Le chemin vers l’abstraction.
Début juin 1922, Wassily Kandinsky arrive à Weimar, où il devient professeur au Bauhaus, une école d’art et d’artisanat visant à fournir des connaissances théoriques et pratiques des arts appliqués, du design industriel et de l’artisanat, fondée en 1919 par Walter Gropius. Pendant son séjour en tant que membre de l’école, celle-ci fut déplacée à Dessau en mai 1925, où Kandinsky resta jusqu’à sa fermeture en 1933. Pendant 11 ans, il a alterné son travail de peintre avec ses fonctions d’enseignant et de pédagogue. En tant que peintre, il abandonne sa phase dramatique et plus lyrique d’avant-guerre pour un style plus constructif, catalogué par l’artiste lui-même comme la « période froide ». Plus tard, lorsque le Bauhaus s’est déplacé de Weimar à Dessau, Kandinsky semble combiner la froideur géométrique avec la poétique des couleurs des étapes précédentes, parvenant à atteindre une abstraction romantique. Dans Cercle Bleu de 1922, les figures géométriques et les formes nerveuses abstraites sont mélangées, à mi-chemin entre le style désordonné des premières années à Moscou et le style clair et rationnel des dernières années. Kandinsky ferme ainsi sa parenthèse moscovite et reprend, avec un nouveau langage, le chemin vers l’abstraction.
En tant que professeur et théoricien, Kandinsky a développé une tâche pédagogique très intéressante basée sur le principe de la synthèse des arts et de l’abstraction, une perspective qui allait culminer dans son son livre sur la théorie des formes Point et ligne sur plan (1926). Outre les cours qu’il donne, l’artiste est très actif dans les conférences et les expositions avec d’autres collègues de renom tels que Feininger, Klee et Von Jawlensky, fondateurs avec Kandinsky du groupe Der Blaue Reiter.
Weimar : la géométrisation des formes
Dans sa démarche, le Bauhaus de Weimar, en tant qu’école, a voulu développer chez ses élèves la capacité d’appliquer l’expérience artistique à la conception de l’architecture et des objets du quotidien. Par contre, les peintures de Kandinsky ont perdu de leur intensité expressive et émotionnelle. Ces taches de couleur libres dans l’espace pictural sont maintenant remplacées par des lignes droites impeccables qui forment des figures géométriques et des cercles parfaits qui limitent l’expansion chromatique. Dans Composition VIII de 1923, peut-être l’œuvre la plus représentative de la période de Weimar de Kandinsky, le calcul, l’ordre, le design et la froideur définissent ce tableau, dans lequel le carré, le triangle, le cercle et d’autres figures géométriques jouent un rôle important. La ligne a pris le pas sur la couleur qui, contrairement aux œuvres de l’époque de Murnau, est désormais subordonnée à la forme.
Le climat intellectuel du Bauhaus de Weimar – où, par exemple, l’Histoire du soldat de Stravinsky et le Ballet triadique d’Oskar Schlemmer (Triadisches Ballett) ont été présentés pour la première fois lors de la fête du cinquième anniversaire en 1923 – a conduit l’œuvre de Kandinsky à atteindre un automatisme créatif marqué par les lois de l’analyse intellectuelle, perdant ainsi toute puissance émotionnelle. L’articulation compositionnelle, ainsi que la grande simplification et stylisation des éléments et des formes de certains des tableaux les plus importants de l’époque, rappellent en partie l’étape où l’artiste est enclin au décorativisme dominant, comme dans Ligne transversale de 1923, où un amalgame chromatique flotte sur la toile.
« L’artiste est la main qui, par l’usage convenable de telle ou telle touche, met l’âme humaine en vibration. Il est donc clair que l’harmonie des couleurs doit reposer uniquement sur le principe de l’entrée en contact efficace avec l’âme humaine. Cette base sera définie comme le principe de la nécessité intérieure. » Kandinsky : Du Spirituel dans l’art.
À Weimar, la situation politique devenait de plus en plus intenable. En août 1924, se propage la rumeur que Kandinsky et sa femme Nina sont tous deux communistes et donc dangereux. Le nazisme commençait ainsi son long et dévastateur voyage. Le 26 décembre, le Bauhaus de Weimar a été dissoute. Ses adversaires au sein du gouvernement de la ville allemande se sont imposé sur ses amis et partisans. L’art, la raison et les nouvelles idées, capitulent devant un pouvoir étroit d’esprit. Plusieurs villes étaient prêtes à accueillir le nouveau Bauhaus, mais la gagnante fut Dessau, avec laquelle un accord fut conclu en mai 1925. Dans l’œuvre de Kandinsky, la froideur et l’ordre des dernières années, qui avaient été renforcés surtout par un inexpressif fond blanc, ont commencé à changer vers 1925, lorsque le Bauhaus a déménagé à Dessau. La couleur prend le devant de la scène, tout comme la ligne courbe. Malgré cela, le peintre n’a pas réussi à transmettre la force et la vivacité de son époque dans Der Blaue Reiter, bien que l’on puisse y voir une tentative de poétisation de son œuvre.
Contrairement au rationalisme dominant dans l’architecture de l’institution, Kandinsky abandonne la froideur compositionnelle et chromatique pour évoluer, dans son œuvre et dans ses conceptions, vers une expressivité plus subjective.
Le Bauhaus à Dessau
L’année 1925 marque un certain changement dans la vie et l’œuvre de Kandinsky. Pendant cette période à Dessau, qui dura jusqu’en 1933, année où le Bauhaus fut définitivement fermé en Allemagne, Kandinsky continua à donner ses cours dans le cadre du cours préliminaire, dans lequel il fit une analyse très précise de l’essence de l’élément plastique isolé (point, ligne, forme, surface, espace et rythme), et il commença à vivre dans une maison jumelée, à côté de celle que son ami Paul Klee allait occuper (les deux maisons ont été conçues par Gropius). Kandinsky découvrait de nouvelles possibilités poétiques dans l’analyse des couleurs, humanisant le côté mathématique de la peinture et donnant de la douceur à la stricte composition des formes. Entre 1925 et 1928, on trouve des œuvres aux titres significatifs comme Accent en rose, Trois sons ou Plusieurs cercles, dans lesquelles toute la composition est basée sur le cercle. Le cercle et les trois couleurs primaires (rouge, bleu et jaune) servent au peintre à affirmer que la forme, même si elle est complètement abstraite et conserve une apparence géométrique, possède sa sonorité interne. Dans son livre Point et ligne sur plan, Kandinsky attribue différentes sensations à ces trois couleurs : le jaune chaud s’oppose au bleu froid, le rouge sert de transition entre les deux polarités du jaune et du bleu.
Kandinsky a éprouvé une grande fascination pour la synesthésie, c’est-à-dire le mélange d’impressions à partir de stimuli d’une modalité différente, qui permettrait, par exemple, « savourer les couleurs » et « sentir » les sons. La portée de l’œuvre est alors immense.
Le cercle a toujours été interprété comme un symbole de perfection. Dans l’œuvre Plusieurs cercles, Kandinsky renforce ce symbolisme par la solennité du fond sombre, donnant à la toile une nuance mystique et, en même temps, cosmique, comme si elle représentait un ordre supérieur. Une telle composition est loin de la froideur de sa période antérieure de Weimar. Ici, le spectateur est prisonnier du tableau, grâce aussi à ses grandes dimensions.
Des études intenses sur les figures géométriques primaires, comme le carré, le cercle ou le triangle, ont conduit Kandinsky à mener de véritables expériences picturales dans lesquelles il semble avoir près d’un demi-siècle d’avance sur l’art contemporain. Un exemple serait l’œuvre Carré, que nous pourrions sans doute inclure dans l’art dit cinétique ou op art qui est apparu au début des années soixante, fasciné par la perception des phénomènes visuels et par l’illusion du mouvement.
En 1928, le rêve de l’artiste de combiner les différents arts en une œuvre totale, en utilisant des termes wagnériens, comme point culminant de la synthèse artistique, est devenu réalité. En avril 1928, Kandinsky a pu diriger Tableaux d’une exposition de Moussorgski, son compositeur préféré, au théâtre de Dessau. Soutenu par un éclairage coloré et des figures abstraites en mouvement, il a conçu des tableaux animés pour les 16 parties de l’œuvre musicale. Sur la base de la partition, il a mis en scène chacune des parties selon ses propres critères. Le rythme de la musique était synchronisé avec les actions optiques. Ainsi, sur la scène, le peintre a réalisé la synthèse authentique des arts, dans laquelle la musique, la couleur et la forme en mouvement sont combinées. Tableaux d’une exposition est un magnifique exemple de ce qui, dans les compositions romantiques, est connu comme musique à programme ou musique programmatique.
Dans la période de 1926 à 1933, l’œuvre de Kandinsky est caractérisée par une intériorité romantique et une substantialité orientée vers le côté cosmique de la nature, bien qu’elle soit toujours présentée dans le cadre de l’apparence formelle la plus stricte, malgré le fait que les figures soient de plus en plus présentées de manière isolée comme faisant partie d’un tout et non comme un ensemble équilibré. La rigueur formelle n’est jamais en contradiction avec l’attitude romantique, c’est pourquoi certains critiques ont voulu décrire cette période Kandinsky comme période architecturale.
Le contact entre Paul Klee et Kandinsky pendant la période du Bauhaus à Dessau les a conduits à une influence mutuelle. L’œuvre Vers le haut est un exemple clair de synthèse entre naturalisme et construction géométrique. On peut y déceler une déconstruction d’un visage humain à partir de simples figures géométriques.
La fin d’une école prestigieuse
Malgré le bon climat culturel qui règne au Bauhaus, celui-ci est, à partir de 1928, la cible de la police réactionnaire du parti national-socialiste, pour qui il devient rapidement synonyme de “ bolchevisme culturel “. Tel était le terme appliqué par ces cercles réactionnaires à l’art moderne dans son ensemble. Le 23 août 1932, le parlement de la ville de Dessau, à la demande des nazis, décide de dissoudre le Bauhaus en tant qu’institution de l’État. L’architecte Mies van der Rohe, directeur du Bauhaus depuis 1930, et Kandinsky lui-même, sont déterminés à sauver l’école en la transformant en une institution privée à Berlin, où les cours reprennent en octobre 1932. L’un des brillants festivals du Bauhaus a encore lieu le 18 février, mais le 11 avril, le régime nazi, qui vient d’arriver au pouvoir, décide de fermer définitivement l’école, la scellant sous prétexte d’agitation communiste. Mies van der Rohe intervint, et l’on espérait que le gouvernement permettrait sa réouverture tant que le personnel enseignant acceptait les idées des nazis sur l’art. Parmi les conditions imposées figurait le licenciement immédiat de Kandinsky. Comme ces conditions étaient irréalisables, le conseil des enseignants a décidé de dissoudre l’école. Kandinsky émigre à Paris. C’est à l’automne 1933 qu’il arrive dans l’une des villes européennes les plus représentatives de l’art contemporain du XXe siècle. Reflet des temps difficiles, les peintures de cette période présentent une structure sobre, dissonante et souvent rigide. Cependant, l’idée que la tension entre la forme et la couleur, et les caractéristiques émotionnelles et spirituelles des éléments picturaux doivent répondre à un impératif intérieur, a toujours présidé l’œuvre de l’artiste.
Bibliographie
Conil Lacoste, Michel. Kandinsky. Flammarion, 1979
Becks-Malorny, Ulrike. Kandinsky. Taschen. 2007
Triadó Subirana, Xavier. Kandinsky. Tikal. 2009
Hermann, Brigitte. Kandinsky. Sa vie. Hazan, 2009
Fox Weber, Nicholas. La Bande du Bauhaus. Six maîtres du modernisme. Fayard, 2015
