Rauschenberg: vida y arte
Estudiante en el Black Mountain College a principios de los años cincuenta, el artista estadounidense Robert Rauschenberg (Port Arthur, Texas, 1925 – Captiva, Florida 2008) se estableció como un artista inventivo y enérgico, cuyos experimentos con la pintura, los objetos, las performances y el sonido abrieron las puertas a muchos de sus contemporáneos: «La pintura se relaciona tanto con el arte como con la vida. Ninguno de los dos puede Crearse. (Trato de actuar en el hueco que queda entre los dos.)» dijo en 1959. El pensamiento y la obra de Rauschenberg tienen, por la complejidad de los temas que aborda y la originalidad de sus soluciones, un papel destacado en las reflexiones estéticas de la segunda mitad del siglo XX. Se dio a conocer en la transición entre el expresionismo abstracto y el pop de los cincuenta, y posteriormente ha sido más conocido por sus Combines, piezas en las que combinaba todo tipo de objetos con materiales nada convencionales. Ha trabajado con fotografía, grabado, tela mezclada con pintura, diversos elementos y collages. Fue pionero en utilizar la serigrafía, hasta entonces reservada a usos comerciales, para multiplicar el impacto de su obra. Concibió sus diseños basándose en la técnica de la transferencia con disolvente e integró el collage en un espacio bidimensional con imágenes que siguen la superficie trabajada y se suman a las zonas dibujadas o pintadas. La mezcla de figuración y abstracción se convirtió en una constante de su estilo.
Las Pinturas Blancas iniciaron su más importante fase temprana de experimentación radical en el Black Mountain College en Carolina del Norte (1948), donde Joseph Albers el profesor de la Bauhaus personificaba el orden y veía los elementos del arte de una manera que chocaba de plano con la estética emergente de Rauschenberg. Allí, por primera vez, estableció contacto directo con las fértiles ideas de John Cage y Merce Cunningham. Rauschenberg participó en la histórica performance (Untitled event, 1952), definida como «acción concertada», en la que colaboraron Cage, Cunningham, el pianista David Tudor y el poeta Charles Olson. Fue su aportación a este acontecimiento que constituyó un temprano intento de crear una síntesis teatral de todas las artes y el prototipo de todos los happenings desarrollados después (1959) por Allan Kaprow, Claes Oldenburg, Jim Dine y otros en Nueva York. La obra Minutiae fue creada por Rauschenberg para el decorado de la obra del mismo nombre de la Merce Cunningham Dance Company.
En 1954, Rauschenberg conoce a Jasper Johns en el estudio neoyorkino de Sari Dienes. En 1955 se muda a un estudio en el ático de Pearl Street, en el Bajo Manhattan. El taller de Johns está sólo una planta más abajo, en el mismo edificio. Ambos se ven diariamente para intercambiar ideas y comentar las obras respectivas. Mientras Jasper Johns exploraba la noción de la pintura en sí misma como objeto, su amigo trabajaba en borrar la línea divisoria entre el arte y la vida. Su relación era de apoyo mutuo e intensa colaboración. Rauschenberg ha dicho: «Me habría resultado difícil imaginar mi trabajo sin sus palabras de aliento».
Combine paintings
Hacia 1955 Robert Rauschenberg ya había fijado la metodología y la filosofía que iba a explotar durante las cuatro décadas siguientes. Creó el término Combine paintings (cuadros combinados) para referirse a sus nuevas obras, que mostraban aspectos tanto de la pintura como de la escultura. En ellas, pedacitos y piezas del mundo real, de hechos y personas, detalles elocuentes de los medios de comunicación impresos parecen unirse en una síntesis de colaboración abierta, lanzada desde la tela desde todas direcciones en un torbellino de energía e incipiente reacción. La primera pintura combinada, Bed, condujo a la creación, entre 1955 y 1959, de más de sesenta Combinaciones, las más importantes de las cuales fueron Monogram de 1955-1959, Sin título, de 1954, Odalisk, de 1958 y Coca-Cola Plan, de 1958. Cada una de estas obras utiliza pintura, collage y ensamblaje en un exceso de objetos dispares y especialmente llamativos. En Bed (Cama) de 1955, Rauschenberg describe la decisión de pintar la colcha de su cama como una necesidad (se había quedado sin lienzos). La combinación de objetos reales, esmalte de uñas, pasta de dientes y pintura de estilo expresionista abstracto escandalizó al mundo de arte neoyorkino de la época. La obra nos ofrece una visión interior de la inspiración de Rauschenberg: una mezcla entre los collages de desechos cotidianos de Kurt Schwitters, los readymades de Marcel Duchamp y las pinceladas del expresionismo abstracto, la cual da lugar a ensamblajes únicos.
La controvertida obra Monogram fue acometida por Rauschenberg en 1955 cuando llevó a casa una sucia cabra de Angora disecada y trató de ponerla en pie. La lavó con champú, le puso un poco de pintura en la nariz, pues la tenía dañada, y le colocó un neumático alrededor del diafragma. Después, Rauschenberg trató por todos los medios de convertirla en parte integrante de una Combinación. Pero no funcionó como parte de una pintura y tampoco funcionó delante de una pintura. Finalmente, con la ayuda de Jasper Johns, la colocó sobre una plataforma pintada que pasó a ser su prado particular.
Sin título de 1954 es una Combinación sobre ruedas que es en parte refugio, en parte pórtico, en parte pintura plegada, contiene gran una cantidad de información, disyuntiva y no interpretada. Instantáneas de su madre como belleza en traje de baño, de la pequeña casa de Port Arthur y de un dandy de los años veinte aparecen desplegadas sobre una estructura destartalada y producen una impresión obsesionante en la que se mezclan sentimientos de nostalgia y pesar. Vacío y soledad, zapatos viejos y una belleza del pasado se extienden hasta abarcar la imagen de una bandera de Estados Unidos y un joven esbelto, el reticente Jasper Johns.
Rauschenberg se convirtió en objeto de varias retrospectivas en museos, entre los que destacó la de la Withechapel Art Gallery de Londres en 1964. Ese mismo año, un crítico londinense le describió «como el artista estadounidense más importante desde Jackson Pollock» y ganó el Gran Premio Internacional de la Bienal de Venecia. Después de 1964, Rauschenberg dejó de lado las Combines para experimentar con la serigrafía, la tecnología, la danza y la performance.
Las fotoserigrafías
A principios de los años sesenta, Rauschenberg empezó a utilizar imágenes fotográficas de manera aún más libre, y de formato más grande, para hacer fotoserigrafías y luego transferirlas a sus telas con tintas comerciales y pinturas al óleo. El método técnico de Rauschenberg exigía remojar con un fluido ligero las zonas seleccionadas de una hoja de papel y luego poner boca abajo, sobre el papel remojado, una imagen fotográfica de una revista o de un periódico y frotar el reverso con la punta de un bolígrafo. De este modo, la imagen era transferida al papel, con una cualidad grisácea y un tanto espectral, pero conservando su identidad como reproducción fotográfica. Rauschenberg trataba la imagen obtenida por este procedimiento con considerable libertad creativa: toques de pincel, invención lineal y aplicación del color. Su primera serie importante, los sensacionales treinta y cuatro dibujos correspondientes a los Cantos del Infierno de la Divina Comedia, se basaba en este método (1958-1960).
Su inmensa pintura Barge (98 metros de largo), de 1962-1963, fue una de sus obras más ambiciosas y explosivas. Con la evolución de su estilo y las hábiles manipulaciones de la imaginería televisiva, Rauschenberg utilizó más y más imágenes tomadas directamente del fotoperiodismo vigente, que en los años sesenta había empezado a transformar radicalmente el formato y los contenidos de la experiencia artística.
Pero la escena artística en sí misma desde los turbulentos pero sociables primeros años sesenta, cuando la generación de Rauschenberg hizo causa común creativamente y floreció a pesar de la existencia de la guerra fría y la cada vez más preocupante pesadilla de Vietnam desgarró el tejido social de los Estados Unidos; una admiradora demente y fanática disparó sobre Andy Warhol, y Janis Joplin, amiga de Rauschenberg, fue víctima fatal de las drogas. Asaltado y vencido por ataques de nostalgia y tedio «baudelairianos» en una metrópoli que ya no tenía fuerza sustentadora, buscó socorro y respuestas en otros sitios. «Empecé a sentir que muchos de mis amigos… estaban teniendo tantos problemas que tal vez yo era responsable de algún mal espíritu», dijo Rauschenberg a finales de los años sesenta. Finalmente buscó alivio a sus miedos en Florida, el mismo sitio en el que había encontrado refugio un década antes, cuando empezó a escapar periódicamente para trabajar en paz.
Captiva: el refugio
Para Rauschenberg, Captiva fue más que una huida del invierno. Se retiró a la pequeña isla de Florida a finales de los sesenta para escapar del mundo artístico de Nueva York, que se había hecho insoportable con sus continuas celebraciones. Después de una vida en el centro del arte vanguardista, anhelaba un refugio y un tiempo para trabajar sin interrupción. Allí invirtió sus energías en sus nuevos trabajos. Primero montó un estudio junto a su casa y después un taller de grabador al otro lado de un bosque de palmeras. Inmediatamente empezó su actividad Untitled Press, en colaboración con Cy Twombly y otros artistas. También empezó nuevas pinturas combinadas en un formato más grande, utilizando los materiales que podía obtener en el entorno inmediato, como en el pasado, pero tal vez distribuyéndolas con más economía, pues en Captiva no había tantas cosas de las que echar mano. Los totémicos Cartones, la série que empezó a emerger en los primeros años en Florida, provenía de las cajas que aún conservaba completas, con grapas, roturas, sellos y otras pruebas aleatorias de su existencia previa. La magistral série Extensiones expresa enérgicamente la obra que empieza con la celebración del bicentenario de los Estados Unidos, cuando Rauschenberg fue declarado «el más importante artista de la nación». Entonces había cumplido los cincuenta años.
Rodeo Palace, es una ambiciosa pintura combinada que incorpora elementos de toda su producción anterior y podría considerarse una especia de síntesis. Creada originalmente para una exposición dedicada al rodeo americano, combina algunas de las yuxtaposiciones sinópticas e instantáneas de la imaginería empleada en las serigrafías de los años sesenta con técnicas de collage y contraste de materiales procedentes de su obra más temprana.
A finales de los años cincuenta y en los sesenta, Rauschenberg y otros artistas de su generación, como Jasper Johns y Larry Rivers, eran descritos con frecuencia como neodadaístas por su afinidad con el dadaísmo y su actitud irreverente hacia la tradición. En realidad buscaban un modo de asimilar y alejarse de la poderosa influencia de los expresionistas abstractos. Aunque despreciado por muchos críticos como un «bromista», la popularidad de Rauschenberg creció rápidamente tanto entre los artistas como entre el público. Hoy es considerado por muchos como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Bibliografía
Cullinan, Nicholas. Robert Rauschenberg. Gallimard, 2011
Rose, Bernice. Robert Rauschenberg. RMN. 2002
Collectif. Robert Rauschenberg. Fondation Maeght. 2000
Hunter, Sam. Robert Rauschenberg. Polígrafa, 2006
Craft, Catherine. Robert Rauschenberg. Phaidon, 2013
