Un innovateur de l’art abstrait

L’un des artistes les plus importants de l’art américain actuel est Frank Stella. Né en 1936 à Malden (Massachusetts), en 1958, après avoir obtenu un diplôme d’histoire de l’art à l’université de Princeton, il se rend à New York, où il triomphe rapidement en étant inclus l’année suivante dans l’exposition Sixteen Americans, organisée par le MoMA, qui comprend, entre autres, Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Ellsworth Kelly, mais aussi des artistes disparus en cours de route ou tombés dans l’oubli. La célèbre conservatrice Dorothy Miller avait sélectionné pour l’occasion quatre des peintures de la série Black paintings de Stella. Malgré une mauvaise critique du New York Herald Tribune qualifiant ses œuvres d’« indescriptiblement ennuyeuses », le musée a acheté l’œuvre The Marriage of Reason and Squalor (1959), qui a apporté à Stella notoriété et reconnaissance. Sa première exposition personnelle a lieu en 1960 dans l’un des temples du modernisme new-yorkais, la galerie de Leo Castelli, et dix ans plus tard, en 1970, alors qu’il a trente-quatre ans, le MoMA présente la première rétrospective de son œuvre, faisant de lui le plus jeune artiste de l’histoire du musée à recevoir un tel honneur. Il a également fait l’objet d’une seconde rétrospective au MoMA en 1987, un événement sans précédent et unique à ce jour.

Le cycle de création et de vie de Frank Stella est sa précieuse contribution en tant qu’innovateur permanent de l’art abstrait, un mouvement qui, comme lui-même a avoué dans un entretien avec Robert Ayers en mars 2009, « est ce que j’aime et ce que je sens que je devrais faire ; je sens que je coule avec lui ; je m’en sens responsable ». Tout au long de sa carrière, Stella a su se renouveler et esquisser de nouveaux styles innovants, passant du minimal au baroque, des lignes droites à un intérêt pour la dynamique et la figure serpentine du maniérisme. Il a combattu l’expressionnisme abstrait mais, paradoxalement, il n’a jamais quitté l’art abstrait, la passion de la forme, le sens de l’équilibre et la rupture formelle. Ses lignes s’entremêlent comme les coups de pinceau de De Kooning, passant de la simplicité représentée par les œuvres de Franz Kline à la sensualité du Hollandais, mais en travaillant avec des métaux et des aérographes. Ses peintures classiques de la fin des années cinquante sont désormais les emblèmes graphiques d’une époque, au même titre que les portraits de célébrités réalisés par Warhol. En outre, Stella a mélangé la peinture et la sculpture, passant de l’exploration de la relation entre la surface, la ligne et la géométrie plane à explorer les liens entre la couleur, la structure et l’espace, et transformant ses peintures en reliefs et sculptures qui soulignent dans leur interaction le mouvement dynamique des formes.

Ce que vous voyez est ce que vous voyez

Les Black paintings qui ont marqué le début de la carrière de Frank Stella sont des peintures émaillées de lignes verticales et horizontales, comme des diagrammes dans un schéma symétrique prédéterminé, qui annoncent le minimalisme et constituent un contrepoint à l’utilisation excessive de la matière et à la sensualité matérielle des traits et des gestes des expressionnistes. Par leur simplicité et l’utilisation d’une seule couleur, ces œuvres sont un plaidoyer contre l’idéalisme romantique de l’expressionnisme abstrait et un engagement ferme en faveur de la marque nihiliste et minimaliste particulière que Stella a conférée à sa première série de peintures, qui a innové dans le domaine de l’abstraction et exercé une profonde influence sur l’art des années 1960, comme le Hard-edge painting, un style d’abstraction géométrique qui fait également référence à son œuvre. L’objectif de Stella avec ces tableaux était d’« empêcher le spectateur de lire le tableau », c’est-à-dire de ne pas le lire ni de l’interpréter, mais simplement de le regarder comme on regarde un objet, une idée qu’il a exprimée avec sa célèbre phrase What you see is what you see (Ce que vous voyez est ce que vous voyez), une déclaration qui résume le désir de l’artiste de déterminer non pas ce que le tableau peut montrer, mais de découvrir tout ce dont on peut se passer.

Entamer de nouvelles recherches

Le succès fulgurant de Frank Stella est en quelque sorte celui du minimalisme en tant que proposition picturale, mais loin de s’installer dans cet espace de reconnaissance et de confort qu’il avait su cerner, il entame dans les années 1960 de nouvelles recherches qui modifient son style et introduisent d’autres approches dans son œuvre, comme la rupture de la structure de la toile, marquant une voie qui sera suivie plus tard par Elisabeth Murray et Ellen Phelan, et qu’il poursuivra lui-même avec les séries Irregular Polygons et Indian and Exotic Birds dans les années 1970. Dans l’œuvre Shoubeegi, qui appartient à cette dernière série, Stella utilise des formes courbes en aluminium peint qui font saillie vers l’espace du spectateur, augmentant ainsi la nature objectale des œuvres et diminuant leur apparence de tableaux accrochés au mur. Bien que Stella ait utilisé des assemblages et des éléments tridimensionnels, il considérait toujours la série Indian Bird – à l’époque son œuvre la plus sculpturale – comme des peintures ou des reliefs peints. Considérée par certains comme « disco », la palette de couleurs criardes de la série – produite en faisant adhérer des particules de métal ou de verre broyé à une première couche de couleur, qui était ensuite peinte ou teintée – était également nouvelle dans son œuvre. Stella a commencé cette série lors de son séjour à Ahmedabad en 1977, et a nommé les œuvres d’après des oiseaux du sous-continent indien.

La toile Michapol I, qui fait partie de la série Polish Village, est élaborée à partir de variations de couleurs et de formes géométriques imbriquées, influencées en partie par le Constructivisme russe. Également inspirées par les synagogues polonaises du XVIIe au XIXe siècle, les œuvres de cette série sont des collages à grande échelle, dans lesquels l’artiste a collé du feutre, du papier et du bois sur la toile tendue.

Contrairement aux œuvres qui l’ont rendu célèbre avant 1960, dans lesquelles il avait éliminé toute profondeur, dans les années 1970, Stella commence à introduire du relief dans ses tableaux, initiant ce qu’il appellera la « peinture maximaliste » par ses attributs sculpturaux. L’élément distinctif était le volume qu’il obtenait grâce à des reliefs ou des éléments de collage, tels que du bois ou d’autres matériaux collés sur la toile. Il accentue également l’irrégularité des tableaux avec des formes étranges, ce qui est particulièrement évident dans le Eccentric Polygon de 1974. Ces nouvelles variantes stylistiques ont pris la forme de séries telles que Moby Dick, un hommage à Henry Melville (1985 à 1997), la série Raft of the Medusa (1990), celle consacrée à Heinrich von Kleist (1996 à 2008) et la plus récente, Scarlatti Sonata Kirkpatrick, commencée en 2006.

La peinture comme sculpture

Dans les années 1980, certaines des œuvres de Frank Stella ont également commencé à devenir plus tridimensionnelles, notamment depuis qu’il a commencé à utiliser l’aluminium, créant des pièces qui pourraient être considérées comme des sculptures, mais avec la force de la couleur de ses reliefs et les techniques de travail relativement compliquées, que l’artiste utilise pour créer ses cadres et ses surfaces irrégulières ou ses reliefs sculpturaux. Tout ce processus d’évolution créative a conduit Frank Stella vers deux nouveaux domaines : la sculpture en plein air – qu’il a commencée avec Decanter (1987) installée dans le parc du Museum of Fine Arts de Houston – et l’« architecture picturale », des projets de peintures murales dans des bâtiments et des espaces publics : pour la Gas Company Tower de Los Angeles (1991), pour le Princess of Wales Theatre de Toronto (1993) ou la peinture du plafond de la salle de concert et la peinture murale couvrant tout le mur du hall du Moores Opera House, sur le campus de l’Université de Houston (1997).