Les réalistes contemporains

Le réalisme contemporain est né à New York dans les années 1950, en opposition à la popularité de l’expressionnisme abstrait. Le mouvement signifiait un retour à une représentation directe de la vie par le biais d’œuvres d’art figuratives. De nombreux artistes de ce mouvement comme Jack Beal, Nell Blaine, Philipp Pearlstein, Leland Bell ou Jane Freilicher, sont issus de l’expressionniste abstrait. Même s’ils ont rejeté ses principes, ils ont adapté nombre de ses techniques, comme l’utilisation similaire du pinceau, la planéité, l’utilisation de grandes toiles et l’innovation en matière de couleurs et de composition. Bien qu’il y ait eu d’autres branches artistiques inspirées simultanément par les philosophies du réalisme du XIXe siècle, telles que le réalisme social et le régionalisme américain, les peintres réalistes contemporains se sont largement distingués en montrant la vie urbaine et rurale d’une manière simple et dépourvue de sentimentalité. Le réalisme contemporain était un moyen d’exprimer l’environnement immédiat, le plus souvent par un regard sur les personnes, les paysages, les natures mortes et les intérieurs, visant a faire connaître la vie personnelle de l’artiste. Ces premiers regards se sont portés sur la vie à New York, dans le Maine et à Southampton, mais ils ont été une source d’inspiration pour d’autres peintres travaillant dans cette veine, en établissant le concept de centres d’art régionaux. Le mouvement a revitalisé le réalisme et lui a donné un nouvel élan qui s’est poursuivi plus tard sous diverses formes, notamment le photoréalisme et le néo-expressionnisme.

L’œuvre de Jack Beal (1931-2013) à contre-courant de l’art populaire de l’époque, passe de l’abstraction au réalisme. Influencé par les œuvres des maîtres hollandais du XVIIe siècle, il à été parmi les premiers artistes américains à abandonner l’expressionnisme abstrait psychologique en faveur d’un réalisme plus facile à comprendre. Remarqué dans les années 1960 pour ses nus et ses natures mortes aux couleurs vives, il s’oriente dans les années 1970 vers la peinture à sujets sociaux, comme en témoignent ses quatre peintures murales The History of Labor (1977), réalisées dans le cadre d’une commande du ministère du Travail à Washington.

The History of Labor de Jack Beal représente des ouvriers, des travailleurs sociaux, des scientifiques et d’autres travailleurs ordinaires. La lumière du soleil traversait les fenêtres du nouveau atelier de l’artiste dans une ancienne usine du nord de l’État de New York, alors qu’il travaillait sur quatre peintures murales pour le département du travail des États-Unis. Le critique Hilton Kramer du New York Times a qualifié Beal comme « le plus important réaliste social à avoir émergé dans la peinture américaine depuis les années 1930. Étant donné le peu d’estime – à la limite du mépris – dont les réalistes sociaux ont souffert au cours des dernières décennies, cette position n’est pas de nature à susciter l’envie ».

Philip Pearlstein (1924-2022) a travaillé comme illustrateur et, dans les années 1950, il a peint des paysages expressionnistes abstraits. – Pearlstein se souvient de ses premiers liens avec Andy Warhol au Carnegie Tech et des chemins divergents qui ont conduit chacun d’eux à une place unique dans l’histoire de l’art.- En 1958, Pearlstein commence à fréquenter l’atelier de l’artiste Mercedes Matter pour des séances de dessin de figures et, en 1961, il réalise des nus à partir de ses dessins. L’année suivante, il adopte le principe du réalisme contemporain qui consiste à peindre directement d’après modèle. Un certain nombre d’œuvres de Philip Pearlstein présentent des nus, mais dans les œuvres ultérieures, les objets – jouets en fonte, masques africains, kimonos, tapis indiens – deviennent plus élaborés et plus artificiels, s’inscrivant dans un monde plus hyperréaliste.

L’école de New York

La plupart des réalistes contemporains faisaient partie d’un réseau de poètes et d’artistes visuels qui constituaient l’école de New York des années 1950 aux années 1960. Les poètes de l’école de New York, Kenneth Koch, Barbara Guest, James Schuyler, Alice Notley, Frank O’Hara et John Ashbery, se sont souvent inspirés des mouvements artistiques contemporains. En tant que conservateur du Musée d’art moderne, Frank O’Hara a été particulièrement influent et, comme Ashbery et Schuyler, un critique d’art réputé. Artiste renommée, Jane Freilicher (1924-2014) a joué un rôle de premier plan dans la création de liens au sein de l’école de New York. Tous les vendredis soirs, elle organisait des réunions qu’Alex Katz décrivait comme « une éducation fantastique », où il semblait que tout le monde pouvait « jouer du piano, parler français et être totalement brillant en anglais ». Elle était considérée comme une sorte de muse pour les poètes de l’école de New York, car un certain nombre d’entre eux ont écrit des œuvres sur elle. En retour, l’artiste a collaboré avec eux sur un certain nombre de projets. Ashbery et Freilicher étaient notamment de grands amis et après la mort prématurée d’O’Hara en 1966, elle a collaboré à des projets commémoratifs pour le poète.

Ces artistes issus de l’expressionnisme abstrait, ont commencé à peindre des sujets plus traditionnels tels que des paysages, des portraits, des intérieurs domestiques et des natures mortes, mais avec une conscience contemporaine et une technique influencée par divers mouvements, notamment l’accent mis par l’école de New York sur la capture de l’instant quotidien, ainsi que la palette de couleurs et les lignes ondulantes de leurs ancêtres artistiques du 19e siècle, Pierre Bonnard et Édouard Vuillard. Les artistes réalistes ont conservé certains éléments de l’expressionnisme abstrait, comme l’a écrit l’historienne de l’art Linda Nochlin : « L’ampleur de l’échelle, la conscience constante de la planéité de la surface picturale, (et) le souci de la mesure et de l’espace ».

Grâce aux liens entre ces réalistes contemporains et l’école de New York, l’art figuratif a trouvé une réponse critique positive ainsi qu’un encouragement artistique et une influence commune. L’école de New York a mis l’accent sur un style urbain plein d’esprit, combiné à une sorte de méthode de flux de conscience qui s’efforce de capturer un moment dans le temps à l’aide d’images vivantes. Un certain nombre de réalistes contemporains se sont également attachés à capturer le moment quotidien et ont développé un style urbain et moderne. Les membres de l’école de New York continueront à se lier à d’autres branches du mouvement jusque dans les années 1980.

Critiques d’art et éducateurs

Certains artistes comme Lois Dodd, Philipp Pearlstein, Alex Katz et Fairfield Porter exaltent le réalisme en tant que critiques d’art et éducateurs. Porter a été particulièrement influent en tant que critique d’art actif tout au long des années 1950. En outre, son appréciation simultanée de l’expressionnisme abstrait et ses amitiés avec les artistes et les poètes de l’école de New York ont conféré à sa préférence pour le réalisme une crédibilité intellectuelle. Hilton Kramer, le plus important critique d’art du New York Times de l’époque, était également un partisan notoire du groupe et de l’art contemporain. Au début des années 1960, l’œuvre a commencé à recevoir une plus grande attention de la part de la critique et a été baptisée « réalisme contemporain », regroupant tous les artistes travaillant dans ce style sous un terme générique. Ces artistes se considèrent comme obstinément indépendants et inventent souvent leurs propres noms pour leurs œuvres représentatives de son style. Par exemple, Alex Katz préférait qualifier ses œuvres de « post abstraites » et Freilicher utilisait le terme de « réalisme pictural ». En outre, le réalisme contemporain a parfois été inclus dans le terme « Nouvelle figuration » inventé par le critique d’art français Michel Ragon en 1961 pour toutes les œuvres figuratives.

Lois Dodd : Autoportrait à la fenêtre verte

Les sujets réalistes de Lois Dodd (New Jersey, 1927) sont souvent présentés avec une sophistication formelle qui devient une méditation sur l’espace. Dodd était célèbre pour ses peintures de scènes vues depuis une porte ou une fenêtre, donnant l’impression d’un spectateur regardant de l’intérieur ou de l’extérieur. Cela lui a permis d’explorer sa passion pour la géométrie et les formes. L’œuvre Autoportrait à la fenêtre verte représente une fenêtre de l’extérieur de la maison de l’artiste dans le Maine. Une grande plante, portant une fleur jaune, s’élève vers la fenêtre où se reflète l’artiste, coiffée d’un grand chapeau de soleil jaune et tenant un pinceau. Le spectateur regarde la fenêtre, puis se rend compte que la fenêtre donne sur l’extérieur de la maison et que le peintre doit se tenir dans l’espace que le spectateur occupe. La sophistication de l’approche confère également une atmosphère froide d’esprit ludique. L’influence de Mondrian se reflète dans la grille de cette œuvre, dans les lignes de ses éléments et dans le contraste des couleurs primaires de la maison jaune et du cadre bleu de la fenêtre. Comme le dit Dodd, « avec les peintures de fenêtres, la grande décision est de savoir où placer la grille… Même avec les plantes, il y a une sorte de géométrie qui aide – où allez-vous situer le carré, le triangle ou l’ovale ». Les rectangles des planches de la maison, le cadre autour de la fenêtre et la fenêtre elle-même, sont répétés dans les rectangles plus grands qui se reflètent dans l’arrière-plan derrière elle.

Les centres artistiques du réalisme contemporain

Si New York est le centre névralgique du réalisme contemporain, le Maine et Southampton deviennent également des centres régionaux en raison de l’afflux important d’artistes intéressés par les paysages idylliques et l’atmosphère sociale qui y règnent. En 1951, Lois Dodd, William King et Alex Katz commencent à passer l’été dans le Maine, ce qui, selon Dodd, « … nous a permis de travailler en plein air ». Ils ouvrent également l’Accent Gallery à Lakewood, dans le Maine, pour y exposer leurs propres œuvres, créant ainsi une sorte de lieu central pour l’art figuratif, ce qui attire encore plus d’artistes dans la région. Par la suite, Neil Welliver s’est installé dans cet État, ce qui a valu au groupe d’être surnommé « les artistes de Lincolnville ». Rackstraw Downes s’installe bientôt dans le Maine pour étudier avec Neil Welliver. Cette migration vers la campagne a influencé la peinture de paysage et le renouveau de la peinture en plein air. Welliver, par exemple, parcourait des kilomètres dans les bois pour peindre un paysage particulier, comme dans le tableau Lower Duck Trap (1978).

Fairfield Porter avait des maisons de famille à Southampton et dans le Maine, et ces deux endroits ont été une sorte de vivier pour les artistes figuratifs, influençant leur travail dans le sens d’intérieurs domestiques combinés à des paysages. En créant un lien avec le Parrish Art Museum de Long Island, Porter a fini par faire don de plus de 250 œuvres au musée. Le musée abrite aujourd’hui la Collection Fairfield Porter, ainsi que de nombreuses pièces de la collection permanente de poètes et de peintres de l’époque, dont des œuvres telles que le Portrait of Frank O’Hara (2009) d’Alex Katz. Jane Freilicher commence également à passer ses étés à Long Island, où elle crée des œuvres comme Autumnal Landscape (1976-1977).