Infancia, educación y primeros años
La segunda de tres hijas, Dorothea Tanning nació en Galesburg, Illinois, en 1912. Desde muy pequeña, se creó una rica y compleja vida de fantasía para escapar del puritanismo represivo de su ciudad natal, situada en el Medio Oeste de Estados Unidos. Su padre, sueco de nacimiento, había soñado con ser vaquero en el Oeste americano. Su madre había imaginado carreras musicales o teatrales para sus hijas, a las que vestía de forma extravagante con vestidos de tafetán y seda. Los niños vivían en un incómodo equilibrio entre la imaginación desenfrenada de su madre y el estricto luteranismo de su familia y su ciudad. De niña, Dorothea Tanning se evadía en un mundo que se había construido leyendo las obras de Lewis Carroll, Hans Christian Andersen, Oscar Wilde y otros autores del siglo XIX. Tras completar sus estudios, trabajó en la biblioteca pública local antes de matricularse en el Knox College, la institución de artes liberales más cercana. Aunque el colegio no ofrecía clases de pintura, Tanning, además de contribuir con ilustraciones al periódico escolar, siempre pintaba y dibujaba en su tiempo libre. En 1932, tras sólo dos años en el Knox College, Tanning se trasladó a Chicago, donde asistió al Arts Institute of Chicago. Su primera exposición tuvo lugar en la galería de una librería de Nueva Orleans en 1934, donde presentó una serie de acuarelas. Unos meses más tarde, en la primavera de 1935, se trasladó a Nueva York consiguiendo vivir de su trabajo como artista y allí conoció el dadaísmo y el surrealismo.
Dorothea Tanning habla de su nacimiento como «un día de mucho viento. Un verdadero huracán sopló desde uno de los tres álamos que hay frente a nuestra casa. Mi madre estaba aterrorizada. Así nací yo. Estos vientos transforman el mundo, nos arrancan de nuestros prejuicios y nos transportan a una vorágine extática.»
Nueva York: Encuentro con el surrealismo
El encuentro de Dorothea Tanning con el surrealismo tuvo lugar durante la exposición «Fantastic Art, Dada and Surrealism», celebrada en 1937 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Dos años más tarde se marchó a París con cartas de recomendación para Max Ernst, Tanguy, Chaim Soutine y Kees Van Dongen. Todos habían abandonado París cuando ella llegó en el verano de 1939 y, tras tres semanas de llamar en vano a muchas puertas, se fue a descansar a casa de su tío en Estocolmo. Allí permaneció hasta que el estallido de la guerra la obligó a regresar a Nueva York, donde pintó varios retratos de familia. Dorothea Tanning expuso por primera vez en la galería de Julien Levy en 1941. Poco después conoció a Max Ernst, con quien permanecerá hasta su muerte en 1976. Gracias a él, descubrió en Nueva York todo un mundo que había buscado en vano en París en 1939. Conoció a Breton, Duchamp, Masson, Dalí, Tanguy y Kay Sage, Mata, John Cage y muchos otros en el incómodo piso que Max Ernst había alquilado en la Segunda Avenida tras dejar a Peggy Guggenheim. Breton organizaba reuniones surrealistas en Nueva York, pero intimidada por él y sin dominar la lengua francesa, Dorothea, como las demás mujeres, se contentaba con escuchar sin participar en las discusiones.
La perfección técnica de la obra Birthday, de 1942, refuerza el efecto de mezcla de sueño y realidad. Dorothea Tanning de pie y sola, tiene la mano apoyada en el pomo de una puerta abierta. Más allá de esta puerta aparece una serie infinita de otras puertas esperando a ser abiertas y cerradas. Los signos de un mundo diferente y onírico están por todas partes. Para Dorothea, «toda la historia de la humanidad puede verse desde una ventana». Del mismo modo, las puertas introducen al espectador en el «otro lugar» de la artista, poblado de fantasías y obsesiones. Pero tras las puertas de Birthday sólo hay vacío. En equilibrio al borde del futuro, en la confluencia entre el arte y la vida, la artista se enfrenta a las posibilidades del vacío.
Obra de madurez
A pesar del éxito de su exposición individual en la Julien Levy Gallery de Nueva York en 1944, Tanning y Ernst abandonaron la ciudad y se trasladaron a Sedona, Arizona, en 1946. Allí construyeron una casa y recibieron la visita de muchos amigos artistas, entre ellos el fotógrafo Lee Miller, que tomó una memorable fotografía de la pareja en la que se altera la escala y donde el gigante Ernst se aferra al pelo de la miniatura Tanning. En 1949, Tanning y Ernst se trasladaron a París y después a la Provenza, pero siguieron pasando periodos en su casa de Sedona durante toda la década de 1950. Fue en esta época cuando la obra de Tanning experimentó un notable cambio estilístico. Mientras que antes sus cuadros estaban poblados de paisajes oníricos figurativos, su pincelada se vuelve casi totalmente abstracta. De este cambio dice con perspicacia: «Mis cuadros estallan literalmente… He roto el espejo, por así decirlo». Durante las últimas décadas de su vida, su viaje hacia la abstracción continuaría, al igual que sus experimentos y desarrollo en la escultura, la escritura y la poesía.
El cuadro de Pierre Roy Peligro en la escalera proporcionó a Dorothea Tanning el tema de Eine kleine Nachtmusik (Pequeña serenata nocturna) de 1946 y fue también una importante fuente estilística del meticuloso realismo de la artista estadounidense. La serpiente y su contenido simbólico freudiano se eliminan y se sustituyen por un girasol que se desprende de sus pétalos, una imagen que se remonta a los orígenes geográficos de la artista en el Medio Oeste, donde la naturaleza es a la vez fértil y amenazadora.
Las imágenes de Dorothea Tanning muestran tanto una gran conciencia del mundo visible como una sensibilidad hacia las fuerzas inconscientes que animan y transforman ese mundo. En el Segundo Manifiesto del Surrealismo, Breton nos recuerda que «la idea del surrealismo tiende simplemente a la recuperación total de nuestras fuerzas físicas por un medio que no es otro que el descenso vertiginoso hacia nosotros mismos, la iluminación sistemática de los lugares ocultos y el oscurecimiento progresivo de los otros lugares, el paseo perpetuo por la zona prohibida». Son estas fuerzas físicas y los lugares ocultos de la conciencia lo que alimenta la pintura de Dorothea Tanning.
El cuadro Maternidad, pintado en 1946, el año en que se casó con Max Ernst y se trasladaron a Arizona, representa a una mujer joven con un niño en brazos. Su mirada es triste y pensativa; una luz intensa ilumina la escena y aumenta la sensación de aislamiento y lejanía. A sus pies, un pequeño perro con cara de niño yace en el suelo sobre una manta arrugada. Una extraña figura, una especie de marioneta con pechos y vientre, formada por velas infladas por el viento, aparece en el horizonte a través de una puerta abierta. La historiadora del arte Linda Nochlin cree que el origen de la figura de la joven se encuentra en una fotografía de la propia madre de Dorothea, sosteniendo a la artista cuando era niña. Dorothea Tanning ha negado cualquier contenido autobiográfico en esta obra, pero los amigos de la artista recuerdan tanto su negativa a tener hijos como el cariño que ella y Max Ernst prodigaban a su perro tibetano.
El Tiempo sin Tiempo
Una sensación de amenaza impregna El Tiempo sin Tiempo, de 1948, en la que una estructura de madera que se asemeja a los cimientos de una casa se sitúa en un paisaje yermo, flanqueado por llamas y columnas de humo. Una sombra se cierne sobre el suelo, proyectada por una fuente desconocida, mientras que a lo lejos, un girasol flotante -considerado «la más agresiva de las flores» por la artista- crea su propia sombra oscura. Tanning pintó este cuadro en el entorno desértico de Sedona, Arizona, adonde se había trasladado dos años antes con su marido, el artista Max Ernst. A través de Ernst, Tanning conoció a un grupo de artistas surrealistas que habían huido de una Europa devastada por la guerra y vivían en Nueva York. Se ganó su admiración por sus imágenes singularmente enigmáticas y meticulosamente detalladas. Entre las posibles pistas biográficas de El Tiempo sin Tiempo está la estructura representada, que podría ser un eco de la cabaña de tres habitaciones que Tanning y Ernst construyeron en el desierto. Sin embargo, más que un simple escenario, el dramático paisaje de Sedona resultó ser prolífico, obligando a Tanning a ignorar los «decibelios de la naturaleza» circundante, que le resultaban «abrumadores», y a volcarse en la fantasía. ¿No es la mayor alegría del artista competir con el sol y la luna, subvertir su lógica?
El legado de Dorothea Tanning
Tanning regresó a Nueva York desde Francia en 1980, cuatro años después de la muerte de Max Ernst. Luego pasó el resto de su vida viajando entre Los Ángeles, Nueva York y Francia. Su última pintura registrada fue parte de una serie de flores que completó en 1998, pero continuó escribiendo, centrándose principalmente en la poesía hasta su muerte en su casa de Nueva York en 2012, a los 101 años. Un año antes, su centenario se había celebrado con numerosas exposiciones en todo el mundo, entre ellas Dorothea Tanning – Early Designs for the Stage en el Drawing Center de Nueva York y Dorothea Tanning – 100 Years: A Tribute en la Galería Bel’Art de Estocolmo (Suecia).
La obra de Dorothea Tanning -desde la pintura a la poesía- ha ejercido una profunda influencia en las generaciones posteriores de artistas. Su continua exploración de la forma femenina la llevó a asociarse con el movimiento feminista. Junto con otras mujeres surrealistas, Tanning proporcionó un modelo activo necesario para las jóvenes que también intentaban liberarse de la visión restrictiva de la feminidad para convertirse en artistas independientes. En particular, sus experimentos en escultura recuerdan la trayectoria de Louise Bourgeois y, más tarde, de Sarah Lucas, revelando el mismo intenso interés por las fuerzas psíquicas fundamentales. La poesía y los escritos de Tanning contribuyeron a una comprensión más profunda de su obra, y sus ilustraciones, en particular los diseños de vestuario para algunos de los ballets de George Balanchine, tuvieron un impacto duradero en el diseño de vestuario teatral. Para disgusto de la artista, su legado artístico se ve a veces eclipsado por su matrimonio con Max Ernst. Cuando se les representa juntos como una pareja tan emblemática, se despierta el interés por los «artistas enamorados», pero Tanning ha declarado específicamente, de forma quizá inverosímil, que ella y Ernst «nunca hablaron de arte».
