Lee Krasner : une perspective féministe sur l’art

Alors que Krasner (1908–1984) était la seule femme peintre associée à la première génération de l’école de New York, pendant de nombreuses années, elle fut connue principalement comme l’épouse et disciple de Jackson Pollock. Ont été importantes ses contributions critiques à l’expressionnisme abstrait, tout en démontrant son dialogue permanent avec un large éventail d’artistes, de critiques et d’écrivains, notamment Hans Hofmann, Willem de Kooning, Henri Matisse, Piet Mondrian et Pablo Picasso, entre autres. En embrassant le travail et les idées des autres comme source de sa propre créativité, Krasner a rejeté la notion expressionniste abstraite romantique et clairement masculine de l’individu aliéné comme source d’expression artistique. Son travail apporte une perspective féministe importante sur l’art américain du XXe siècle.

Son travail de plus de 50 ans suggère une réinvention perpétuelle et ininterrompue, englobant des portraits, des dessins cubistes, des collages, des assemblages et des peintures abstraites à grande échelle. Pionnière de l’expressionnisme abstrait, elle a également été l’une des principales héritières des pratiques artistiques de Jackson Pollock.

« J’étais une femme, une juive, une veuve, une peintre sacrément bonne – merci beaucoup – et un peu trop indépendante. »

Premières années

Lena Krasner est né en 1908, à Brooklyn, dans une famille juive orthodoxe récemment immigrée. À 14 ans, elle décide de devenir artiste et adopte le nom de « Leonore », qui à son tour devient « Lee » quand elle étudie à la Women’s Art School de la Cooper Union. Après avoir obtenu son diplôme, Krasner poursuit ses études dans la prestigieuse National Academy of Design. C’est de cette époque que datent ses autoportraits. La grande Dépression des années 30 oblige Krasner à quitter la National Academy et à s’inscrire à une formation gratuite pour enseignants au City College de New York. Parallèlement, elle commence à assister aux classes de dessin d’après nature de la Greenwich House avec Job Goodman, ancien disciple du peintre régionaliste Thomas Hart Benton, qui défend une méthode classique de dessin inspirée des maîtres de la Haute Renaissance comme Michel-Ange.

Lorsque le Musée d’Art Moderne a ouvert ses portes en 1929, Krasner a déclaré : « C’était comme une bombe qui explosait… rien d’autre ne m’avait jamais frappé aussi fort, jusqu’à ce que je voie le travail de Pollock ».

En 1935, en pleine Dépression, Krasner à décroché un emploi de peintre de fresques murales pour la Works Progress Administration (WPA) créé par Roosevelt dans l’objectif de créer de postes de travail dans les chantiers publics. Cette même année est fondée, sous les auspices de la WPA, le Federal Art Project qui offre un soutient aux artistes en finançant des projets exaltant l’esprit américain. Tout au long des années 30, Krasner collabore à certains de ces projets.

Étudier sous la direction de Hoffmann

En 1937, Krasner obtient une bourse pour étudier à la Hans Hofmann School de New York. Artiste allemand ayant vécu et travaillé à Paris, Hofmann a connu Picasso et Matisse, qui sont des « dieux » pour Krasner. Grâce aux théories modernistes d’Hoffmann, ses peintures et dessins autrefois naturalistes ont adopté une approche cubiste et ont atteint un nouveau niveau de sophistication. Son implication dans la scène artistique new-yorkaise s’est étendue à des causes politiques. À cette fin, Krasner a rejoint les American Abstract Artists, ce qui lui a donné davantage d’occasions d’exposer ses œuvres en tant que jeune peintre moderniste en plein essor. L’association de Krasner avec l’atelier de Hoffmann dura jusqu’en 1940. De cette époque datent les premières incursions de Krasner dans l’abstraction.

À bien des égards, elle était au centre du monde artistique new-yorkais en plein essor. Comme l’a fait remarquer un marchand, Krasner « en savait plus sur la peinture que quiconque aux États-Unis, à l’exception de John Graham ».

C’est Graham qui a réuni Krasner et Jackson Pollock. En 1942, tous deux ont été inclus dans une grande exposition intitulée French and American Paintings dans un magasin de meubles anciens du centre de New York. Parmi les participants à cette exposition, le seul que Krasner ne connait pas est Jackson Pollock, qu’elle visitera dans son atelier. Ce fut le début d’une relation tumultueuse qui allait être une présence centrale et parfois éclipsant dans sa propre carrière. Krasner avait présenté Pollock à de nombreux artistes et galeristes, dont Willem de Kooning, Hans Hoffman et Sidney Janis, et surtout au critique d’art Clement Greenberg, qui deviendra un grand défenseur de l’œuvre de Pollock.

Les Little Images

En 1945, Krasner et Pollock se marient et déménagent à Springs, East Hampton, à l’extrémité est de Long Island, pour s’éloigner de la scène urbaine dans une ferme achetée grâce au soutien financier qu’accorde Peggy Guggenheim à Jackson Pollock. Cette approche de la nature fait surgir une nouvelle iconographie et Krasner commence sa série révolutionnaire Little Images. Le nom de ces œuvres dérive vraisemblablement de l’idée que chaque tableau semble être composé d’innombrables petites images représentant un vocabulaire abstrait sans signification précise. Le nom aurait également pu dériver du changement qu’elle a vécu dans son environnement à peu près au moment où cette série a commencé. Pollock avait repris la ferme pour ses œuvres à grande échelle tandis que Krasner a adopté un studio à l’étage, un lieu plus intime, et adapte son travail à cet espace.

Krasner imaginait les compositions de ses Little Images comme des hiéroglyphes illisibles, avec de denses couches de peinture parfois appliquée directement à partir du tube.

Découpage et collage

Un changement important de style pour Lee Krasner est survenu au début des années 1950, lorsque, selon la légende, elle éprouvait de la frustration par la qualité de plusieurs de ses œuvres et a commencé à déchiqueter ses toiles. Au début de ses études avec Hans Hofmann, Krasner était devenue une fervente admiratrice de Matisse et avait expérimenté la technique du collage. Inspirée donc par Matisse et ses découpages, elle a commencé à utiliser ses peintures déchiquetées comme matières premières pour un ensemble de collages puissants et émotifs, transformant les lambeaux de ses échecs en une nouvelle direction radicale de son œuvre. Il s’agit de grands formats comme City Verticals, 1953, Shattered Light, 1954, Bird Talk, 1955, Bald Eagle, 1955, qui seront exposés en septembre 1955 à la Stable Gallery d’Eleanor Ward.

Prophecy

En 1956, alors que Krasner est en Europe, Pollock meurt dans un accident de voiture. Avant de quitter l’Europe, elle avait commencé à travailler sur un tableau qu’elle appellerait par la suite Prophétie (1956). Il s’agit d’une figure monstrueuse et charnue avec un œil et des jambes d’animal, avec une référence claire à Picasso (Les Demoiselles d’Avignon) et à Willem de Kooning (Femme I). Quelques semaines plus tard, Krasner reprend les pinceaux et crée trois œuvres qui poursuivent la série entreprise avec Prophecy : Birth, Embrace et Three in Two. Sa reprise après la mort de Pollock marquerait une nouvelle troisième phase triomphante pour Krasner, au cours de laquelle elle réalise ce que la critique considère comme l’œuvre la plus puissante de sa carrière.

Voyages Nocturnes

En 1957, Krasner emménage dans l’atelier de la ferme que Pollock avait utilisé sur leur propriété rurale à The Springs, et l’ampleur et l’énergie de ses peintures s’élargit. À l’époque, elle traversait une période d’insomnie et a commencé à peindre au milieu de la nuit. Krasner est passée d’une palette de couleurs saturées et intenses à principalement du noir et du blanc avec quelques tons de terre. Elle a rationalisé le changement chromatique comme le reflet d’une exigence : « … je me suis rendu compte que si j’allais travailler la nuit, il faudrait que je supprime complètement la couleur, car je n’utiliserai pas la couleur sauf en plein jour. » Mais elle a également reconnu la motivation émotionnelle d’un « état dépressif ». Le poète et ami, Richard Howard a baptisé ces œuvres Voyages Nocturnes en raison de son insomnie à la suite de la mort de Pollock et de sa mère. Certains titres, étaient « ennuyeusement réalistes […]. « J’étais en conflit avec Greenberg, ma mère venait de mourir […]. C’était une époque très dure ». L’œuvre Night Creatures de1963, peut-être associé à cette série réalisée par Krasner entre 1959 et 1963. Sombre et obsédante, cette peinture se compose d’un tourbillon encombré de coups de pinceau gestuels dans lesquels chaque centimètre de la surface est pleinement activé dans un motif rythmique. Il s’agit d’une œuvre abstraite, mais les formes courbes et linéaires semblent néanmoins se fondre dans un réseau d’images vaguement suggestives. Des yeux et des têtes menaçantes (désincarnées) émergent de l’écrasement du pinceau principalement en noir et blanc.

Série primaire

Au début des années 1960, Krasner réintroduit la couleur dans son travail avec une confiance et une liberté qui évoquent son héros Matisse. La nature tactile de sa Série primaire, qui comprend un certain nombre des œuvres les plus connues de Krasner, résulte de la rupture de son bras droit et de son apprentissage à travailler avec sa main gauche, en appliquant la peinture directement du tube sur la toile en utilisant le bout des doigts de sa main droite pour guider les lignes. Dans des œuvres à grande échelle comme Another Storm (1963), Icarus (1964) et Combat (1965) l’approche fluide et spontanée de Krasner (elle n’a jamais réalisé de croquis préparatoires) est parfaitement conservée. Krasner n’a jamais cessé d’innover ou de pousser chaque fois plus loin les limites de son travail. Comme elle l’a fait remarquer une fois, « j’ai peint avant Pollock, pendant Pollock, après Pollock ».

Bien qu’elle ait peint de manière abstraite, Krasner a rejeté l’idée que sa peinture était dépourvue de contenu – elle « ne rêverait pas de créer une peinture à partir d’une idée entièrement abstraite », a-t-elle déclaré. Dans des œuvres comme Gaea, d’après la déesse grecque de la Terre, l’artiste prétendait « s’inspirer de sources élémentaires ». Elle montre la déesse en train de se déplacer vers de larges étendues de couleur et de rythme.

Lignes Dures

Au début des années 1970, l’œuvre de Krasner a brusquement pris une nouvelle direction. Elle a commencé à peindre des compostions abstraites aux aspects plus durs qui semblaient presque géométriques dans leur langage visuel. Sa palette de couleurs est également devenue plus pure, ce qui donne des peintures lumineuses, directes et optimistes. D’autres tendances esthétiques que ses contemporains poursuivaient à l’époque ont peut-être inspirée la nouvelle direction prise pour Krasner. La peinture Color Field avait gagné le soutien de nombreux expressionnistes abstraits, et le minimalisme dominait activement la scène artistique en réaction contre l’émotion et le drame de la génération précédente. Mais même s’il y a des éléments de ces deux styles dans les œuvres hard edge que Krasner a peintes dans les années 1970, l’expression de ses sentiments est tout à fait unique.

Sa série de collages comme Impératif intègre des fragments de dessins cubistes qui datent de l’époque où, dans les années trente, elle étudiait avec Hans Hofmann. Krasner a conservé pendant plus de quarante ans ces dessins inspirés de Picasso et, pour finir, dans les années soixante-dix, leur a donné aux ciseaux des formes inspirées des dernières « gouaches découpées » de Matisse. La gestuelle picturale est au repos. L’action c’est pétrifiée pour engendrer des formes qui, tout en continuant d’être nourries par le rythme intérieur de Krasner, ont revêtu un aspect stable et monumental. La volonté, chez Krasner, de replonger dans un passé personnel illustre une tendance de la meilleure peinture américaine des années 70 pour qui, finalement, l’histoire ne constitue plus une menace, mais une source où l’art peut à la fois puiser et se renouveler.

En 1983, le jour de son 75e anniversaire, l’œuvre de Lee Krasner est mise à l’honneur avec une première rétrospective au Museum of Fine Arts de Houston. Krasner était trop malade pour hi assister, mais en tant que native de Brooklyn, elle attendait avec impatience le jour où l’exposition se rendrait dans sa ville natale. Elle mourut cependant en juin 1984, six mois seulement avant l’ouverture de sa rétrospective au MoMA de New York.

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Bibliographie

Collectif. Lee Krasner: Paintings, Drawings and Collages. Catalogue exp. Londres, Whitechapel Gallery, 1965
Levin, Gail. Lee Krasner. A biography. Thames & Hudson, 2019
Landau, Ellen. Lee Krasner : A Catalogue Raisonne. Harry N. Abrams, Inc. 1995
Sandler, Irving. Women of Abstract Expressionism. Yale University Press, 2016
Hunter, Sam. Peintres Américains. F. Gonthier, 1981