Rauschenberg : vie et art
Étudiant au Black Mountain College au début des années 1950, l’artiste américain Robert Rauschenberg (Port Arthur, Texas, 1925 – Captiva, Floride 2008) s’est imposé comme un artiste inventif et énergique dont les expérimentations avec la peinture, les objets, la performance et le son, ont influencé à nombre de ses contemporains : « La peinture concerne autant l’art que la vie. Ni l’un ni l’autre ne peuvent être créés. (J’essaie d’agir entre les deux) », a-t-il déclaré en 1959. La pensée et l’œuvre de Rauschenberg ont, en raison de la complexité des thèmes qu’il aborde et de l’originalité de ses solutions, un rôle prépondérant dans les réflexions esthétiques de la seconde moitié du XXe siècle. Il s’est fait connaître dans la transition entre l’expressionnisme abstrait et le pop art dans les années 1950, et est ensuite devenu plus connu pour ses Combines, des pièces dans lesquelles il combine toutes sortes d’objets avec des matériaux non conventionnels. Il a travaillé avec la photographie, la gravure, le tissu mélangé à la peinture, des éléments divers et des collages. Il a été un pionnier dans l’utilisation de la sérigraphie, jusqu’alors réservée à un usage commercial, pour multiplier l’impact de ses œuvres. Il conçoit ses créations à partir de la technique du transfert par solvant, et intègre le collage dans un espace bidimensionnel avec des images qui suivent la surface travaillée, et s’ajoutent aux zones dessinées ou peintes. Le mélange de figuration et d’abstraction est devenu une caractéristique constante de son style.
Les White Paintings ont entamé leur phase initiale la plus importante d’expérimentation radicale au Black Mountain College en Caroline du Nord (1948), où Joseph Albers, le professeur du Bauhaus, incarnait l’ordre et considérait les éléments de l’art d’une manière qui s’opposait fortement à l’esthétique émergente de Rauschenberg. Là, pour la première fois, il entre en contact direct avec les idées fertiles du musicien John Cage et du chorégraphe Merce Cunningham. Rauschenberg participe à la performance historique (Untitled event, 1952), définie comme une « action concertée », à laquelle collaborent Cage, Cunningham, le pianiste David Tudor et le poète Charles Olson. C’est leur contribution à cet événement qui a été une première tentative de créer une synthèse théâtrale de tous les arts et le prototype de tous les happenings développés plus tard (1959) par Allan Kaprow, Claes Oldenburg, Jim Dine et d’autres à New York. L’œuvre Minutiae a été créée par Rauschenberg pour le décor de la pièce du même nom de la Merce Cunningham Dance Company.
En 1954, Rauschenberg rencontre Jasper Johns dans le studio new-yorkais de Sari Dienes. En 1955, il s’installe dans un studio sur Pearl Street, dans le sud de Manhattan. Le studio de Johns est seulement un étage en dessous, dans le même bâtiment. Les deux jeunes artistes se rencontrent quotidiennement pour échanger des idées et discuter de leurs travaux respectifs. Alors que Jasper Johns explorait la notion de peinture elle-même en tant qu’objet, son ami s’efforçait de brouiller la frontière entre l’art et la vie. Leur relation était marquée par un soutien mutuel et une collaboration intense. Rauschenberg a déclaré : « J’aurais eu du mal à imaginer mon travail sans ses mots d’encouragement ».
Combine paintings
En 1955, Robert Rauschenberg avait établi la méthodologie et la philosophie qu’il allait exploiter pendant les quatre décennies suivantes. Il a créé le terme Combine paintings (peintures combinées) pour désigner ses nouvelles œuvres, qui présentaient des aspects à la fois de la peinture et de la sculpture. Dans ces œuvres, des fragments du monde réel, des faits et des personnes, des détails éloquents de la presse écrite semblent s’assembler dans une synthèse de collaboration ouverte, jetés sur la toile comme dans un tourbillon d’énergie naissante. Sa première œuvre intitulée Bed, a conduit à la création, entre 1955 et 1959, de plus de soixante Combines, dont les plus importantes sont Monogram de 1955-1959, Sans titre de 1954, Odalisk de 1958 et Coca-Cola Plan de 1958. Chacune de ces œuvres utilise la peinture, le collage et l’assemblage dans un excès d’objets disparates et particulièrement frappants. Dans Bed (1955), Rauschenberg décrit sa décision de peindre l’édredon de son lit comme une nécessité (il était à court de toiles). L’amalgame d’objets réels, de vernis à ongles, de dentifrice et de peinture expressionniste abstraite a choqué le monde de l’art new-yorkais de l’époque. L’œuvre nous offre un aperçu de l’inspiration de Rauschenberg : un mélange entre les collages des rebuts du quotidien de Kurt Schwitters, les readymades de Marcel Duchamp et de touches expressionnistes abstraites, aboutissant a des assemblages exceptionnels.
L’œuvre controversée Monogram a été réalisée par Rauschenberg en 1955 lorsqu’il a ramené chez lui une chèvre angora empaillée et sale et qu’il a essayé de la mettre debout. Il l’a shampouiné, a mis de la peinture sur son nez, qui était endommagé, et a mis un pneu autour de son diaphragme. Rauschenberg s’est ensuite efforcé d’en faire une partie intégrante d’un Combine. Mais cela ne fonctionnait pas en tant que partie d’un tableau, et ne fonctionnait pas non plus devant un tableau. Enfin, avec l’aide de Jasper Johns, il l’a placée sur une plate-forme peinte qui est devenu son pré privé.
Sans titre de 1954 est un Combine sur roues qui est à la fois un abri, un portique et une peinture pliée, contenant une grande quantité d’informations, disjointes et non interprétées. Des clichés de sa mère en maillot de bain, de la petite maison de Port Arthur et d’un dandy des années 1920 sont étalés sur une structure délabrée et produisent une impression obsédante où se mêlent nostalgie et regret. Le vide et la solitude, les vieilles chaussures et la beauté du passé s’étalent jusqu’à englober l’image d’un drapeau américain et d’un jeune homme élancé, le réticent Jasper Johns.
Rauschenberg a fait l’objet de plusieurs rétrospectives dans des musées, notamment celle de la Withechapel Art Gallery à Londres en 1964. La même année, il est décrit par un critique londonien comme « l’artiste américain le plus important depuis Jackson Pollock » et remporte le Grand Prix international de la Biennale de Venise. Après 1964, Rauschenberg quitte la série Combines pour expérimenter la sérigraphie, la technologie, la danse et la performance.
Les sérigraphies
Au début des années 1960, Rauschenberg a commencé à utiliser des images photographiques dans un format encore plus libre et plus grand pour réaliser des sérigraphies et les transférer ensuite sur ses toiles avec des encres commerciales et des peintures à l’huile. La méthode technique de Rauschenberg consistait à imbiber des zones sélectionnées d’une feuille de papier avec un fluide léger, puis à placer une image photographique tirée d’un magazine ou d’un journal, face vers le bas, sur le papier imbibé et à frotter le verso avec la pointe d’un stylo-bille. De cette manière, l’image a été transférée sur le papier, avec une qualité grisâtre et quelque peu spectrale, mais en conservant son identité de reproduction photographique. Rauschenberg traite l’image obtenue par ce procédé avec une grande liberté créative : coups de pinceau, invention linéaire et application de la couleur. Sa première grande série, les éblouissants trente-quatre dessins des Chants de l’enfer de la Divine Comédie, est basée sur cette méthode (1958-1960).
Son immense tableau Barge (98 mètres de long), 1962-1963, est l’une de ses œuvres les plus ambitieuses et explosives. Avec l’évolution de son style et ses manipulations adroites de l’imagerie télévisuelle, Rauschenberg utilise de plus en plus d’images tirées directement du photojournalisme, qui, dans les années 1960, avait commencé à transformer radicalement le format et le contenu de l’expérience artistique.
Mais la scène artistique elle-même, date du début des années 1960, période turbulente mais sociable, où la génération de Rauschenberg a fait cause commune sur le plan créatif et s’est épanouie malgré l’existence de la guerre froide et le cauchemar de plus en plus troublant du Viêt Nam, qui a déchiré le tissu social des États-Unis ; un fan fou et fanatique a tenté d’assassiner Andy Warhol, et Janis Joplin, amie de Rauschenberg, a été victime de la drogue. Assailli et vaincu par des accès de nostalgie et d’ennui « baudelairiens » dans une métropole qui n’a plus aucune force d’appui, il a cherché du réconfort et des réponses ailleurs. « J’ai commencé à penser que beaucoup de mes amis (…) avaient tellement de problèmes que j’étais peut-être responsable de quelque esprit maléfique », a déclaré Rauschenberg à la fin des années 1960. Il a finalement cherché à soulager ses craintes en Floride, le même endroit où il avait trouvé refuge une décennie plus tôt, lorsqu’il a commencé à s’échapper périodiquement pour travailler en paix.
Captiva : le Refuge
Pour Rauschenberg, Captiva était plus qu’une échappatoire pendant les hivers froids de la grande métropole. Il s’est retiré sur la petite île de Floride à la fin des années 1960 pour fuir le monde de l’art new-yorkais, devenu insupportable avec ses célébrations constantes. Après une vie au centre de l’art d’avant-garde, il aspirait à un refuge et du temps pour travailler sans interruption. C’est là qu’il à investi son énergie dans son nouveau travail. Il a d’abord aménagé un atelier à côté de sa maison, puis un atelier de graveur de l’autre côté d’un bosquet de palmiers. Il commence immédiatement son activité Untitled Press, en collaboration avec Cy Twombly et d’autres artistes. Il a également commencé de nouveaux Combines dans un format plus grand, en utilisant les matériaux qu’il pouvait obtenir dans l’environnement immédiat, comme par le passé, mais peut-être en les distribuant de manière plus économique, car il n’y avait pas autant de déchets sur Captiva comme dans les rues de New York. Les totémiques Cartons, la série qui a commencé à émerger au cours des premières années en Floride, proviennent des boîtes qu’il conservait encore complètes, avec des agrafes, des déchirures, des timbres et autres preuves aléatoires de leur existence antérieure. La série magistrale Extensions exprime avec force l’œuvre qui commence avec la célébration du bicentenaire des États-Unis, lorsque Rauschenberg a été déclaré « le plus grand artiste de la nation ». Il était alors âgé d’une cinquantaine d’années.
Rodeo Palace est un ambitieux tableau combiné qui incorpore des éléments de tous ses travaux antérieurs et pourrait être considéré comme une sorte de synthèse. Créé à l’origine pour une exposition consacrée au rodéo américain, elle combine certaines des juxtapositions synoptiques et des instantanés de l’imagerie utilisée dans les sérigraphies des années 1960, avec les techniques de collage et contraste des matériaux de ses travaux antérieurs.
À la fin des années 1950 et dans les années 1960, Rauschenberg et d’autres artistes de sa génération, tels que Jasper Johns et Larry Rivers, ont souvent été décrits comme des néo-dadaïstes en raison de leur affinité avec le dadaïsme et de leur attitude irrévérencieuse vis-à-vis de la tradition. En réalité, ils cherchaient un moyen d’assimiler et se distancier de la puissante influence des expressionnistes abstraits. Bien que méprisé par de nombreux critiques qui le considèrent comme un « farceur », la popularité de Rauschenberg s’est rapidement accrue parmi les artistes et le public. Aujourd’hui, il est considéré par beaucoup comme l’un des artistes les plus influents du XXe siècle.
Bibliographie
Cullinan, Nicholas. Robert Rauschenberg. Gallimard, 2011
Rose, Bernice. Robert Rauschenberg. RMN. 2002
Collectif. Robert Rauschenberg. Fondation Maeght. 2000
Hunter, Sam. Robert Rauschenberg. Polígrafa, 2006
Craft, Catherine. Robert Rauschenberg. Phaidon, 2013
