adaptando su vida a sus necesidades y desempeñando a la perfección su papel de esposa del guía del movimiento surrealista. Cuando llegó a Nueva York en 1941, comenzó a producir pinturas de inspiración automática cercanas a la obra de Mata y Masson. Su matrimonio, afectado por las dificultades económicas, terminó en 1942. En 1943 y se casó con el escultor y fotógrafo estadounidense David Hare. En sus últimos años vivió en su estudio de París, donde murió un día de julio de 1993. Jacqueline Lamba aportó su estilo personal al surrealismo. Su primera exposición individual tuvo lugar en Nueva York en 1944, en la Norlyst Gallery. También expuso en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1946) y en la Galería Pierre de París en 1947.
Los paisajes de Jacqueline Lamba, casi siempre nocturnos e iluminados por la luna, se basan en la voluntad claramente expresada por la artista de construir un espacio abstracto, sin ninguna relación con el automatismo, y que ella consideraba como la única posibilidad de comunicación que, «liberando el inconsciente, debía ofrecer el mensaje más coherente de la emoción».
