David Park et le Bay Area Figurative Movement

En 1949, David Park choque le monde de l’art de San Francisco en opérant une rupture stylistique spectaculaire. Ne se contentant plus de peindre des compositions de couleurs et de formes abstraites, Park se focalise sur la figure humaine dans son environnement quotidien. Chef de file de ce que l’on appellera le Bay Area Figurative Movement (Mouvement Figuratif de la Baie de San Francisco) Park, avec ses amis Elmer Bischoff et Richard Diebenkorn, peint des paysages et scènes de la culture locale, offrant ainsi une alternative aux expressionnistes abstraits, alors en plein essor. Après avoir adopté son nouveau sujet, Park continue à utiliser des couleurs intenses, des perspectives inhabituelles et un certain degré d’abstraction pour créer des tableaux empreints de profondeur psychologique et de mystère. Inspiré par la musique jazz et ami des poètes de la Beat Generation, Park influencera par la suite un grand nombre de peintres figuratifs en Californie, y compris l’artiste pop David Hockney.

Afin de réintroduire l’élément humain dans la peinture, David Park s’est tourné vers la figuration. Il n’a jamais été un peintre photoréaliste insistant sur la stricte fidélité, mais il a adopté les leçons de l’abstraction pour créer des scènes moroses et atmosphériques de la vie californienne qui répondaient à la réalité locale et s’inscrivaient également dans la tradition de l’abstraction urbaine européenne, du post impressionnisme de la fin du XIXe siècle à Paris aux toiles expressionnistes du début du XXe siècle en Allemagne et dans le nord de l’Europe. Musicien de jazz lui-même, de nombreux sujets de Park sont de nature musicale, mais même dans ses œuvres les plus abstraites, on sent que les rythmes et les tonalités musicales ne sont jamais loin de son esprit.

Contrairement aux scènes urbaines des peintres new-yorkais, Park a peint la « belle vie » californienne avec ses collines ondulantes et ses plages ensoleillées. Dans Rowboat, une de ses dernières peintures, les rameurs de Park sont assis dans une brume tourbillonnante de bruns terreux, de verts frais, de jaunes ensoleillés et de bleus flamboyants. Nancy Boas, biographe de Park, affirme que ses dernières peintures s’efforçaient « d’intégrer les gens, la nature et la peinture ». Au cours des années 1950, les figures de Park deviennent de plus en plus douces et floues, se transformant en figures brumeuses, presque oniriques. Malgré cette tendance à l’abstraction, il s’agit toujours de personnes ordinaires effectuant des tâches quotidiennes. L’utilisation de plus en plus dynamique et floue qu’il fait de la peinture renforce l’émotion des personnages qu’il dépeint.

Avec un minimum de moyens, Park a créé des peintures d’une grande profondeur psychologique. Non seulement les individus semblent avoir une vie intérieure, mais leurs distances et leurs liens avec les autres et leur environnement deviennent également évidents. Les œuvres figuratives de David Park ont été exposées pour la première fois dans le San Francisco Art Association Annual de 1953.

Premières années et formation

Comme beaucoup d’artistes de la côte ouest américaine du milieu du XXe siècle, David Park vient en fait du monde très différent de l’Est industrieux. David Park est né en 1911 à Boston, dans le Massachusetts, de Mary Turner et de Charles Edward Park, un pasteur unitarien très respecté. Le jeune David trouve l’école ennuyeuse et contraignante et n’obtient que de très mauvais résultats. Il s’isolait dans ses activités préférées, la peinture, le dessin, le piano, la création de spectacles de marionnettes et l’exploration des ruelles de Boston. Au cours de son enfance, David avait régulièrement rendu visite à sa tante Édith Truesdell dans le New Hampshire, avant qu’elle ne déménage en Californie, et les deux se sont rapprochés. Truesdell, artiste et professeur d’art, encourage la créativité de David. À l’âge de dix-sept ans, Édith l’emmène en Californie, où il s’inscrit à l’Otis Art Institute pendant un an. C’est là qu’il commence sa formation d’artiste. Park déménage ensuite à Berkeley, attiré par le nombre croissant d’artistes qui s’y rassemblent. Il partage son espace de vie avec un autre jeune artiste, Gordon Newell, qui lui présente sa sœur Lydia. Ils tombent rapidement amoureux ; à dix-neuf ans, ils se marient et à vingt-deux ans, ils ont deux filles, Natalia et Helen. Lydia deviendra la compagne de Park tout au long de sa vie et jouera un rôle déterminant dans son succès.

Bien qu’il ne reçoive plus d’éducation artistique formelle à cet âge, Park vit à la fin de l’adolescence et au début de la vingtaine plusieurs expériences enrichissantes sur le plan artistique qui le façonneront pour les années à venir. Malgré la Grande Dépression, la communauté artistique de Berkeley est florissante. En 1930, Henri Matisse visite la région de la baie et le jeune David Park se retrouve à un déjeuner auquel assiste l’artiste français, qui dit aux Californiens : « Parlez moins, travaillez plus ». Cette philosophie a joué un rôle déterminant dans l’approche de l’art de Park. Il est également fasciné par la visite du muraliste mexicain Diego Rivera et de Frida Kahlo en Californie du Nord en 1931 ; leur utilisation de la couleur et leur appréciation joyeuse de la nature deviennent des sources d’inspiration pour Park. Au cours de cette période, David réalise quelques peintures murales dans la région de la baie de San Francisco et enseigne l’art dans des écoles. Au début des années 1930, il organise quelques expositions personnelles, sans grand succès. Sa peinture est influencée par Picasso et les expressionnistes abstraits de l’époque, et elle est moyennement appréciée dans de petits cercles. Il quitte même brièvement la côte ouest pour retourner à Boston afin d’y enseigner, mais cette expérience est de courte durée. Avec la Grande Dépression, puis le début de la Seconde Guerre mondiale, Park a du mal à trouver du travail. Pendant de nombreuses années, il travaille de nuit à la General Cable Company, où il se blesse gravement au dos.

En 1943, Park obtient un poste d’enseignant à la California School of Fine Art. Pour compléter son salaire, il continue à travailler à la General Cable Company au début des années 1940, mais consacre son énergie et son enthousiasme à l’école d’art. Plus il enseigne, plus il est réintégré dans la communauté artistique. À cette époque précise, la California School of Fine Art est un foyer de nouveaux talents artistiques, aussi bien parmi les étudiants que parmi les enseignants. Park devient l’ami et collègue d’autres artistes californiens influents, dont Elmer Bischoff, Hassel Smith et Richard Diebenkorn. De nombreux professeurs partagent son amour pour l’abstraction et Park devient un membre important de ce cercle. Il joue même dans un groupe de jazz avec d’autres membres de la faculté – le Studio 13 Jazz Band – mais Park devient de plus en plus insatisfait de l’abstraction. Son ami Bischoff se souvient que Park « appréciait l’expressionnisme abstrait tant qu’il y avait de l’immédiateté, de la tangibilité et de la sensualité dans l’agencement des formes, mais lorsqu’il s’agissait de « vues du cosmos » très sérieuses, il n’était pas d’accord ». Á cette époque profondément inspiré par Picasso, Park utilise un mélange de formes biomorphiques et géométriques pour construire une composition verticale de formes et de couleurs. Comme beaucoup d’expressionnistes abstraits, il utilise des touches de peinture épaisses et expressives, qu’il laisse couler sur la toile.

David Park : Retour à la figuration

En 1949, David et Lydia rassemblent la plupart de ses œuvres abstraites et les mettent à la décharge. Park ne veut plus travailler dans ce style ; il recherche la chaleur, la vivacité et la spontanéité qui, selon lui, doivent être explorées à travers la figure. Park voulait faire une peinture qui soit « une extension de la vie humaine », qui montre la nature humaine de la Californie. En se concentrant sur la nature plutôt que sur l’abstraction, Park estime que c’est la peinture, et non l’artiste, qui devient le centre d’intérêt. Park commence immédiatement à retravailler sur des œuvres figuratives, dont Rehearsal, exposée en 1950 lors de l’Artist Members Exhibition de la San Francisco Art Association au M. H. de Young Memorial Museum, à la surprise et à la consternation de ses amis, de ses collègues et des critiques. Le tableau représente la scène d’une répétition d’un groupe de jazz. Les personnages ressemblent aux membres du groupe de Park à l’époque, le Studio 13 Jazz Band, qui comprenait notamment le peintre Elmer Bischoff. Sans faire de portraits fidèles de ses compagnons d’orchestre, le tableau capture la chaleur et l’énergie de l’ensemble. Peinte avec des couleurs riches et chaudes et des couches de peinture crémeuse, l’œuvre est très personnelle ; elle est peinte d’un point de vue inhabituel : de derrière un piano, ce qui était la position de Park dans le groupe.

Lorsque Park a exposé son tableau Rehearsal, ses collègues artistes ont été pour la plupart peu impressionnés. « Je pensais qu’il s’agissait d’une blague », se souvient l’artiste Frank Lobdell. « L’idée que quelqu’un puisse passer aussi radicalement d’un style à un autre ne me venait pas à l’esprit ». Pourtant, cela ne semble pas affecter la confiance de Park dans son propre travail. En fait, en 1951, Kids on Bikes (1950-51) de Park remporte le concours annuel de la San Francisco Art Association. Deux artistes abstraits, James McCray et Glenn Wessels, décernent le prix à Park, Wessels notant que « la dynamique des couleurs du tableau semble équilibrer cette perspective profonde ». Il a également noté que le tableau était « pratiquement le seul tableau non objectif de l’ensemble du concours annuel de la San Francisco Art Association de cette année-là ». Cette reconnaissance officielle galvanise les artistes, et l’attention qu’elle suscite incite de nombreux collègues de Park à envisager plus sérieusement la nouvelle orientation artistique que celui-ci propose. Smith, Bischoff et Deibenkorn suivent l’exemple de Park et les quatre hommes se retrouvent presque tous les jours dans son atelier pour peindre et discuter. Poursuivant l’Action Painting des expressionnistes abstraits sans l’abstraction, ces artistes ont précédé le monde libre et orienté vers le jazz des Beats à venir.

En 1952, David Park était déjà bien engagé dans le courant qui allait être connu sous le nom de Bay Area Figurative Movement (peinture figurative de la région de la baie). Il continue à dépeindre des scènes, des objets et des personnes ordinaires avec chaleur et affection ; à l’écoute du quotidien, Park peint de nouvelles perspectives pour ouvrir les yeux des spectateurs sur des scènes qui pourraient autrement passer inaperçues. Dans le tableau The Bus de 1952, Park a utilisé un couteau à palette au lieu d’un pinceau traditionnel pour appliquer la peinture en couches épaisses et créer le jaune orangé intense qui domine le tableau. Une femme seule se tient près d’un arrêt de bus ou peut-être vient-elle de le quitter. Sa veste couleur kaki est assortie au bus derrière elle, dans la magie des coïncidences quotidiennes. Les lignes verticales entre les fenêtres du bus attirent le regard vers l’arrière-plan, où des personnages sont assis poursuivant leur voyage commun mais ils sont également séparés, chacun étant plongé dans ses propres pensées. Le bus célèbre à la fois une alliance entre l’individualisme et le collectivisme.

Si la côte ouest a été pour Park son foyer spirituel et artistique à bien des égards, son tableau de 1954, Boston Street Scene, montre qu’il est resté attaché à sa ville natale. Mais ici aussi, Park utilise un point de vue inhabituel et sépare les personnages de manière à ce qu’ils ne se fondent jamais tout à fait en un groupe ou une foule. Ce n’est qu’en acceptant la figure humaine dans sa peinture qu’il a pu trouver une esthétique organique. Comme Park l’a lui-même décrit : « En vieillissant, vous vous rendez compte que vous êtes vous-même – que votre travail ne consiste pas à vous imposer un style, mais à faire ce que vous voulez ». En revenant à la figure, la couleur et la forme deviennent plus expressionnistes.

En 1955, Park accepte un poste à l’université de Californie à Berkeley. C’est là que son art figuratif s’épanouit et qu’il s’inspire encore plus de la musique jazz, se mêlant principalement aux professeurs du département de musique et rejoignant un autre groupe de jazz. Ce travail joyeux a été interrompu par les douleurs dorsales de plus en plus invalidantes. Lorsqu’il ne peut plus monter les escaliers pour se rendre à son atelier, certains de ses amis et collègues lui construisent un chevalet pour qu’il puisse travailler dans son salon. En 1959 et 1960, il subit des opérations. Park est frustré et en colère, mais il est résolu à quitter l’hôpital et à continuer à « peindre et à se battre » le plus longtemps possible, entouré de sa famille. Au cours de ses derniers mois, Park a créé certaines de ses œuvres les plus créatives, les plus chaleureuses et les plus joyeuses. Pour la première fois depuis des décennies, il s’éloigne de la peinture à l’huile et commence à travailler à la gouache sur papier. Contrairement à la peinture à l’huile, la gouache doit être exécutée rapidement et appliquée assez finement, car si elle sèche en trop grande quantité, elle risque de se fissurer. Cette rapidité nécessaire a permis à Park de poursuivre son foisonnement d’idées et de projets d’œuvres ; il pouvait réaliser au moins un tableau par jour, malgré ses douleurs extrêmes et sa faible mobilité. Ce nouveau médium a donné naissance à certaines des œuvres les plus simples et les plus intimes de Park. Le tableau Lydia Drinking Coffee réalisé en 1960 représente la femme du peintre, Deedee comme on l’appelait affectueusement. Comme dans beaucoup d’œuvres de Park, le moment où il capture Lydia est simple : elle est assise à la table de la cuisine et boit du café. Elle s’appuie sur un coude, plongée dans ses pensées, le regard tourné vers l’avant, dans son monde intérieur et privé, mais elle est observée et aimée par un œil d’artiste, qui la rend dans des couleurs douces et contemplatives, le moutarde et le rose. C’est dans les moments les plus simples de la vie quotidienne que Park a vu le plus grand amour et la plus grande beauté.

Park a continué à peindre, assis puis allongé, à la gouache et au feutre. Il peint de grandes toiles et des bandes de papier jusqu’à ce qu’il ne puisse plus tenir le pinceau. Il décède en septembre 1960, à l’âge de 49 ans. Il laisse dans le deuil sa femme Lydia, ses deux filles, ainsi que son père et sa tante Édith. Dans son journal, Édith a simplement écrit : « David est mort hier soir, c’est tout ». La fille de David, Helen, dira plus tard de la réponse poignante de sa tante qu’elle « dit quelque chose que quelqu’un d’autre mettrait des pages à exprimer ». Sa simplicité et son humanité étaient des choses que David Park lui-même appréciait par-dessus tout.

Comme l’a dit un critique d’art : « D’une certaine manière, David Park a fait la paix avec l’abstraction, mais il a dû le faire en remettant la présence humaine, dans toute sa belle imperfection, au premier plan ». Park est aujourd’hui considéré comme une figure absolument incontournable de l’évolution rapide de l’art de la côte ouest après la Seconde Guerre mondiale.

David Park et le mouvement Beat (Beat Generation)

Park a fait partie, voire a été à l’origine, d’un mouvement qui a lié l’amour de l’expressionnisme abstrait aux Beats iconoclastes et rebelles, orientés vers le jazz, qui ont suivi. Les peintres de la Bay Area Figurative Movement étaient les ancêtres naturels des poètes et peintres Beat, avec leur mécontentement pour le vieux monde ; ils partageaient même un espace d’exposition vital, la Six Gallery, qui était gérée par la California School of Fine Art. Le poète Allen Ginsberg y a présenté Howl pour la première fois en 1955, dans l’espace même où David Park avait exposé avec les Bay Area Figurative Painters en 1952 (alors appelé King Ubu Gallery). De nombreux Beats comme l’incontournable Jack Kerouac, se sont mêlés aux peintres de la Bay Area et se sont inspirés de leurs idées et de leurs styles, qui trouvent tous leur origine dans le moment décisif du changement opéré par David Park en 1949.

David Park a marié l’abstraction à quelque chose de plus chaud et de plus vivant. Ses peintures sont la création d’un homme passionné, rebelle et aimant sa famille ; elles montrent la vitalité et la joie de vivre, l’amour de la « bonne vie » californienne et la beauté des scènes quotidiennes et des souvenirs. À bien des égards, cette image idéalisée et légèrement naïve de la Californie a influencé des peintres ultérieurs tels que David Hockney, dont les scènes de baigneurs en Californie, aux couleurs vives et platement abstraites, sont étonnamment similaires à celles de Park. Le mouvement de Park est encore très influent sur des artistes contemporains tels que Suhas Bhujbal, qui est profondément ancré dans la figuration.