De Kooning et la peinture gestuelle.

Les tableaux de Willem de Kooning, l’un des peintres expressionnistes abstraits les plus éminents et les plus célèbres, sont typiques du style vigoureux et gestuel du mouvement. Peut-être plus que n’importe lequel de ses contemporains, il a développé un style de peinture radicalement abstrait qui fusionne le cubisme, le surréalisme et l’expressionnisme. Alors que nombre de ses collègues sont passés de la figuration à l’abstraction, de Willem de Kooning a toujours peint simultanément des figures, en particulier des femmes, et des abstractions, sans faire de distinction entre les catégories historiques de l’art. Le véritable sujet de De Kooning, insistait-il, était l’espace et la relation entre la figure et le sol. De Kooning a fusionné l’abstraction, la figuration et les paysages de diverses manières tout au long des longues décennies de sa carrière, et son voyage incessant à la recherche de nouvelles formes et de nouveaux sujets a rendu sa production globale plus éclectique que celle de la plupart de ses collègues. Son engagement dans la culture populaire était également unique et a influencé un grand nombre d’artistes de l’après-guerre, du néo-dadaïsme de Robert Rauschenberg au pop art de James Rosenquist, et des peintres plus jeunes comme Cecily Brown ont exploré l’érotisme gestuel de ses dernières peintures.

Contrairement à la plupart de ses collègues, de Willem de Kooning n’a jamais complètement abandonné la représentation de la figure humaine. Ses peintures de femmes présentent un mélange unique d’abstraction gestuelle et de figuration. Fortement influencé par le cubisme de Picasso, de Kooning est passé maître dans l’art de mélanger de manière ambiguë la figure et le sol dans ses tableaux, tout en démembrant, rassemblant et déformant ses figures au cours du processus. Bien qu’il soit connu pour retravailler continuellement ses toiles, de Kooning les laisse souvent avec un sentiment d’inachèvement, comme si les formes étaient encore en train de se déplacer, de se fixer et de se définir. En ce sens, ses peintures illustrent la définition de l’Action Painting donnée par Harold Rosenberg : “ la peinture est un événement, une rencontre entre l’artiste et les matériaux, plutôt qu’une œuvre achevée au sens traditionnel du terme “.

Bien qu’il en soit venu à incarner l’image populaire de l’artiste misogyne et buveur, de Kooning abordait son art avec une réflexion approfondie et était considéré comme l’un des artistes les plus compétents de l’école de New York (ce nom est apparu dans les années 50 pour qualifier les artistes expressionnistes abstraits). Il possédait une grande facilité, ayant reçu une formation formelle dans sa jeunesse, et s’il se tournait vers les maîtres modernes tels que Picasso, Matisse et Miró, il admirait également des artistes comme Ingres, Rubens et Rembrandt.

De Kooning : De Rotterdam à New York

Willem de Kooning est né à Rotterdam, aux Pays-Bas, en 1904, et ses parents ont divorcé lorsqu’il avait trois ans. Sa mère, Cornelia Nobel, tient un bar et élève seule son fils. Willem trouve très tôt sa vocation artistique et quitte l’école à l’âge de douze ans pour faire un apprentissage dans une entreprise de design et de décoration commerciale. Il étudie ensuite à l’Académie des beaux-arts et des techniques de Rotterdam. Pendant cette période, de Kooning s’intéresse au Jugendstil, la variante allemande de l’Art nouveau, dont les formes organiques ont joué un rôle important dans la formation de son premier style. Cependant, il s’éprend rapidement du mouvement néerlandais De Stijl, qui met l’accent sur la pureté des couleurs et des formes. Après avoir vécu un an en Belgique en 1924, de Kooning retourne à Rotterdam avant de se rendre clandestinement aux États-Unis, où il arrive en Virginie en août 1926. Il se rend à Boston sur un bateau de charbon, puis travaille comme peintre en bâtiment à Hoboken, dans le New Jersey, avant de s’installer à Manhattan où il y trouve des emplois dans l’art commercial, conçoit des vitrines et produit des publicités de mode, un travail qui l’accapare pendant plusieurs années. Willem de Kooning n’est toujours pas en mesure de se consacrer à l’art qu’il aime, mais il trouve la communauté d’artistes de New York trop précieuse pour la quitter ; lorsqu’on lui propose un emploi salarié à Philadelphie, il fait remarquer qu’il préfère être pauvre à New York que riche à Philadelphie.

Plusieurs artistes se sont révélés importants pour son développement au cours de ces premières années. Il apprécie l’exemple du modernisme urbain de Stuart Davis ainsi que les idées de John Graham, mais c’est Arshile Gorky qui a exercé la plus grande influence stylistique sur de Kooning. Il se souvient : « J’ai rencontré beaucoup d’artistes, mais j’ai rencontré Gorky ». Gorky avait passé des années à travailler sur le cubisme de Picasso, puis sur le surréalisme de Miró, avant de parvenir à son propre style, et dans les années qui suivirent, de Kooning suivit un chemin similaire, hantant les salles du Metropolitan Museum et du Museum of Modern Art de New York. Il est impressionné par deux grandes expositions qu’il voit au MoMA en 1936, Cubism and Abstract Art et Fantastic Art: Dada, and Surrealism, et il a été fortement influencé par une rétrospective de Picasso organisée dans le même musée en 1939.

De 1935 à 1937, Willem de Kooning travaille sur des projets pour la division des peintures murales de la Works Progress Administration et, pour la première fois, à l’instar de nombreux artistes américains, il peut se consacrer entièrement aux beaux-arts plutôt qu’à la peinture commerciale. Son réseau d’amis s’élargit au photographe Rudy Burckhardt, au critique de danse Edwin Denby et au critique d’art Harold Rosenberg, qui devient l’un des plus ardents défenseurs de De Kooning. En 1936, il fait partie de l’exposition New Horizons in American Art au MoMA. Pendant cette période, les hommes sont souvent les sujets de ses tableaux, et bien que les figures sont posées de manière traditionnelle, dans des tableaux comme The Glazier (c.1940) les corps sont radicalement déformés et les plans aplatis. De Kooning a souvent du mal avec certains détails de ses portraits – les cheveux, les mains et les épaules en particulier – ce qui l’incite à gratter la peinture et à retravailler certaines parties de ses tableaux, ce qui leur donne l’air d’être inachevés. À cette époque, il peint également des tableaux très abstraits, comme The Wave (vers 1942-44), qui se caractérisent par des formes plates et biomorphiques semblables à celles qui avaient d’abord attiré le jeune artiste vers le Jugendstil.

En 1938, Willem de Kooning prend Elaine Fried comme étudiante ; elle devient sa femme en 1943 et, avec le temps, elle deviendra une critique éminente et une expressionniste abstraite à part entière. Elaine a posé souvent pour de Kooning. Dans Femme assise (on peut voir une ressemblance avec elle, dans les cheveux auburn) la femme, vêtue d’une robe jaune décolletée, est assise sur une chaise, une jambe croisée sur l’autre. Un bras repose sur ses genoux tandis que l’autre semble se pencher vers son visage, bien qu’aucune main n’y soit attachée. Comme le souligne le conservateur John Elderfield, toutes les parties de son corps, qui ressemblent davantage à des formes, flottent autour de son corps, sans être vraiment reliées les unes aux autres.

Les influences artistiques de Willem de Kooning sont également visibles dans ce tableau. La forme fracturée de la figure rappelle Picasso, mais avec toutes ses ratures et son état apparemment inachevé, est également évidente l’influence d’Arshile Gorky (c.1926-c.1942). Les carrés évoquent également les murs de l’atelier de l’artiste, avec diverses toiles collées et empilées contre le mur. Faisant suite à une série de peintures d’hommes assis, Seated Woman peut être considérée comme une pièce complémentaire. Il s’agit de la première grande peinture de Kooning représentant une femme, un sujet auquel il reviendra continuellement au cours des décennies suivantes.

De Kooning : Période de maturité

Au milieu des années 1940, Willem de Kooning commence une série d’abstractions en noir et blanc, apparemment parce qu’il n’a pas les moyens d’acheter des pigments coûteux et qu’il doit se tourner vers des émaux ménagers moins chers. Avec leur palette de couleurs réduite et l’aplatissement radical de l’espace pictural, ces abstractions, exposées à la Charles Egan Gallery en 1948, annoncent la montée de l’expressionnisme abstrait et contribuent à asseoir sa réputation. Dans Pink Angels c. 1945, des formes biomorphiques roses et corail flottent au-dessus d’un fond jaune moutarde et or et s’y fondent. Le tableau marque une étape importante dans l’évolution de de Kooning de la figuration vers l’abstraction à la fin des années 1940. Les formes roses et charnues évoquent des yeux et d’autres formes anatomiques qui ont été déchirées ou qui sont en train de s’entrechoquer. Le massacre de la Seconde Guerre mondiale n’était certainement pas loin de son esprit, mais le conservateur John Elderfield a également souligné les liens avec le Guernica de Picasso, ainsi qu’avec Miró, Matisse et Pieter Bruegel l’Ancien. Il est important de noter que de Kooning n’a pas dissimulé le processus de création du tableau. Tout au long de la composition, des lignes de fusain délimitent les formes roses et entrecoupent les zones dorées. On peut voir un œil, peut-être une partie d’une tête de poisson, dans le coin inférieur gauche, ainsi qu’un cercle et un rectangle en bas au centre, à côté d’une forme ressemblant à un crabe. De Kooning dessinait souvent des formes sur du papier avant de les tracer sur la toile.

Willem de Kooning a déjà quarante-quatre ans lorsqu’il présente sa première exposition personnelle à la Charlie Egan Gallery de New York au printemps 1948. La plupart des tableaux de l’exposition ressemblent à Untitled – des compositions peintes en noir et blanc, avec des formes vaguement reconnaissables et des jeux complexes de figure et de sol. L’exposition est peu remarquée par la presse, mais elle impressionne les artistes du centre-ville, qu’ils soient anciens ou nouveaux. Avec la réduction de la palette de couleurs au noir et au blanc, les jeux de surface et de profondeur de De Kooning sont amplifiés et instables, créant une composition dynamique qui menace de se briser. Les lignes blanches tracées par de Kooning ont également quelque chose de calligraphique, et l’on se souvient qu’il a été peintre d’enseignes à une certaine époque. En ce temps-là, les expressionnistes abstraits s’intéressaient beaucoup aux symboles et aux idéogrammes et à la manière dont les peintures pouvaient communiquer une émotion ou une expérience humaine.

Alors qu’il revient à la figuration à la fin des années 1940, De Kooning se lance en même temps dans une autre abstraction : Excavation (1950) c’est la plus grande peinture que De Kooning ait jamais réalisée. La majeure partie de la surface est couverte de formes blanc sale, crème et jaunâtres soulignées de lignes noires et grises. Tout au long de la toile, on peut voir des passages de cramoisi, de bleu, de magenta, d’or et d’aqua. Il en résulte une composition globale sans point d’entrée, qui attire le regard du spectateur sur l’ensemble de la toile. Aucune section ne ressort comme étant plus importante ou moins intéressante qu’une autre.

Willem de Kooning : La série des Women

Willem de Kooning est probablement plus connu pour la série des Women, de nombreuses œuvres traitant de corps féminin. Il y a travaillé pendant près de trente ans, à partir du début des années 1940 (Seated Woman), mais elles ont été exposées pour la première fois en 1953 à la Sidney Janis Gallery. Au centre de cette exposition se trouve Woman I, un tableau que De Kooning a commencé en 1950 et achevé au cours de l’été 1952. Le processus de création du tableau a été rendu célèbre non seulement par une série de photographies prises par Rudy Burckhardt, mais aussi par l’article de Thomas B. Hess intitulé « De Kooning Paints a Picture », dans lequel il décrit le processus de création du tableau comme un voyage qui a comporté des centaines de révisions, plusieurs abandons et recommencements, et qui ne s’est achevé que quelques minutes avant que l’œuvre ne soit transportée à la galerie. Les tableaux de De Kooning étaient également controversés en raison de la déformation expressive des personnages et lui ont valu la réputation de misogyne. La critique Emily Genauer a écrit dans Newsday en 1969 : « De Kooning écorche les femmes, les bat, les étire sur des supports, les dessine et les coupe en quatre…. Ce n’est pas le mépris dans les œuvres de De Kooning qui me dérange en soi. C’est l’absence d’intégralité et de diversité d’un grand talent qui semble s’être enchaîné à un totem aux yeux de lynx ».

Si beaucoup voient quelque chose de sinistre dans les intentions de Willem de Kooning, les tableaux étaient en partie inspirés par les femmes à la mode de l’époque et les images dans les magazines populaires. De Kooning a expliqué dans un entretien : « D’une certaine manière, j’ai le sentiment que les femmes des années 50 ont été un échec. Je vois l’horreur en elles aujourd’hui, mais je ne le pensais pas à l’époque. Je voulais qu’elles soient drôles et qu’elles n’aient pas l’air aussi tristes et abattues que les femmes des tableaux des années 30, alors je les ai rendues satiriques et monstrueuses, comme des sibylles ». D’autres ont défendu la série comme des archétypes inspirés par des anciennes idoles comme dans Woman III (1951-53), où la surface de la toile est couverte d’épaisses bandes de gestes énergiques, verticaux et horizontaux, aux teintes crémeuses et argentées. De cette surface frénétique émerge la figure d’une femme aux yeux grands ouverts et à la poitrine généreuse. Le léger amincissement de la figure vers les genoux et les chevilles rappelle les figurines préhistoriques et les idoles cycladiques, soulignant l’importance de la forme féminine dans l’art à laquelle De Kooning faisait souvent allusion.

Le thème des femmes est un sujet sur lequel De Kooning revient régulièrement. Certains ont cité ses relations difficiles avec sa femme, son éloignement de sa mère. Certains sont allés jusqu’à dire que De Kooning devait détester les femmes parce que dans Woman III, il a utilisé des traces de peinture rouge pour représenter trois impacts de balle sur sa poitrine, mais de Kooning a répondu à l’accusation en disant : « Je pensais que c’était des rubis ». Sa femme, Elaine de Kooning clarifie la situation en expliquant : « Les impacts de balles, sachez-le, sont des rubis très chics qui collent à la peau sans l’aide d’épingles ou de chaînes – un dispositif que De Kooning a vu dans Harper’s Bazaar et qu’il n’a jamais oublié ».

Si les critiques ont pu projeter leurs propres angoisses et tendances misogynes sur les tableaux, ils n’ont pas vu comment De Kooning s’engageait dans la culture populaire et de consommation et l’intégrait dans ses peintures. Il parlait souvent de ses Women comme étant drôles et plus grandes que nature, faisant la satire des grands magasins et des dames à la mode qui défilaient sur Madison Avenue. S’il s’est tourné vers les idoles antiques et les odalisques classiques, de Kooning était tout aussi intrigué par les pin-up et les stars de cinéma. Il fut l’un des seuls expressionnistes abstraits à s’intéresser à ce type de sujet, et c’est pour cette raison qu’il est devenu la pierre de touche pour des artistes plus jeunes comme Robert Rauschenberg, Larry Rivers, Grace Hartigan et, plus tard, les artistes pop.

De Kooning : Dernières années

À la fin des années 1950, Willem de Kooning commence à passer de plus en plus de temps à East Hampton, un endroit bien plus rural et tranquille que les rues animées de New York. Il commence à s’intéresser à un nouveau type de paysage. Il commence la série Abstract Parkway Landscapes (1957-61), basés sur le paysage vu d’une voiture en mouvement, et Abstract Pastoral Landscapes (1960-66), explorent son nouvel environnement dans un cadre plus rural, près de l’eau. Sa vie personnelle se stabilise et en 1962, il devient enfin citoyen américain, après avoir vécu aux États-Unis pendant trente-cinq ans. En 1963, il s’installe définitivement à East Hampton, alors qu’il achève la construction de son grand studio.

Dans Rosy-Fingered Dawn at Louse Point, 1963, on retrouve la quintessence des traits audacieux qui ont fait la réputation de De Kooning, mais la palette de couleurs et l’agencement semblent différents de ce qui s’était fait auparavant. Le conservateur John Elderfield qualifie cette nouvelle palette de « teintes rococo de rose, de jaune et de bleu » et l’associe à son récent voyage en Italie. La nature vive et pastel de ces couleurs évoque un paysage plus lumineux et les reflets de l’eau. Louse Point était une portion de plage située non loin de l’endroit où de Kooning construisait son nouveau studio, et Rosy-fingered dawn est une référence à l’épopée d’Homère, l’Odyssée. Cette référence attire également l’attention sur les formes roses, qui rappellent également les diverses incursions de De Kooning dans le domaine des figures féminines. Bien qu’aucune forme ne rappelle la figure ou le paysage, on pense à la citation de de Kooning : « Le paysage est dans la femme et il y a la femme dans le paysage ».

Les intérêts de De Kooning s’éloignent de la ville, mais ne deviennent pas nécessairement moins radicaux. Il s’est toujours tourné vers les maîtres anciens plus que la plupart de ses pairs, et même ses séries de femmes ont conservé des racines dans le portrait traditionnel. Ses paysages peuvent suggérer la tradition, mais ils sont également très abstraits et ne font parfois référence à leur source d’inspiration que dans le titre. Ils se caractérisent par des gestes simples et audacieux, semblables à ceux de Franz Kline, dont De Kooning était très proche. Bien qu’elles aient été moins connus que la série des femmes, elles ont eu une grande influence, notamment sur l’œuvre Ocean Park séries du peintre californien Richard Diebenkorn.

À Long Island, Willem de Kooning continue à peindre mais il explore aussi de nouvelles voies. En 1969, lors d’un voyage à Rome, De Kooning s’adonne pour la première fois à la sculpture et, tout au long des années 1970, il crée des œuvres dont le modelage d’argile grumeleuse est repris dans leur forme de bronze coulé. En 1968, l’artiste retourne en Hollande pour la première fois en quarante-deux ans pour sa propre rétrospective au Stedelijk d’Amsterdam, également présentée à Londres, New York et Chicago. Tout au long des années 1980, De Kooning crée de grandes œuvres abstraites dans des tons vifs, avec des gestes plus simples et plus retenus que ceux qui avaient caractérisé son style antérieur. Son travail continue d’être très apprécié et semble être l’œuvre d’un artiste encore en pleine possession de ses moyens. À la fin de la décennie, la mémoire de De Kooning commence à être gravement altérée et il semble souffrir d’une démence semblable à celle de la maladie d’Alzheimer. Après la mort d’Elaine de Kooning en 1989, Willem est placé sous la tutelle de sa fille, Lisa, jusqu’à sa mort en 1997, à l’âge de 92 ans.

L’héritage de Willem de Kooning

Alors que Jackson Pollock est considéré comme l’expressionniste abstrait le plus important et le plus influent et qu’il a influencé des artistes comme Allan Kaprow, de nombreux jeunes peintres de l’époque ont constaté que s’approprier le processus de peinture de Pollock tendait à produire des tableaux qui ressemblaient à ceux de Pollock. L’utilisation de la couleur et l’application gestuelle de la peinture par De Kooning, ainsi que son désintérêt pour les divisions entre abstraction et figuration, ont toutefois inspiré d’innombrables peintres et ont conduit le critique Clement Greenberg à ce qu’il a appelé la « Tenth Street touch » (touche de la Dixième rue) que De Kooning a engendrée. Avec l’exemple de De Kooning, des artistes tels que Larry Rivers et Grace Hartigan ont donné de nouvelles directions à la peinture figurative, et des artistes comme Al Held et Jack Whitten ont continué à expérimenter librement l’abstraction. Même les artistes qui ont tenté de se distancer de la rhétorique existentielle entourant De Kooning, y compris Robert Rauschenberg et Jasper Johns, ont trouvé des leçons dans l’œuvre de De Kooning.

Bibiliographie

Catherine Morris. Willem de Kooning. Editions de la Martinière, 2000
Judith Zilczer. Une façon de vivre : L’art de Willem de Kooning, Phaidon, 2024
Rosalind Krauss. Willem de Kooning Nonstop. The University Of Chicago Press, 2016
Corinna Thierolf. Willem de Kooning. Hirmer Verlag, 2018