Minimal art

El minimalismo o Minimal art, que significa «menos es más» (frase acuñada por el famoso arquitecto Mies Van der Rohe : less is more), nombre que se justifica por la mínima intervención del artista.

En 1959, Frank Stella, considerado el iniciador del movimiento, participa en la exposición «Sixteen Americans» en el MOMA, en reacción contra el expresionismo abstracto, sus Blacks Paintings (Pinturas negras) una serie de pinturas monocromas en las que únicamente son perceptibles algunos trazados geométricos. Estos cuadros desencadenaron el escándalo, pero anunciaban un movimiento de pintores minimalistas que rechazaban el ilusionismo abandonando la subjetividad, utilizando formas abstractas geométricas simplificadas al extremo. El Minimal art, parecía invitar al espectador a centrarse sólo en el arte, con exclusión de todo lo que pudiera ser percibido como un elemento perteneciente a otro dominio. Ponía como principio que el arte y el mundo existían en universos paralelos pero separados. En su determinación en despojarse de todas las excentricidades y complejidades de la forma, abandona los elementos que generalmente permiten definir cualquier estilo. Puede tomarse como base del minimalismo los experimentos llevados a cabo por artistas rusos, especialmente el suprematismo de Malevich. Fue Ad Reinhard quien aplicó de forma drástica aquellos experimentos; sus pinturas realizadas entre 1960 y 1966 producen un efecto de negro completo gracias a la disposición en capas sutiles de colores oscuros. Los escultores minimalistas trabajan con formas geométricas simples, cuyos materiales fabricados industrialmente bajo sus directrices, no se han modificado. Los principales representantes del Arte minimalista son, Ad Reinhardt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Richard Serra, Frank Stella.

Uno de los artistas de este movimiento que mejor se expresaba era Donald Judd (1928-1994) quien declaró acerca de su método: «Las tres dimensiones son el espacio real. Esta afirmación elimina el problema del ilusionismo y del lugar, únicamente especificado como «lugar» dentro y alrededor de los signos, huellas, marcas y colores – uno de los vestigios más destacados y más deplorables del arte europeo. Los diversos límites de la pintura son eliminados. Una obra puede expresar todo el poder que le hemos querido dar. El espacio real es intrínsecamente más potente y más explícito que la superficie plana.» De hecho, Judd aplicaba este credo de una manera menos liberal de lo que sus palabras dejaban entender; Sin título (1965) se presenta como una sucesión de cajas de hierro galvanizado colocadas a intervalos regulares en una pared.

El artista minimalista en realidad no buscaba expresar o transmitir un mensaje como estábamos acostumbrados anteriormente. El artista ofrecía una imagen parcial que formaba parte de un orden completo que ocupaba todo el espacio y que el espectador era capaz de imaginar y podía completar por medio de su imaginación.

Frank Stella

Pintor americano, nacido en Malden, Massachusetts en 1936, Frank Stella cursó estudios en la Universidad de Princeton y sus primeras pinturas se inspiran en el expresionismo abstracto. Pero desde 1958 reacciona contra este estilo y realiza las Black-stripe paintings (pinturas de bandas negras), donde su dibujo se limita a bandas negras paralelas separadas por líneas de lienzo sin pintar (Tomlinson Court Park, 1959). La simetría, la uniformidad all-over, el toque neutro, el rechazo de todo subjetivismo son una respuesta a la pintura de Pollock o de De Kooning. A partir de 1962, introduce un color, luego dos y finalmente varios (Gran Cairo, 1962). Continuó su investigación mediante la creación de lienzos cuyos marcos cortaba en diferentes formas, en T, H, U, hexagonales, pentagonales … (Shaped Canvas – lienzos de formas diferentes) en los que las bandas horizontales de pintura al aluminio o al cobre se identifican con la forma exterior del lienzo (Más o menos, 1964, París, MNAM).

A partir de 1967, con la serie Protractors las formas semicirculares se liberan y colores formas ya no coinciden (Agbatana I, 1968). La reducción gradual de la planitud se considera abandonada en favor de un espacio «real» que conduce a Brazilian Serie (1974-1975) y a los relieves de los Constructed Paintings a partir de los años 80. El espacio tridimensional es complejo, los recortes de colores brillantes donde la pincelada es evidente se superponen en diferentes formas abstractas (La Vecchia dell’orto, 1986 MNAM).

Richard Serra

Escultor americano, nacido en San Francisco en 1939, Richard Serra después de cursar estudios en Berkeley de 1957 a 1961, viajó a Francia e Italia (1964-1966) y se trasladó a Nueva York en 1967. Junto con Robert Morris, Keith Sonnier y Bruce Nauman, Richard Serra pertenece al grupo «Anti-Form» de la Costa Oeste. Su obra  tiene varias fases: los cauchos y los neones (1966-1967), las construcciones de metal fundido (1968-1969); las obras cortadas y dobladas (1968-1970); las piezas inclinadas y extremadamente pesadas (1968-1971); las películas y las cintas de vídeo (1968-1977); las grandes esculturas de acero instaladas en interiores o al aire libre en el paisaje (desde 1970). Serra utiliza nuevos materiales donde interviene la noción de transitoriedad, de movimiento, de equilibrio y desequilibrio. En Splash (1967), Serra derrama plomo fundido en la parte inferior de las paredes. A finales de los años 60, realiza vídeos cuyos escenarios trascienden las situaciones narrativas clásicas (Hand Catching Lead, 1968). En 1970 participa en la exposición When attitudes become form (Cuando las actitudes se convierten en forma) organizada por Harald Szeemann en Berna. En 1977, en la Documenta de Kassel, construye precarios equilibrios con placas de acero colocadas perpendicularmente unas con respecto a las otras: el peligro emergente de estos desequilibrios potenciales se convierten en una fuente de emoción. En 1983 presenta Clara-Clara, en los jardines de las Tullerías en París y la obra Slat, en la Defensa, inaugurada en 1985.

La obra de Richard Serra encarna una especie de etapa de transición: contiene acentos minimalistas, pero aun es lo suficientemente cercana a las composiciones de David Smith. Las pesadas piezas inclinadas que Serra realiza entre los años 1968 y 1971 expresan dinamismo precisamente a causa de su aparente inestabilidad física. Con frecuencia, también tienen una forma asimétrica. Sus esculturas al aire libre, especialmente el famoso Tilted Arc (Arco inclinado) de 1989, causó controversia debido a la reacción del público, que las encontraba amenazadoras.

Donald Judd

Artista americano, Donald Judd (Excelsior Spring, Missouri 1928 – Nueva York 1994) comienza muy temprano a dibujar al pastel y a la acuarela. Estudia en la Art Students League de Nueva York desde 1947, y obtiene un título de Filosofía en la Universidad de Columbia en 1953. De 1956 a 1958, realiza una serie de pinturas abstractas. Se convierte en crítico de arte y trabaja en dos revistas, Art News y Art Magazine, y abandona la pintura por el relieve en 1961. En 1965, publica un artículo titulado «Specific Objets» donde resume su opinión sobre su trabajo y el de los artistas minimalistas. Se pasa a la tridimensionalidad y dispone objetos producidos por la industria: Galvanized Iron (1965), Untitled (1968). En 1971, el cilindro se añade al cubo y al paralelepípedo. La simplicidad de las formas que Serra elige, las líneas ritmadas por las dualidades color/color, lleno/vacío, interno/externo, frontal/lateral, mate/brillante, el rigor geométrico de sus módulos, hacen de Judd uno de los representantes más influyentes del minimalismo (Untitled, 1973 MNAM, París). Desde 1970, también se interesa en la ubicación del objeto de arte en la arquitectura e interviene tanto en el entorno interior como en el exterior. En 1985, manda realizar muebles de madera de edición limitada.

Dan Flavin

Dan Flavin (Nueva York 1933-1996) sigue los cursos de dibujo y pintura en la Universidad de Columbia de 1957 a 1960. Sus primeras obras pictóricas están inspiradas por el expresionismo abstracto. Entre 1961 y 1963, realiza construcciones cuadradas, pintadas, en las que fija bombillas (Iconos). Utiliza por primera vez el tubo fluorescente en 1963 (Diagonal del 25 de mayo, 1963). Gracias a la luz de sus tubos, transforma el espacio real y puede jugar con los límites arquitectónicos. En 1964, utiliza luces de varios colores y su obra se vuelve más pictórica (Sin título, To Donna 5a, 1971, París, MNAM). Sus estructuras se organizan de acuerdo con la instalación in situ, e incurren en una mínima acción de su parte. En 1966, participa en la exposición de Art minimal Primary Structures en el Jewish Museum de Nueva York con Carl Andre, R. Morris, Donald Judd. Inspirado por la obra de Tatlin a quien admira y al que ha dedicado varias instalaciones (Monument for V. Tatlin, n° 61, 1969), y la creación de las Corner Pieces, introduce el discurso del constructivismo en el arte minimalista.

La obra de Dan Flavin se situa en la conjunción del minimalismo y del arte cinético. No se preocupa sólo de la luz sino también del espacio, como lo demuestra su elección de los materiales; en este sentido, su obra está relacionada con la de Buren. «Yo sabía, dijo, que se podía alterar y jugar con el espacio real de una habitación plantando ilusiones con luz real (luz eléctrica) en las juntas cruciales de la composición de la sala».

Carl Andre

Influenciado en sus inicios por Brancusi, Carl Andre (Quincy, Massachusetts 1935) cambia radicalmente de dirección a partir de 1965 y se muestra uno de los representantes más originales del arte minimalista. De hecho, despoja a la escultura de una de sus dimensiones tradicionales: la altura. Presentando sus piezas en el suelo, insiste en la noción de serie y combina elementos idénticos cuya yuxtaposición ha sido calculada utilizando un módulo matemático. Enteramente basadas en la horizontalidad, estas obras se convierten entonces para el espectador en un espacio a recorrer. Utilizando primero la madera, el plexiglás, el ladrillo, en 1967 ejecuta sus primeras estructuras metálicas y en 1969 las compone en tablero de ajedrez. A partir de entonces, Carl Andre realiza obras verticales utilizando materiales diversos, estrictamente similares en corte y regularmente espaciadas (Shiloh, 1980). Creando así una estructura espacial a partir del suelo y jugando con la materia, la altura, el peso y la regularidad de los elementos. Todas sus piezas se realizan en el mismo lugar de la exposición y son desmanteladas una vez finalizada.