Leland Bell, peintre autodidacte
Leland Bell (1922-1991), peintre, musicien et enseignant américain de l’après-guerre, a défié toute catégorisation en créant des œuvres à la fois classiques, abstraites et figuratives. Il s’est distingué de ses pairs par un style unique et rythmé qui utilise des contours forts, des sections de couleur audacieuses et un dynamisme engageant. Peintre autodidacte, Leland Bell a adopté la figure humaine comme sujet principal alors que d’autres artistes s’éloignaient de la représentation figurative. Sa vision exubérante de la vie quotidienne ne s’inscrit dans aucun mouvement, ce qui fait de Bell un artiste à part dans le monde de l’art.
Ancien batteur de jazz, Leland Bell a été attiré par le mouvement rythmique des œuvres de Balthus, Alberto Giacometti et le peintre abstraite Piet Mondrian, qui ont tous grandement influencé son propre style. Le sujet le plus fréquent de Bell était sa vie personnelle et domestique. Contrairement à ses contemporains qui cherchaient à transcender ou à réimaginer le monde quotidien, Bell s’en réjouissait. Bell a retravaillé ses œuvres à de nombreuses reprises, même après qu’elles aient été exposées ou publiées, restant passionné par la peinture en tant que processus continu plutôt que comme moyen de créer un produit final.
Premières années
Leland Bell est né en 1922 à Cambridge, dans le Maryland, et a grandi à Flatbush, dans le quartier de Brooklyn. Dès son plus jeune âge, il s’intéresse au dessin, copiant souvent les illustrations de Norman Rockwell et les images des livres de cow-boys. Il gagnait également de l’argent en dessinant des caricatures pour les gens dans la rue. L’autre passion de Bell, le jazz, l’a amené à fréquenter les clubs de jazz de New York. Au lycée, à Washington, où les parents juifs russes de Leland Bell ont déménagé, il sèche parfois les cours pour copier les œuvres qu’il voit à la Phillips Collection et à la Bibliothèque du Congrès. Il était particulièrement attiré par les œuvres de Paul Klee et de Thomas Eakins. Vers la fin du lycée, Bell rencontre le peintre Karl Knaths, qui lui propose de s’installer à Provincetown, dans le Massachusetts. Après un bref séjour dans cette ville, Leland Bell s’installe à New York en 1941. Pendant un certain temps, il vit à côté du peintre Robert De Niro, Sr., qui lui propose de le rejoindre en tant que gardien au Museum of Non-Objective Painting (plus tard le Solomon R. Guggenheim). Leland Bell y travailla brièvement, mais il est renvoyé pour avoir dit à un visiteur qu’il pouvait voir une meilleure peinture dans une autre exposition. Artiste largement autodidacte, Bell passe une courte période en 1942 à étudier à l’école de Hans Hofmann où il rencontre la peintre figurative islandaise Louisa Matthiasdottir. (En fait, Bell a déclaré qu’il avait d’abord fréquenté l’école de Hofmann parce qu’il avait entendu parler des jolies femmes islandaises qui y étaient inscrites). Bell a ensuite passé un bref moment dans le Pacifique avec la marine marchande, mais était de retour à New York en 1943. En 1944, il épouse Matthiasdottir, qu’il appelle Ulla, et leur fille Temma naît en 1945. Temma deviendra également plus tard peintre.
Période de maturité
La plupart des œuvres de Leland Bell des années 1940 ont disparu. Les peintures qui subsistent, en particulier celles du début de cette décennie, sont plus abstraites que ses œuvres ultérieures, tout en témoignant de la même sensibilité énergétique. Bell ne considérait pas son travail comme des phases distinctes d’abstraction et de figuration ; il voyait plutôt une fluidité dans son style tout au long de sa carrière. Bell a commencé à s’orienter vers une approche plus figurative au moment où l’expressionnisme abstrait devenait populaire parmi ses confrères new-yorkais. De 1950 à 1951, Bell et sa famille se rendent à Paris, où il s’imprègne du travail de ses collègues Jean Hélion, Balthus et Alberto Giacometti. De retour à New York, Leland Bell a continué à peindre tout en occupant de nombreux emplois secondaires, tels que matelot sur un remorqueur, serveur, concierge et magasinier de bibliothèque. Après une exposition en 1955 à la Hansa Gallery de New York, Bell a bénéficié de nombreuses expositions personnelles dans diverses galeries de la ville. Il entame également une longue relation avec le galeriste Robert Schoelkopf, qui lui propose de fréquentes expositions, à partir de 1964 et pendant plusieurs décennies. Une grande partie du travail de Leland Bell de cette époque se concentre sur le portrait, en particulier dans les peintures de lui-même et d’Ulla. Malgré le soutien constant de Schoelkopf, Bell vend peu de tableaux et resta quelque peu ignoré par les critiques, probablement en partie par le fait que son travail n’entre dans aucune catégorie. Au contraire, son style est resté indépendant et distinct de celui de l’expressionnisme abstrait et de l’art minimaliste.
Basée sur des photographies d’un week-end passé en famille et avec des amis, le tableau Partie de croquet est l’une des rares peintures que Bell n’a pas modifiée depuis sa création. Il est représentatif du motif récurrent, tout au long de sa carrière, des scènes familiales et domestiques. À l’extrême gauche, Bell entoure de son bras sa femme Ulla, qui apparaît dans de nombreuses œuvres de Bell, montrant un lien tendre entre les deux. L’influence profonde de Jean Hélion et de Fernand Léger sur le travail de Bell est évidente même dans ces premières œuvres, en particulier dans les contours sombres de Bell qui deviendront plus nets et plus précis dans ses peintures ultérieures.
Étant donné l’importance qu’il accorde à la vie domestique, Leland Bell n’est pas surprenant que les natures mortes soient un sujet fréquent pour Bell. Dans ces peintures, il inclut souvent des objets disparates tels que des roses, des crânes et des cymbales, ces dernières faisant référence à ses intérêts musicaux. Même dans Nature morte avec portrait de Temma, une scène apparemment statique, Bell a trouvé le moyen d’intégrer le mouvement par le biais de l’ombre et des plis du tissu. Tout en restant abstraits, les objets soigneusement placés ont tous une présence forte et distincte ; les contours noirs donnent de la clarté aux différentes parties tout en apportant un équilibre harmonieux à la composition. Outre les contours, l’utilisation par Bell de couleurs en aplat et les manipulations de la perspective rappellent les œuvres de Fernand Léger.
New York, Center for Figurative Painting.
Dernière période
Outre la peinture, Leland Bell était un enseignant et un conférencier respecté et renommé. Il était particulièrement déterminé à défendre les artistes qu’il vénérait et il pouvait se montrer très caustique lorsqu’il n’était pas d’accord avec les autres. Bell a été l’un des membres fondateurs de la New York Studio School, à partir de 1964, et a enseigné la peinture à la Parsons School of Design, à l’université de Yale, à l’université d’Indiana et à l’institut d’art de Kansas City. Au cours des décennies suivantes, il a continué à affiner son style artistique et ses peintures antérieures. (Par exemple, Bell a développé sa série Family Group de la fin des années 1960 pour créer les œuvres Butterfly Group des années 1970 et 1980). Bien qu’il ait créé un certain nombre de natures mortes, la figure humaine est
restée son sujet le plus constant, en particulier sa femme et sa fille Temma. Ses dernières peintures, telles que le groupe Butterfly (1968) et la série Morning (vers les années 1970-80), témoignent de son style le plus abouti, fait de mouvements, de délimitations nettes de l’espace et de jeux d’ombre et de lumière. Bell est décédé à New York en 1991.
Faisant partie d’une série de tableaux aux titres et sujets similaires, Morning II est l’une des plus grandes œuvres à deux figures de Leland Bell. Bell a placé ces corps statuaires dans une scène intime de plans qui se croisent, d’angles divers et de mouvements rythmiques pour évoquer l’énergie et le flux de la vie. Il a relié les figures par des membres tendus et en mouvement et par des aplats de couleur. Contrairement aux lignes noires distinctes qui délimitent les formes dans ses peintures, Bell estompe souvent les doigts et les orteils dans les couleurs environnantes, suggérant ainsi un mouvement continu. Balthus, l’une des principales sources d’influence de Bell, utilise une tactique similaire dans La Phalène, où les mains et les pieds tendus d’une femme nue s’effacent à l’arrière-plan.
De nombreux tableaux de Bell recréent une scène où un groupe domestique réagit à un papillon ou à un oiseau, s’inspirant de La Phalène de Balthus, tant dans l’intrusion de la nature que dans les gestes vifs des personnages. Les images ludiques et presque chorégraphiées de Bell font un usage expressif des bras, à la fois pour indiquer une humeur festive et pour relier visuellement les sections du tableau, presque comme une frise grecque. Leland Bell dépeint chaque figure comme une entité individuelle, tout en les réunissant par une utilisation presque sculpturale de la lumière et de l’ombre.
Le fait de façonner son propre style en dehors de l’influence du mouvement expressionniste abstrait, plus populaire, a peut-être empêché Bell de recevoir le soutien critique et financier dont bénéficiaient ses contemporains. Pourtant, c’est précisément cet engagement en faveur d’une approche figurative, moins à la mode, qui a fait de Bell une figure artistique importante et un conférencier passionné. Aujourd’hui, les peintures de Bell font partie des collections du Metropolitan Museum of Art à New York, du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden à Washington, D.C., du Rose Museum of Brandeis University, Massachusetts, et du Mint Museum à Charlotte, Caroline du Nord, entre autres.
Bibliographie
Leland Bell. Leland Bell, paintings. Theo Waddington, 1980
Nicholas Fox Weber. Leland Bell. Rizzoli Intl Pubns, 1986
Leland Bell. Changing Rhythms: Works by Leland Bell. List Gallery, 2001
